Questi i video selezionati: L’eternité par les astres di Riccardo Giacconi; Rumore nero di Elisa Monaldi;  Every day di Pietro Mele; Burning, falling, brushing di Jacopo Natoli; Tommy Gun di Nicola Nunziata; Existenzminimum di Daniele Pezzi. La presentazione delle opere selezionate avrà luogo venerdì 27 gennaio alle ore 18.00 negli spazi espositivi del Museo San Francesco e in tale occasione verrà proclamato il video vincitore, che entrerà a far parte della collezione della Galleria d’Arte Moderna e Contemporanea di San Marino, e conferito il premio.

Una più ampia selezione di opere partecipanti al concorso sarà presentata durante il V Concerto per la Giornata Internazionale della Memoria del San Marino Ensemble diretto dal Maestro Massimiliano Messieri (27 gennaio 2012, ore 21.15, Teatro Titano). Per tale occasione i video saranno complementari all’evento e verranno proiettati privi di audio.

27 gennaio – 12 febbraio 2012
Tutti i giorni  9.00/17.00 – Ingresso libero
Per informazioni:
Galleria d’Arte Moderna e Contemporanea
Scala Bonetti, 2 – 47890 San Marino
tel. 0549.885414
Ufficio Stampa Galleria – ufficiostampa.galleria@pa.sm

Inez van Lamsweerde & Vinoodh Matadin, "Anastasia", 1994. Pittura digitale, C-print, cm 114 X 110. Galleria Primo Marella, Milano

Se è pur vero che la produzione artistica, in quanto strettamente legata a un processo creativo al quale partecipa consistentemente la fantasia, ha dato mostra di certa visionarietà già in epoca remota (basti pensare alle opere allucinate di Hieronimus Bosh), è a partire del movimento surrealista che l’immagine fantasiosa entra a formare parte delle consuetudini artistiche e lì permane ancora oggi. Ma ciò che persiste come norma estetica ha subito profondi cambiamenti in termini comunicativi e, come è auspicabile, si è fatta portavoce di una società molto diversa.
I surrealisti del secolo scorso si videro testimoni di una rivoluzione culturale che, grazie al radicamento delle nuove teorie psicoanalitiche, assegnava all’individuo una nuova consapevolezza, incentrata sul riconoscimento di una forma di pensiero inconscia. Tale cognizione convalidava l’uso, nella pratica artistica, di sistemi creativi basati sulla libera associazione di idee e sulla rappresentazione del mondo interiore, il quale lasciato libero di manifestarsi origina immagini oniriche facilmente riconoscibili come fantasiose.
Indubbiamente si può rintracciare nell’opera di una buona parte di artisti contemporanei certa familiarità con l’immaginario fantastico dei surrealisti, eppure, con la stessa immediatezza, si può percepire una maniera diversa di ricorrere al surreale, atteggiamento nuovamente imputabile a una trasformazione culturale.

Tony Ousler, “ Untitled, (Head wiht Tools)”, 2009. Videoproiezione su fibra di vetro, acqua, resina e tools; cm 100 x 91 x 76. Galleria Soledad Lorenzo, Madrid

La rivoluzione tecnologica e la conseguente globalizzazione e mediatizzazione della realtà, hanno reso possibile quella spettacolarizzazione profetizzata da Guy Debord che, portata agli estremi odierni, ci ha reso incapaci di effettuare una discriminazione tra reale e falso, e secondo cui percepiamo immagini vere come false e riproduzioni fittizie come reali.
L’avvento di internet, la diffusione dei media, applicazioni informatiche come Photoshop e l’alienante volontà di ridurre la realtà al servizio dello show-business, hanno attivato una norma che prevarica l’attendibilità dell’immagine documentaria in favore di un continuo ricorso alla manipolazione di informazione e immagini, generando nella coscienza collettiva un nuovo codice di lettura del mondo.

Matthew Barney, "Cremaster 4: Loughton Manual", 1994. C-print, cornice di plastica autolubrificata; collezzione privata, Italia

A questo gioco dei doppi tra verità e finzione, si riferiscono gli artisti del surreale che, in risposta alla logica dei mezzi di comunicazione, ritraggono i comportamenti paradossali che ne derivano, creando immagini surreali, che risultano difficili da accettare come reali.
Seppure i contorni sembrano tracciare ancora la sagoma di un mondo immaginario, non si tratta più del riflesso di un inconscio perturbato della realtà, ma del ritratto, immortalato del vero, di una realtà perturbata da una nuova concezione di essa.

Eleonora Scherini

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Sede: IVAM Institut Valencia d’Art Modern – Valencia
Date: 6 Ottobre 2011 – 8 di Gennaio 2012

Tomas Saraceno, “Cloudy Dunes. When Friedam Meets Bucky on Air Port – City”. Progetto speciale per il MACRO di Roma, 2011. Collezione Fondazione Edoardo Garrone, Genova. Courtesy l'artista e Pinksummer, Genova. Foto Altrospazio, Roma

Le nuvole sono galleggianti e adattabili, versatili e mobili, aperte a infinite possibilità, compresa quella di creare una città (im)possibile, una nuova architettura urbana. Il progetto, curato da Luca Massimo Barbero e promosso da Roma Capitale, Assessorato alle Politiche Culturali e Centro Storico-Sovraintendenza ai Beni Culturali, ha dato forma a una struttura composta da moduli realizzati con 18 Km di tubi bianchi per cavi elettrici, una struttura di «volo e di sabbia, dove il granello è un’unità microsopica e infinita» allo stesso tempo. I 500 dodecaedri, assimilabili alle cellule viventi di un organismo palpitante, creano una monumentale suggestione che si espande, una grande tela di ragno tridimensionale che invade la sala di fronte all’auditorium, cuore rosso del Macro, dal pavimento al soffitto, dagli angoli alle passerelle sospese. L’oscurità è interrotta a intermittenza dai bagliori delle proiezioni di video realizzati con energia eolica. Le foto che compongono i sei video sono state scattate dallo stesso Saraceno nel paesaggio naturale del Lencois Maranhenses Park, nel nord del Brasile, una zona mai raggiunta dall’energia elettrica, con un sensore ottico azionato dalla forza del vento: dalla sua intensità dipende direttamente la velocità con cui scorrono i diversi fotogrammi nelle sequenze. I video attraversano l’atmosfera rarefatta, in bianco e nero, della sala, facendosi ‘proiezione’ di infinite possibilità, che in parte si sovrappongono a quelle teorizzate da Richard Buckminster Fuller: una rete di energia capace di collegare tutto il mondo e di oltrepassare i confini geografici e culturali.

Tomas Saraceno, “Cloudy Dunes. When Friedam Meets Bucky on Air Port – City”. Progetto speciale per il MACRO di Roma, 2011. Collezione Fondazione Edoardo Garrone, Genova. Courtesy l'artista e Pinksummer, Genova. Foto Altrospazio, Roma

È un poeta del cosmo Saraceno, con la capacità di coniugare la ricerca indirizzata verso un’architettura transnazionale, mobile, aerea, aperta, avvolgente ed ecologica, con la meditazione sugli stati dell’anima, con la consapevolezza che ciò che è sano si muove dinamicamente nella ‘rete della vita’, per citare il titolo del libro di Fritjof Capra. Per lo stesso motivo non sente la nazionalità, nè la propria nè quella degli altri, non distingue fra arte, architettura, scienza e filosofia, ed è convinto che si possano sperimentare vari modi di vivere.
Affascinato da Fuller e da Yona Friedman, ha immaginato di far dialogare queste due figure chiave dell’architettura utopistica: Friedman meets Bucky. Con Friedman, che ha relizzato in realtà solo un paio di opere – tra cui il Museo delle Tecnolgie Possibili a Madras, in India, nel 1987 – ma ha teorizzato molte città future, nell’‘utopia realizzabile’, Saraceno ha lavorato a un progetto al Cabaret Voltaire di Zurigo, ispirato al Merzbau di Schwitters. Sono entrambi ‘architetti del mondo’. Per la grande installazione al MACRO Saraceno si è ispirato alla favolosa teoria della Ville Spatiale, esposta nel 1956 da Friedman e poi riproposta più volte, una delle quali a Zurigo, supposizione di architetture e di infrastrtutture che possano essere continuamente adattate e ‘vivificate’ da chi le abita.

Tomas Saraceno, “Cloudy Dunes. When Friedam Meets Bucky on Air Port – City”. Progetto speciale per il MACRO di Roma, 2011. Collezione Fondazione Edoardo Garrone, Genova. Courtesy l'artista e Pinksummer, Genova. Foto Altrospazio, Roma

Nell’installazione romana compare un’altra fonte di suggestione. Saraceno è da sempre affascinato dalla trama tridimensionale e perfetta delle ragnatele, modello di comparazione nella teorizzazione della nascita dell’universo, millennium simulation, la più grande simulazione che sia mai fatta della crescita di una struttura cosmica e della formazione di galassie e quasar. Saraceno immagina così che le ragnatele possano essere gli ascensori spaziali verso il futuro, o i ‘futuri’ – come ama dire – possibili, dove le città, gli edifici, gli elementi siano parte di un universo galleggiante regolato dall’armonia.
Il progetto Cloudy Dunes, presentato per la prima volta nel 2006 da Attitudes a Ginevra, e nel 2008 alla Fondazione Garrone a Genova, assume oggi un valore centrale nella ricerca artistica di Saraceno, specialmente se riletto alla luce dell’interazione con l’architettura dinamica del MACRO, nata essa stessa dall’intenzione di dare vita ad uno spazio che dialogasse con la città circostante, e che oggi assume le sembianze di un grande dodecaedro che avvolge tutti i dodecaedri di Saraceno. Il modulo di Cloudy Dunes, monade di una forza globale, appare come una sorta di metafora dell’ontologia urbana e, più in particolare, di quella architettonica, forma duttile e vitale della mobilità sociale e abitativa, magnificamente raccontata da questa installazione-evento.
«Poesia e ricerca si combinano in modo permanente e al tempo stesso mutante … uno straordinario sogno della vitalità del contemporaneo, che per un attimo si materializza … per una fantastica e possibile visione di viaggio» (L. M. Barbero per la presentazione di Cloudy Dunes. When Friedam Meets Bucky on Air Port – City ).

Valeria Santoleri
Mostra visitata il 24.6.2011

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Sede: MACRO – Via Nizza (angolo Via Cagliari) – Roma
Date: 25 Giugno – 9 Ottobre 2011
Orari: Dal Martedì alla Domenica, dalle ore 11.00 alle ore 22.00; chiuso Lunedì
Vernissage: 24 Giugno
Autori: Tomás Saraceno
Curatore: Luca Massimo Barbero
Biglietti: Intero: € 11,00; Ridotto: € 9,00. Per i cittadini residenti nel Comune di Roma (mediante esibizione di valido documento che attesti la residenza): Intero € 10,00; Ridotto € 8,00. (La biglietteria chiude un’ora prima)
Note: Evento promosso da Roma Capitale, Assessorato alle Politiche Culturali e Centro Storico – Sovraintendenza ai Beni Culturali
Info: Tel. 060608 (tutti i giorni ore 9.00-21.00)
Ufficio Stampa: Zetema | info@zetema.it
Genere: Personale, Arte Contemporanea, Installazioni, Video

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]]> http://www.artkernel.com/?feed=rss2&p=5520 0 http://www.artkernel.com/?p=5451 http://www.artkernel.com/?p=5451#comments Fri, 01 Jul 2011 16:23:04 +0000 Redazione http://www.artkernel.com/?p=5451 La decima edizione di LPM – Live Performers Meeting ha inizio il 22 settembre 2011. LPM offre la possibilità irripetibile di vivere 4 giorni di performance a/v, vjing, workshop, panel discussion, product showcase che uniscono un’incredibile comunità di vjs, audiovisual artist, professionisti dei nuovi media e thinkers da tutto il mondo.

L’edizione 2010 al Brancaleone a Roma ha registrato 301 artisti da Germania, Italia, Olanda, Francia, Israele, Svizzera, Polonia, Taiwan, Ungheria, United States, Austria, Grecia, Brasile, UK, Spagna, Repubblica Ceca, Bulgaria, Portogallo, Irlanda, Norvegia, Nuova Zelanda, Turchia, Lettonia. Sono stati presentati 177 progetti, tra performance, workshop e showcase. LPM mantiene la formula dei 4 giorni, ma questa volta vengono presentate specifiche aree di ricerca artistica senza il limite di un unico tema giornaliero. In questo modo speriamo di offrire un programma stimolante e sorprendente, presentando ogni giorno pratiche artistiche differenti e supportando la ditribuzione libera di conoscenza grazie ai vari workshop, presentazioni e panel discussion.
Il programma giornaliero dell’evento:
15:00 – 21:00 Workshop
15:00 – 16:00 Lecture e conferenze
16:00 – 18:00 Presentazioni di progetti e prodotti
18:00 – 04:00 AV Performance e VJ / DJ set

Per tutta la durata dell’evento le installazioni audiovideo e le altre opere in mostra rimangono disponibili al pubblico; è inoltre possibile usufruire di aree più riservate dove discutere e scambiare idee e contenuti.

Le iscrizioni sono aperte fino al 15 luglio 2011

Affrettati a presentare il tuo progetto!
http://www.liveperformersmeeting.net/2011minsk/it/partecipa/

info e link: http://www.liveperformersmeeting.net/2011minsk/

Jannis Kounellis, “Senza titolo”, 1989. Ferro e juta, cm 104 x 75 x 18.

L’evento si svolge nell’ambito dell’edizione 2011 di Arcipelago, il principale festival italiano di cortometraggi e nuove visioni, lo stesso che per primo rivelò il talento del regista napoletano. Formatosi alla scuola di Pedro Almodovar, Pappi Corsicato ha incamerato le atmosfere di ‘capotiana’ memoria dello straordinario maestro, in cui l’attenzione all’arte contemporanea è una delle componenti vitali. Lo descrivono in tal senso le collaborazioni con il MADRE, il museo di arte contemporanea nel cuore di Napoli, ‘sgarrupato’ nella gestione e pericolante quasi quanto la tanto bistrattata Parthenope, ma vivo e palpitante, come l’acronimo che richiama il più forte e primigenio legame di sangue. Comune denominatore dei corti di Corsicato è proprio Napoli, teatro delle installazioni degli artisti presenti in mostra, riprese dal regista durante gli allestimenti. I racconti, intimi e poetici, si soffermano sui momenti artistici solo un attimo prima che il filmato sconfini nel reportage, coinvolgendo operai e passanti, oltre agli artisti-registi. Ne sono uno splendido esempio Offertorio e La montagna di sale. Il primo è un video del 1996 dedicato a Jannis Kounellis, che racconta il posizionamento di una lunga lastra di metallo da cui fuoriescono lingue di fuoco nel mezzo di piazza del Plebiscito, contemporaneamente dalla volta del portico della chiesa di San Francesco di Paola pendono più di duecento armadi, sorretti da pesanti funi. È un filmato fortemente ‘materico’ e al contempo soffusamente magrittiano, animato dagli oggetti quotidiani che spesso ricorrono nelle opere di Kounellis, riassunti lapidari di memoria e di presente.

La montagna di sale racconta il grande allestimento realizzato da Mimmo Paladino nel 1995, anch’esso nella rotondità borbonica di piazza Plebiscito.

Pappi Corsicato, “Offertorio”, 1996. Still da cortometraggio. Courtesy The Office Contemporary Art, Roma.

Tutti i filmati sono fruibili su tablet Samsung Galaxy posizionate accanto alle opere, nell’intenzione di alternare la visione dinamica del corto a quella contemplativa delle opere pittoriche. In effetti i supporti utilizzati dalla piattaforma Android, che pure rappresentano la risposta ‘democratica’ ed efficiente alle seducenti rotondità della “Mela”, riducono notevolmente l’intensità dei racconti, per i quali l’ideale sarebbe stato il canonico e mai superato maxischermo. Si farebbe volentieri a meno anche degli auricolari, lasciando così a una leggera e un po’ inquietante eco “da seminterrato” la possibilità di sottolineare teatralmente l’efficacia delle immagini. Il dolore che è nella genesi stessa della Montagna di sale non può essere costretto nel piccolo schermo di una tablette. E il piccolo schermo di una tablette non può sostenere il ricordo del terremoto di Gibellina, dove nel 1990 il grande maestro beneventano allestì per la prima volta il grande cono di sale: era la quinta de La sposa di Messina, spettacolo teatrale di Schiller, e, allo stesso tempo, la materializzazione della “fuoriuscita” palpabile del dolore provocato dalla distruzione. L’evento, riprodotto splendidamente cinque anni dopo nel Foro Ferdinandeo, è al centro del filmato di Corsicato, che è riuscito a raccontare l’entusiasmo dei napoletani e di quanti su quella montagna di sale da cui emergono teste e mezzi corpi di animali in bronzo si sono arrampicati, l’hanno scomposta, l’hanno squassata, hanno riso, hanno ricordato.

Pappi Corsicato, “Offertorio”, 1996. Still da cortometraggio. Courtesy The Office Contemporary Art, Roma.

Ma la rassegna romana ha il pregio di riunire sei Maestri in un percorso fortemente espressivo, per quanto minimale, ed è significativo che si svolga in contemporanea alla grande mostra in corso a Venezia, alla Fondazione Guggenheim, dedicata alla collezione di Ileana Sonnabend: una donna straordinaria che seppe intuire la portata di un gruppo di artisti legati dal destino comune di aver rivoluzionato il mondo dell’arte, «peintre[s] de la vie moderne», come li avrebbe definiti Charles Baudelaire. Ecco allora Jannis Kounellis, con la sua urgenza poetica e polimaterica, esordiente proprio a Roma nei primi anni ’60. Luigi Ontani, intellettuale e sperimentatore, recentemente insignito del Premio McKim 2011 dall’American Academy in Rome per celebrare i 45 anni di carriera, un premio tributato a personaggi come Renzo Piano, Cy Tombly, Umberto Eco. Mimmo Paladino: «Nell’opera di Paladino, come nella poesia di Baudelaire, ‘foreste di simboli’ si sviluppano sotto gli ‘sguardi familiari’ dell’artista, in un equilibrio senza contrasti tra natura e storia, organicità e memoria, romano e gotico, avanguardia e tradizione …» (Achille Bonito Oliva, Transavaguardia, in «Art & Dossier», n. 183, 2002). Giulio Paolini, regista acuto del rapporto tra le opere, lo spazio espositivo, il tempo e lo spettatore, maestro del ‘rispecchiamento’ e del ‘ribaltamento’, della mimesi e del ‘doppio’. L’esperienza diretta sul colore di Ettore Spalletti e, infine, le alchimie materiche riassunte dal simbolo a forma di stella di Gilberto Zorio.

Valeria Santoleri
Mostra visitata il 20.6.2011

La decisione è stata presa in seguito alla comunicazione da parte dell’amministrazione comunale che nega il permesso al suo regolare svolgimento nella location sopraindicata per motivi legati alla mancanza di un collaudo della struttura.

La direzione precisa inoltre quanto segue:

Il collaudo della struttura ospitante il festival spetta al proprietario della stessa e non agli organizzatori della manifestazione.

E’ sorprendente inoltre che questa richiesta sia stata fatta presente alla direzione a soli 4 giorni dal festival, dopo che la completezza della documentazione era stata verificata prima della sua presentazione con i funzionari del competente ufficio.

In ogni caso se il problema, come scritto nel provvedimento deriva solo dal mancato rispetto della capienza certificata nel 2001, vista l’imminenza della manifestazione e considerati i gravi danni che il suo mancato svolgimento comporta per l’organizzazione, bene avrebbe potuto il dirigente autorizzare il festival per una capienza limitata corrispondente a quella certificata nel 2001.

Ci sia consentito inoltre di rilevare come evidentemente quest’anno sia mancata la volontà politica di far svolgere questa manifestazione perchè come ben sanno in Comune in molti altri casi in passato quando tale volontà c’era la soluzione si è voluta trovare ritenendo superiore l’interesse dello svolgimento dell’evento rispetto al mancato adempimento di alcune formalità burocratiche.

Alla luce di tutto ciò l’Associazione Culturale Muv Festival si riserva di valutare con i propri legali se vi siano gli estremi per una richiesta di risarcimento del danno dato che per i tempi ristretti non è certo possibile far ricorso all’autorità giudiziaria per ottenere la possibilità dello svolgimento della manifestazione.

In sette anni di vita Muv Festival ha ospitato più di 500 artisti provenienti da tutto il mondo dando ampio spazio a progetti formativi di qualità con strutture affermate nel settore delle produzione digitale.

Più di 200.000 spettatori, un picco di 30.000 presenze soltanto nella scorsa edizione alla quale spetta il merito di aver riaperto una location storica come l’Anfiteatro delle Cascine chiusa da 10 anni.

Francamente ci sfugge il motivo per cui questa manifestazione debba essere schiacciata negli assurdi ingranaggi burocratici di una città che chiede solo di poter produrre cultura.

La direzione di Muv Festival
Gianluca Lucente e Luana Stamerra

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FOCUS

A pochi giorni dalla sua apertura il MUV di Firenze rinnova la grande qualità delle scorse edizioni con un programma ricco e variegato pronto a coinvolgere appassionati ed esperti con proposte di approfondimento sulle nuove frontiere della sperimentazione digitale. E con nomi di rilievo internazionale che già lasciano intuire presenze da record.

Giunto alla sua settima edizione, quest’anno il MUV – Festival di musica elettronica e arti digitali – cambia location e dall’Anfiteatro delle Cascine si sposta negli spazi suggestivi della Limonai di Villa Strozzi, in cui si alterneranno per 5 giorni Dj set, workshop, seminari, e contest dedicati, secondo una struttura tripartita, all’interaction design, alla live media performance e allo short movie.
A confrontarsi in questa kermesse, accostati a giovani talenti, alcuni dei maggiori artisti della scena elettronica contemporanea; dalle sonorità techno-funk della berlinese Monika Kruse e del cubano Maceo Plex, con il suo nuovo album “Life Index”, durante il primo appuntamento in programma, alle sonorità black di P Money e del londinese Sukh Knight del secondo giorno, per approdare al terzo giorno con l’attesa presenza del sound artist Robin Rimbaud Aka Scanner il quale darà vita a una performance live in collaborazione con il regista e multimedia artist Claudio Sinatti.
Da sottolineare la Rassegna Videozone, distribuita sui 5 giorni del Festival, la quale offrirà una panoramica dell’attuale produzione di videoarte, tenendo conto degli aspetti tecnologicamente più innovativi e originali.

Info & programma: http://www.firenzemuv.com

Elvira D’Angelo

Un progetto a cura di Associazione culturale MUV, INTOOITIV organizzazione eventi.

Nell’ambito di Firenzestate 2011

In collaborazione con Comune di Firenze  – Assessorato alla Cultura e alla Contemporaneità

La settima edizione di Muv, festival di musica elettronica ed arti digitali, si svolgerà a Firenze dal 1 al 5 giugno 2011 a Firenze.  Il programma, realizzato da Associazione Culturale Muv e Intooitiv organizzazione eventi, prenderà forma all’interno dell’esclusiva cornice della Limonaia di Villa Strozzi.
Dopo lo straordinario successo dello scorso anno all’Anfiteatro delle Cascine, 30.000 presenze in solo 6 giorni, la manifestazione apre l’Estate Fiorentina 2011 con una ricca selezione di ospiti internazionali, workshop sempre più vicini alle nuove frontiere della sperimentazione digitale e contest dedicati all’interaction design, ai live media e al video.

Monika Kruse

Tra le main guest in programmazione nel primo giorno spicca sicuramente Monika Kruse, producer techno-funk tedesca che con il suo primo album  “Changes of Perception” ha convinto pubblico e critica aggidicandosi il titolo di miglior album del 2008 su Germany’s Raveline Magazin. Da non trascurare sempre in questo giorno la presenza di Maceo Plex, producer originario di Miami ma di origini cubane che presenterà al Muv il suo ultimo album “Life Index” uscito nel febbraio 2011 su Crosstwon Rebels, l’etichetta di Damian Lazarus.
Il secondo giorno del festival è quello dedicato alle nuove sonorità “black”,  spazio quindi a P Money, uno dei più promettenti Mc grime della nuova generazione, e a Sukh Knight producer dubstep dell’east London che, grazie alle sue produzioni  su True Tiger Recordings, in pochissimi anni ha avuto un impatto fortissimo su tutta la scena inglese.  I primi illustri testimoni di questa clamorosa ribalta sono David Rodigan, Jahcoozi,  N Type, Plastician e Hatcha; ma la lista sarebbe ancora lunga.
Dopo le bassline di giovedì il terzo giorno del festival ospita, dopo quasi due anni di attesa, l’artista multimediale di origine britannica Scanner, dal vivo sul palco del muv insieme a Claudio Sinatti – regista milanese e ideatore di innovativi sistemi video spaziali e di visualizzazione del suono. In questa occasione i due artisti  daranno forma al lavoro dei dieci allievi iscritti al workshop live video ensemble.
Altri nomi assolutamente degni di nota in questa terza giornata di programmazione del festival sono l’americano Jay Haze, attivo su etichette blasonate come BPitch Control e Cocoon, l’italiano Davide Squillace, uno dei maggiori esponenti della techno made in italy, e Marco Faraone, giovane talento di 22 anni molto apprezzato dai veterani della scena dance, uno su tutti Alex Neri.

P Money

Nel weekend saranno ben 5 le main guest sul palco della Limonaia di Villa Strozzi.
Nella giornata di sabato il programma propone Mark Broom, uno dei dj più popolari del Fabric di Londra attivo su 2020 vision e Bpitch Control al quale segue lo svedese Cari Lekebusch, dj producer accostato a nomi del calibro di Adam Bayer, Joel Mull, Alexi Delano e Jasper Dahlback, solo per citare alcuni.
Il giorno di chiusura, prevede l’apertura alle tre del pomeriggio all’interno del Parco della Limonaia e potrà vantare la presentazione in anteprima nazionale del nuovo album dei Minimono “Runaway”, già definito dagli addetti ai lavori come  un eccezionale blend di house music e down-tempo. A seguire  il live dei Supernova reduci dalla partecipazione al rinomato Ultra Music Festival 2011 di Miami, e gli Audiobullys, veri e propri pesi massimi della scena dance inglese considerati dai  media alla stessa stregua di Groove Armada Basement Jaxx, Tom Dinsdale e Simon Franks.

PR Audio Bullys

Molti anche gli ospiti della più vivace scena locale e nazionale tra i quali citiamo:  Miro, The Eming, Cole, Philipp, Ragnampiza, Pepesoup, Numa Crew, Dj Foster, Ganji Killa, Lorenzo Ballerini, Teo Naddi, Maal Bros, Samtech, M.a.r.e.k, Jaka, Lu Mi, Tomato Sound soup, Ponz.
Una menzione speciale spetta infine ai visuals che tesserano il bellissimo tappeto visivo che farà da sfondo alle performance del Muv: Werk, Niccolò Presenti, Influx, Vj lp, Pornorobotz, Urtropode.

Info e programma completo su: www.firenzemuv.com – info@firenzemuv.com

Ticket 10/20 euro (con consumazione inclusa)

Infoline: 055/6530215 – 393 9012549

SEZIONE FORMATIVA

Muv Contest

Il tema del muv contest 2011 è dedicato al gioco e alla sua interazione con la musica e le digital art. Nella lingua inglese il verbo “to play”  ha un duplice significato. Da un lato si riferisce alla pratica del gioco dall’altro invece all’arte di eseguire la musica o dare vita ad una azione teatrale. Il campo semantico di questa parola racchiude quindi il concetto che sarà fonte di ispirazione del muv contest, un concorso suddiviso in tre diverse sezioni: interaction design, live media e short movie.

Lud in ! – LUDIC INTERFACES 01 è il  titolo della prima sezione del muv contest, un progetto dedicato all’interaction design curato da  Antonio Boldrini che  offre la possibilità a giovani artisti, progettisti, studenti e appassionati di tutto il pianeta di mostrare al mondo le proprie creazioni all’interno degli spazi espositivi di MUV Festival 2011. La partecipazione è gratuita e aperta a (interaction) designers, artisti, ricercatori, architetti e studenti italiani e stranieri. Il divertimento è tutto ciò che è legato alla game art si sta rivelando una  forma sempre  piu efficace  per l’apprendimento. Imparare giocando, questa la nostra sfida legata alle istallazioni interattive che prenderanno parte al festival nella prossima estate: “Fateci vedere come sensibilizzare il pubblico di tutte le età alla questione ecologia, al rispetto dell’ambiente e alla salvaguardia delle risorse idriche. Come insegnare lingue straniere o le nozioni fondamentali di matematica e fisica ai bambini, come imparare ad ascoltare, capire comporre musica e video attraverso dei giochi interattivi”.
La seconda sezione è invece dedicata alle live media performance.  Attorno a questo nucleo tematico sono raccolti invece progetti performativi, creati da singoli artisti o gruppi di lavoro, che utilizzino le pratiche live insite nella natura dei nuovi media. Live Cinema, Mixed Media, performance audiovisive, dj associati a vj set, etc… sono tutti ambiti di produzione che indagaremo per scoprire nuovi talenti capaci di creare inedite forme di interazione tra suono e immagine, votate alla sinestesia e alla multimedialità. I progetti selezionati entreranno nel programma ufficiale di Muv 2011, condividendo il palco con importanti protagonisti della musica e delle arti elettroniche internazionali, e saranno promossi presso altre manifestazioni e festival.
La terza sezione infine, quella è invece rivolta agli short movie ed è curata da Piero Fragola.
Questo concorso  si pone come obiettivo l’analisi di tematiche quali la competizione, i ruoli, il confronto, i conflitti e le tensioni sociali che  vengono trasformati dal gioco in ludico equilibrio delle parti. Quanti sono i giocatori? Quali sono le regole del gioco? Qual’è l’obiettivo da raggiungere? I giocatori si esprimono attraverso i gesti, le parole, attraverso i codici imposti dal gioco, spesso con l’ausilio di elementi propri del gioco stesso.
Cosa muta nel tempo? Cosa permane? Cosa scompare? Cosa attualizza il gioco rendendolo parte del nostro linguaggio quotidiano?

Bando, premi, informazioni e form d’iscrizione sono disponibili sul sito ufficiale del festival al seguente link www.firenzemuv.com/2011/contest.html – info: info@firenzemuv.com – le iscrizioni sono aperte fino al 20 maggio 2011.

Workshop

DJING & LIVESET CON ABLETON LIVE
A cura di Ableton

Per tutti coloro che vogliono avvicinarsi alla “Computer Music”, Ableton Live, semplice e intuitivo da utilizzare, offre la possibilità di creare, modificare e personalizzare suoni in infinite combinazioni, e di riprodurre il tutto in live set.

LIVE VIDEO ENSEMBLE
A cura di Claudio Sinatti

Workshop di improvvisazione audiovisiva, ideato e curato da Claudio Sinatti  in collaborazione con Daniele Ciabattoni.  Scopo del workshop è di focalizzare l’attenzione dei partecipanti sull’aspetto performativo di questa pratica, la relazione con lo spazio, il pubblico, la musica, l’allestimento e il rapporto con gli altri membri dell’ensemble.

INTO THE PICTURE!
A cura di InFlux

Il workshop, rivolto a chiunque sia interessato al vjing, si focalizzerà sull’utilizzo che si può fare della fotografia all’interno di un vj-set: le tecniche di missaggio, sampling e destrutturazione dell’immagine stessa, approfondendo le potenzialità dei software e sperimentando tecniche di ripresa finalizzate ad una performance live.

CLUBBING PHOTOGRAPHY
A cura di Sandro Bini

Il lavoro sarà finalizzato alla realizzazione di un reportage fotografico su una serata di dance elettronica nell’ambito di Muv Festival 2011. Le foto selezionate saranno pubblicate sul sito e i social network di Muv Festival e Deaphoto.

L’IPAD DEL FOTOGRAFO
In collaborazione con Fnac e Fondazione Studio Marangoni

Seminario dedicato all’acquisizione di immagini da periferiche come iPhone, fotocamere wireless, connessione USB, al loro editing su Adobe Photoshop Express e all’uso di app di fotoritocco come “touch retouch” e “photo retouch”.

Maggiori informazioni: www.firenzemuv.com – info@firenzemuv.com – 055/6530215

Videozone

La rassegna propone una panoramica dei lavori più contemporanei nel campo video, mettendo a confronto il meglio della produzione giovanile con opere di video artisti tra i più affermati sulla scena mondiale. La selezione presenta opere di vario genere scelte in base all’innovatività e alla capacità di unire tecnologia e creatività artistica in modo originale.

Per l’edizione 2011 saranno presentati nell’Anfiteatro della Limonaia di Villa Strozzi di Firenze i seguenti progetti:

• LPM (Live Performers Meeting) – Selezione speciale 2010

• CELESTE PRIZE – Selezione video 2010

• ROMA EUROPA WEB FACTORY – selezione video 2011

• VIEW FEST – Digital Movie Festival

• MUV FESTIVAL – Volume 5

Informazioni pratiche

All’interno dell’intera area del festival ampia zona bar e ristoro. La direzione di Muv Festival invita il pubblico al rispetto dell’ambiente e all’utilizzo di  mezzi pubblici. La Limonaia di Villa Strozzi è raggiungibile dal centro di Firenze con gli autobus urbani 6, 26 e 27 (prima fermata via Bronzino).

UFFICIO STAMPA MUV Festival

Lorenzo Migno | press@firenzemuv.com | +39 339 4736584

Venerdì 29 ottobre, alle ore 18.30, nell’ambito dell’Art Program del PAV inaugura Private Garden, collettiva a cura di Claudio Cravero, realizzata con il contributo della Compagnia di San Paolo e Fondazione CRT.

L’esposizione intende presentare sguardi, visioni, finestre e passaggi aperti sulle posizioni e i ruoli che ognuno di noi può occupare nel presente. Sono manifestazioni del cosiddetto “stare” che, nei lavori di Arnaud Hollard/Juliana Mori, Dacia Manto, Alessandro Quaranta e Nicola Toffolini, rappresenta un ritorno da parte degli artisti a lavorare metaforicamente su quell’eden creato dall’uomo che è il giardino; un microcosmo, fisico e mentale, che un tempo proteggeva l’uomo dalla natura selvaggia e che oggi può forse proteggere la natura dall’uomo stesso.

La dimensione che il giardino suggerisce, partendo dall’analisi etimologica del termine Garten – spazio concluso e luogo cinto – riporta inevitabilmente a una sua lettura in chiave privata e intima, che trova nella serra in vetro, nella corte centrale e nella project room del PAV, spazi per loro natura in continuo dialogo tra esterno ed interno.

Alessandro Quaranta, “La sparizione dell’Arrivore”, 2005. Still da video

Nella corte prende forma Invisibile di Hollard (Grenoble, 1980) e Mori (San Paolo, 1978). Alla loro prima presenza in Italia, i due artisti propongono un lavoro a quattro mani che, con il solo utilizzo del suono, disegna un paesaggio invisibile di voci ed echi del passato del PAV, collocandosi in un tempo sospeso e indefinito prima della nascita del Centro d’arte.

La serra ospita i lavori di Dacia Manto (Milano, 1973). Mentre in Anarchitecture – sorta di instabile shangai realizzato con aculei di istrice raccolti nel tempo – l’artista disegna una mappatura di elementi naturali che trae forza dalla terra che la ospita, nella fragile installazione di carta Manto si ispira alla figura di Maria Sybilla Merian, naturalista del ‘700.

Nello stesso spazio, la serie di fotografie Perturbazione e il video La sparizione dell’Arrivore di Alessandro Quaranta (Torino, 1975) raccontano – con l’occhio distante del bird watcher che contraddistingue l’artista – i cambiamenti e le sovrapposizioni di paesaggi urbani in trasformazione.

Infine, alla sua seconda esposizione al PAV, è Nicola Toffolini (Udine, 1975). Attraverso un’installazione site-specific – costituita da un prototipo con dispositivi ingegneristici accompagnato da tavole – l’artista sintetizza messaggi, codici e linguaggi contemporanei che, fondendo molteplicità e individualismo, possono diventare universali.

PRIVATE GARDEN: connessioni

Azioni di Laboratorio rivolte al pubblico

Le Attività Educative e Formative del PAV, curate da Orietta Brombin, propongono per tutto il periodo di esposizione di Private Garden attività di laboratorio rivolte alle scuole, ai gruppi, agli adulti, per declinare in modo partecipativo i temi al centro della mostra.

MOVE-IN-NATURE è un percorso di conoscenza dell’area verde del PAV, vero e proprio habitat vivente con il quale interagire e fare esperienza attraverso l’esplorazione dello spazio e la raccolta di una collezione di elementi vegetali. L’azione, che mette in collegamento profondo il corpo con l’ambiente, attiva uno spirito conoscitivo che ricalca le prassi adottate dagli artisti presenti in mostra, oltre che da biologi, scienziati, esploratori.

Microsguardi/100% ORGANIC

(28 novembre, dalle 15.00 alle 17.00)

Attività a cura di Stefano Sburlati (dottorando in Beni Culturali presso il Politecnico di Torino), propone un pomeriggio di interviste al pubblico, nel corso del quale voci e volti transitanti nel museo e nel giardino del PAV racconteranno la loro personale relazione con l’ambiente.

Workshop _18/Enrica Borghi

(11 dicembre, dalle 10.00 alle 17.00)

Workshop rivolto agli adulti, ai giovani artisti e agli studenti interessati a vivere un’immersione concreta in un progetto artistico che proietta la dimensione espressiva individuale di ognuno all’interno di un evento sociale collettivo: disegnare un paesaggio e definire uno spazio attraverso la realizzazione di un sentiero mobile diffuso nel parco.

Informazioni e prenotazioni

Tel. +39 011 3182235
lab@parcoartevivente.it

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Sede: PAV Parco Arte Vivente, via Giordano Bruno 31 – Torino
Date: 30 Ottobre – 9 Gennaio 2011
Orari: Dal Mercoledì al Venerdì dalle ore 15.00 alle ore 18.00; Sabato e Domenica dalle ore 12.00 alle ore 19.00
Vernissage: 29 Ottobre, ore 18.30
Autori: Arnaud Hollard /Juliana Mori, Dacia Manto, Alessandro Quaranta, Nicola Toffolini
Curatore: Claudio Cravero
Biglietti: Intero 3 euro, ridotto 2 euro, gratuito Abbonamento Torino Musei / Torino+Piemonte Card
Note: Realizzata con il contributo della Compagnia di San Paolo e Fondazione CRT
Ufficio Stampa: Elisabetta Palaia | press@parcoartevivente.it
Info: Tel.  e Fax +39 011. 3182235 | www.parcoartevivente.it
Genere: Collettiva, Arte Contemporanea, Installazioni, Installazioni site-specific, Fotografia, Video

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Christiane Draffehn, “Zucker” , 2007. Elaborazione digitale, Silverprint, cm 80 x 60

Per la sua seconda edizione StEP09 approda in una nuova e prestigiosa sede nel cuore pulsante di Milano: il Museo Nazionale della Scienza e della Tecnologia Leonardo da Vinci, una location suggestiva e naturalmente votata al ruolo di contenitore culturale.
Qui infatti dal 26 al 28 novembre il pubblico incontrerà le proposte di circa 40 gallerie d’arte, fra italiane ed estere, invitate e selezionate fra le più giovani del panorama italiano ed internazionale.

Installazioni, progetti (soloproject), live act e la sezione KINETICSTEP saranno appositamente prodotti dalle gallerie per StEP09, che punta a superare la logica dell’evento unicamente espositivo con l’ideazione di spazi e sezioni, dove il coinvolgimento e lo slancio creativo delle gallerie sarà totale.
Ilaria Centola e Francesco Gattuso insieme a Ivan Ferrari e Paolo Brazzoli confermano la vocazione “internazionale” di StEP09 The New Art Fair, che passa attraverso speciali “Projects” frutto d’intesa tra gallerie in arrivo da Stati Uniti, Australia, Portogallo, Spagna, Svezia. Fra queste: Gallery Heidrun Quinque – Wessels (Berlino),, Wolfram Woelcker Fein Art (Berlino), NRoom (Tokyo), Art Hobler (Lisbona), Svenska Konst Galleriet (Malmo), BlackArtProjects (Melbourne) e re-C Art Space (Chengdu).
Tutte le gallerie presenteranno “Solo Show” o progetti speciali. Come la galleria Art Hobler di Lisbona che punta su Jakub Nepraš, interessante video artista della nuova generazione che coniuga magistralmente creatività e glamour. La galleria BlackArtProjects, da Melbourne, produrrà per StEP09 i nuovi lavori del talentuoso. Non sono da meno le gallerie italiane: la galleria MAGROROCCA in collaborazione con la Y Gallery di New York presenta infatti in “preview” per l’Italia alcuni lavori di Tamara Kostianovsky che faranno parte della prima importante mostra personale dell’artista che si terrà nella sede di MAGROROCCA (Milano) a marzo 2011. Tamara Kostianovsky, lo Anthony Lister ricordiamo, ha ricevuto per il 2010 il Guggenheim Fellowship. Attualissima la scelta di ART1307 di presentare The New “White Age”, installazione corale di Steve Burtch, Joe Davidson e Todd Williamson; i tre artisti di Los Angeles lavoreranno anche per la durata di StEP al loro tema espositivo – il Bianco – visto anche come fonte di energia alternativa a quella finora adoperata, il petrolio, nero ed inquinante. Todd Williamson sempre quest’anno ha ottenuto invece il Grant dalla prestigiosa Kressner-Pollock Foundation.
La seconda edizione di StEP09 accoglierà l’arte in tutte le sue espressioni, non poteva mancare quindi un importante progetto di BioArte di Brandon Ballengée per NOWHERE Gallery. Ballengée esplora i confini tra arte, scienza e tecnologia, l’artista crea un serie di lavori partendo da informazioni raccolte direttamente sul campo e successivamente analizzate in laboratorio. Il suo censimento (iniziato nel 1996) delle malformazioni e del lento e globale declino degli anfibi è un urlo di denuncia che non può e non deve lasciarci impassibili.

La vocazione di StEP09 a porsi come “new format” di Art Fair, viene confermata anche in questa seconda edizione dal calendario delle performance dal vivo. Per i Live Act sabato 27 novembre la sempre più dinamica mc2 gallery propone per la prima volta a Milano “ConcertAzione.3” un momento di musica live e video arte: Alessia De Montis propone un complesso percorso multimediale in cui s’interfacciano video, fotografia ed installazione in continuo scambio di valori, magistralmente commentati dal vivo con le musiche di Daniele Furlati, vincitore quest’anno del premio Ennio Morricone e coautore delle musiche del pluripremiato” L’uomo che verrà” (a maggio David di Donatello come Miglior Film)” di Giorgio Diritti. Saranno due le repliche del Live Act, una per il pubblico e una riservata ai collezionisti.
Per la prima volta in Italia in collaborazione con B &W Films ltd (Londra ) StEP09 presenta Family Tree un progetto espositivo dall’ artista israeliano Tal Rosner (www.talrosner.com). Tal Rosner tra gli altri innumerevoli impegni artistici è stato invitato a progettare per gennaio 2011 il Video Murale per la nuova sede della New World Symphony Orchestra in Miami progettata dal geniale architetto Frank Gehry in collaborazione con Casey Reas/Miami Beach/USA.
Tra gli importanti progetti internazionali presenti a StEP09 si aggiunge anche Unbearable lightness (Insostenibile leggerezza), opera dell’artista slovacco Tomáš Gabzdil Libertiny, presentata durante il Design Miami/Basel 2010 dalla Carpenters Workshop Gallery di Londra. Di forte impatto visivo, l’installazione consiste in un Cristo martire – dalla pelle a nido d’ape – contenuto in una teca di vetro, nella quale viene liberato uno sciame di 40.000 api che costruiranno il loro alveare sulla figura. Gli insetti, occupati nel loro ripetitivo comportamento naturale, ad uso e consumo di un’ape regina ‘manipolatrice’, a loro insaputa creeranno l’effigie religiosa più conosciuta al mondo, per un’allegoria che vuole portare lo spettatore a riflettere sui concetti di manipolazione e controllo, di eroe tragico e destino accettato.
Per gli appassionati di Arte Cinetica la sezione KINETICSTEP, a cura di Claudia Bernareggi, che vedrà insieme alle opere di Tomáš Gabzdil Libertiny, quelle degli imperdibili Balint Bolygo, vero ed innovativo erede della più storicizzata arte cinetica degli anni che furono, e Davide Angheleddu unico artista italiano presente all’ultima edizione di Kinetica Art Fair tenutasi a febbraio 2010 a Londra.

Infine, importanti novità dell’edizione 2010 sono i gemellaggi di StEP09 con due fiere internazionali fra le più vivaci: BERLINER LISTE e GREEN Art Fair Pechino, che saranno presenti a novembre all’interno di StEP09 con una loro selezione rappresentativa di gallerie ed artisti.
Entrambe poi, nella loro edizione 2011, ricambieranno l’ospitalità invitando StEP09 a presentare alcune fra le più interessanti gallerie e produzioni artistiche contemporanee nostrane.
Questo inedito, innovativo ed importante doppio gemellaggio trova la sua ragion d’essere dal fatto che le tre manifestazioni sono legate dal comune intento di dare nuova linfa al rapporto tra il pubblico, il collezionismo ed il mercato dell’arte.

GREEN art fair® è un evento realizzato da CAE Media Pechino. Nata nel 2009 la prima edizione si è tenuta presso la China World Trade Center Exhibition Hall, dove migliaia di visitatori hanno avuto modo di apprezzare e rapportarsi con più di mille opere realizzate da trecento artisti emergenti. GREEN ha nel suo giovane dna di art fair, una forte impronta e vocazione al format innovativo.

BERLINER LISTE® è una delle manifestazioni d’arte contemporanea più importanti nel panorama internazionale. La sua settima edizione avrà luogo dal 7 al 10 ottobre 2010 nella capitale tedesca, permettendo agli oltre 12000 visitatori previsti tra collezionisti, curatori e amanti d’arte contemporanea di visitare più di 100 gallerie ricche di un repertorio che spazia tra la pittura, la scultura, il disegno, la fotografia e installazioni fino alla video art e la performance contestuale.

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Sede: Museo Nazionale della Scienza e della Tecnologia Leonardo da Vinci, Via Olona 6 – Milano
Date: 26 Novembre – 28 Novembre 2010
Orari: Venerdì 26 dalle ore 18.00 alle ore 24.00; Sabato 27 e Domenica 28 dalle ore 12.00 alle ore 22.00
Autori: Jakub Nepraš, Alessia De Montis, Brandon Ballengée, Steve Burtch, Joe Davidson, Todd Williamson Tamara, Tal Rosner, Tomáš Gabzdil Libertiny, Davide Angheleddu, Balint Bolygo, Christiane Draffehn
Curatore: Ilaria Centola, Francesco Guttuso, Ivan Ferrari, Paolo Brazzoli, Claudia Bernareggi
Biglietti: ingresso gratuito previa registrazione al seguente link: www.step09.com/modulo/indexit.php
Info: www.step09.com
Ufficio Stampa: Casi Umani; Paola Conforti | Tel. 02.540202 | ufficiostampa@casiumani.it
Genere: Collettiva, Arte Contemporanea, Performance, Arte Cinetica, Fotografia, Videoarte, Arte Digitale

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]]> http://www.artkernel.com/?feed=rss2&p=3469 0 http://www.artkernel.com/?p=3166 http://www.artkernel.com/?p=3166#comments Mon, 25 Oct 2010 22:11:19 +0000 Redazione http://www.artkernel.com/?p=3166

Manuela Viera Gallo, “No Signal”, 2010. Particolare del trittico, fotografia cm 32 x 21

L’IILA, Istituto Italo-Latino Americano e la Fondazione Volume! presentano Señales Rojas 2010, secondo appuntamento del ciclo espositivo ideato e curato da Patricia Rivadeneira, Segretario culturale dell’IILA, e dedicato alla indagine del concetto di emergenza.

Dopo l’edizione scorsa nella Galleria IILA, quest’anno la mostra si trasforma in una più grande manifestazione con la collaborazione della Fondazione Volume! e il coinvolgimento di molte gallerie e spazi culturali romani che – l’ 11 novembre – intervengono con mostre, performance nella costruzione di una serata collettiva.

Nucleo centrale della manifestazione è la Galleria IILA che fino all’11 dicembre propone la mostra collettiva “Señales Rojas” a cura di Patricia Rivadeneira con Jota Castro (Perù), Regina Galindo (Guatemala), Alejandro Gómez de Tuddo (Messico), María Rosa Jijón (Ecuador), Emilio Leofreddi (Italia), Jorge Pineda (Repubblica Dominicana), Manuela Viera-Gallo (Cile), Camilo Yáñez (Cile). La mostra, con approccio trasversale al concetto di allarme sociale, si concentra in particolare sulla prospettiva del debole, costretto a divincolarsi tra oppressione, pregiudizio, aggressione fisica e giochi di potere.
Partendo dalle riflessioni sulla crescente violenza nella società contemporanea, Señales Rojas si sviluppa come un terreno di confronto tra artisti il cui lavoro si concentra sull’osservazione, analisi, denuncia o trasfigurazione dell’emergenza sociale. I temi “caldi” del vivere civile vengono affrontati nella loro molteplicità, dalla migrazione alla criminalità, dall’alienazione alla violenza domestica, dalla discriminazione alla degenerazione del potere fino alla critica del sistema socio-politico.

La Fondazione Volume! (11 novembre 2010) propone una video – istallazione tratta dalla performance di
Myriam Laplante dal titolo “Lupus in fabula” che, con riferimento alle favole dei fratelli Grimm, evidenzia la crudezza di una realtà apparentemente rassicurante, in cui il confine tra vittima, carnefice e osservatore complice è illusorio.

Obiettivo del progetto di network – elemento fondamentale dell’edizione 2010 – è quello di creare un tessuto connettivo che parta dalla relazione tra le realtà culturali romane e si ampli nella creazione di una piattaforma dibattimentale, per riaffermare la funzione sociale dell’arte. Da questo nasce anche la tavola rotonda con gli artisti coinvolti – il 12 novembre all’IILA – per sviluppare la reciproca conoscenza delle ricerche e confrontarsi, assieme al pubblico ed operatori culturali, sul tema di arte, violenza, società.

Il Network
La sera dell’11 novembre il pubblico di Señales Rojas, aiutato da una mappa realizzata per l’occasione, seguirà un percorso tematico che si snoderà lungo le vie del Centro Storico di Roma, interessando principalmente il territorio tra Campo de’ Fiori e Trastevere.

Gli spazi espositivi coinvolti:
1/9 Unosunove – Associazione Culturale ESTHIA – Casa della Memoria e della Storia del Comune di Roma – Casa Internazionale delle Donne – Federica Schiavo Gallery – Furini Arte Contemporanea – LipanjePuntin arte contemporanea – MLAC – Museo Laboratorio di Arte Contemporanea, Università “Sapienza” di Roma – Studio Stefania Miscetti – The Gallery Apart.

Programma performance:
11 novembre: “E/MarginAZIONE (Prologo al Dolore)” di Claudia Padoan, Casa Internazionale delle Donne – 18.00
11 novembre: “valutazione democratica : vendo, compro, permuto” di Mary Zygouri, Studio Stefania Miscetti – ore 19.30
11 novembre: “Barbari siamo noi” di conceptinprogress, Furini Arte Contemporanea – ore 20.30
24 novembre: “Being a cannibal” di Manuela Viera-Gallo, Galleria IILA – ore 18.00

SEÑALES ROJAS 2010
11 novembre (ore 18-23)
PROGRAMMA serata collettiva

Galleria IILA : opening mostra “Señales Rojas” (fino all’11 dicembre)
Scuderie Palazzo Santacroce, Vicolo dei Catinari 3

Fondazione Volume!: video – istallazione tratta dalla performance di Myriam Laplante “Lupus in fabula”
Via San Francesco di Sales 86/88

1/9 Unosunove arte contemporanea: opera “Canal Grande + 2117 Clandestine” di Raffaella Crispino
Via degli Specchi 20

Associazione culturale ESTHIA: opera “Bucato” di Patricia Carmo Baltazar
Via San Francesco di Sales 1c

Casa Internazionale delle Donne – La Magnolia: mostra “La Magnolia per Señales Rojas 2010″.
Artiste: Nadine Ethner, Irene Iorno, Soledad Johansen, Letizia Marabottini, Francesca Manzini, Valentina Parisi, Gabriella Sirignano, Rivka Spizzichino, Sara Spizzichino e di Rosanna Cattaneo.
Performance “E/MarginAZIONE (Prologo al Dolore)” di Claudia Padoan – inizio ore 18.00
Via della Lungara 19

Casa della Memoria e della Storia del Comune di Roma: “The Missing Monument for Washington, DC or a Proposal for a Monument for Victor Jara” di Iván Navarro
Via San Francesco di Sales 5

Federica Schiavo Gallery: mostra di Ismael Randall Weeks
Piazza Montevecchio 16

Furini Arte Contemporanea: performance “Barbari siamo noi” di conceptinprogress – inizio ore 20.30
Via Giulia 8

LipanjePuntin arte contemporanea: mostra “SPECIAL K-ITCHEN” di Lino Strangis
Via di Montoro 10

MLAC-Museo Laboratorio Arte contemporanea: video “Videoclippami” di Francesco Impellizzeri
Università “Sapienza” di Roma, Piazzale Aldo Moro 5

Studio Stefania Miscetti: performance “valutazione democratica : vendo, compro, permuto” di Mary Zygouri – inizio ore 19.30
percorso dallo Studio Stefania Miscetti (Via delle Mantellate 14) alla Galleria IILA (Vicolo dei Catinari 3) attraversando Ponte Sisto.

The Gallery Apart: video proiezione “Il Popolo del Castello” di Gea Casolaro
Via di Monserrato 40

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Sede: Galleria dell’IILA (Istituto Italo- Latino Americano), Scuderie di Palazzo Santacroce, Vicolo dei Catinari 3 – Roma
Date: 11 Novembre – 11 Dicembre 2010
Orari: Dal Lunedì al Sabato, dalle ore 16.00 alle ore 20.00
Vernissage: 11 Novembre, ore 18.00
Autori: Jota Castro, Regina Galindo, Alejandro Gómez de Tuddo, María Rosa Jijón, Emilio Leofredd, Jorge Pineda, Manuela Viera-Gallo, Camilo Yáñez
Curatore: Patricia Rivadeneira (Segretario culturale IILA)
Catalogo: Disponibile in sede
Editore: Edizioni Volume!
Biglietti: Ingresso libero
Note: Serata collettiva: 11 novembre 2010 Sedi varie, Roma (si veda il programma sopra riportato); Tavola rotonda con gli artisti: 12 novembre ore 18.30, Sala degli Specchi IILA; Performance “Being a cannibal”: 24 novembre ore 18.00, Galleria IILA; Realizzata con il patrocinio e il sostegno della DIRAC – Dirección de Asuntos Culturales del Ministerio de Relaciones Exteriores de Chile – e dell’Ambasciata del Cile in Italia, e con il patrocinio dell’Assessorato alla Cultura, arte e sport della Regione Lazio e dell’Assessorato alle politiche culturali della Provincia di Roma.
Info: Segreteria Culturale IILA, Istituto Italo-Latino Americano | Tel. +39 06 68492.224/246 | s.culturale@iila.org
Ufficio Stampa: Ufficio stampa IILA: Federica La Paglia; assistente: Rita Salvadei | Tel. +39 338 9982553 | f.lapaglia@gmail.com; Ufficio stampa Fondazione VOLUME!: Alessia Colasanti | Tel. + 39 349 3774099 | ufficiostampa@fondazionevolume.com
Genere: Collettiva, Arte Contemporanea, Performance, Fotografia, Video, Installazioni

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Pipilotti Rist , “Regenfrau (I Am Called A Plant)”, 1999. Installazione audiovisiva (still da video).

Caleidoscopiche immagini fluttuanti, violenti colori psichedelici e seducenti musiche riempiono grandi spazi, invitandoci a distenderci e semplicemente godere del loro fluire.  La sensazione che rimane è di un ricordo infantile di un mondo puro, dove la corporeità si riconcilia con l’intelletto, dove la sensualità del corpo, attraverso la scoperta del mondo, acquista una dimensione quasi spirituale. L’ assenza di narrativa ed i vivi colori, quasi fossero composizioni astratte,  favoriscono l’esaltazione della sensazione. Eliminate ansie, paure e stress, una sola emozione ha il soppravvento: felicità. Sembra che tutto sia disegnato con questo intento; persino la fruizione delle opere, con cuscini e moquette, è progettata attentamente dall’artista svizzera. Dettagli mostrati alla lente d’ingrandimento, però, impediscono alle creazioni di Elisabeth Charlotte Rist, il cui soprannome deriva da Pippi Calzelunghe, di scivolare nel banale newage, dando un tocco di ironia e, allo stesso tempo, di melanconia.
L’emblema di questo sbalorditivo equilibrio è il video blockbuster presente in mostra creato nel 1996 ‘Sip My Ocean’. Un mondo acquatico incantato e allucinogeno, proiettato su due larghe pareti adiacenti e accompagnato dall’intrigante ‘Wicked Game’ di Chris Isaak (già colonna sonora in ‘Cuore selvaggio’ di David Lynch).

Pipilotti Rist, “Sip My Ocean”, 1996. Installazione audiovisiva. Vista dell’installazione presso la Fondazione Joan Miró a Barcellona. Foto: Pere Pratdesaba, Fundazione Joan Miró. Per gentile concessione dell'artista, Hauser & Wirth e Luhring Augustine, New York

Il video rappresenta un corpo femminile libero da censure e barriere nell’oceano, alludendo allo stato più puro del godimento. La voce eccentrica dell’artista, un tempo cantante della banda femminile ‘Les Reines Prochaines’, graffia, però, questo mondo utopico di piacere, richiamando lo stato precario dell’amore e dell’eros per dare un tocco nostalgico e poetico.
Alla mostra vengono anche proposti lavori più recenti come ‘Lungenflügel’ (2009) che prende spunto dal primo lungometraggio dell’artista: ‘Peperminta’ (2009). I personaggi sono una giovane dalla pelle candida e i capelli rossi, un maiale e due lombrichi. Tutti beneficiano di un campo di tulipani rossi, toccandoli, odorandoli e mangiandoli. L’opera è un inno all’imperfezione, marcato anche dalla colonna sonora ‘Wir machen Fehler und das tut gut’! che elogia i nostri errori. Perchè non stringere amicizia con loro? Forse nascondono tesori nascosti, una bellezza inaspettata, un mondo di strana perfezione[1]: la visione di un nuovo giardino dell’eden.

Pipilotti Rist , “Lungenfügel”, 2009. Installazione audiovisiva. Vista dell’installazione presso la Fondazione Joan Miró a Barcellona. Foto: Pere Pratdesaba, Fundazione Joan Miró. Per gentile concessione dell'artista, Hauser & Wirth e Luhring Augustine, New York

Un altro interessante incontro è dato dall’opera ‘Doble Ilum’ (2010), creata appositamente per la mostra: una video installazione proiettata sulla scultura ‘Femme’ di Mirò (1968). La superficie rugosa del bronzo si anima di nuovi affascinanti effetti di luce, in una chiara allusione alla sessualità e alla femminilità.
Dopo un paio di ore con gli insoliti e amichevoli incontri di Pipilotti la mente è libera e leggera, come appena usciti da un caldo grembo accogliente. Meraviglioso antidoto alla recessione globale, questa sensazione ci accompagna fuori dal museo negli incantevoli giardini del Parc de Montjuïc.

Livia Dubon Bohlig

[1] Millà Bernad (2010) Partit amistós. Catalogue of the exhibition “Pipilotti Rist. Partit amistós- sentiments electronics

Pipilotti Rist, “Lungenflügel”, 2009. Installazione audiovisiva. Vista dell’installazione dal Boijmans van Beuningen, Rotterdam. Foto: Ernst Moritz. Per gentile concessione dell'artista, Hauser & Wirth e Luhring Augustine, New York

Il percorso, attraverso le sale espositive, immerge il visitatore nell’universo pieno di colore di Rist. La mostra inizia con due installazioni video di piccolo formato, Porqué te vas? (nass) [Per què te’n vas? (humit)] (2003) e Grabstein für RW [Làpida per a RW] (2007), e continua con una delle opere più famose dell’artista, Sip My Ocean [Ocean Sucks mia] (1996). Quest’ultima opera è proiettata su due pareti ad angolo della stanza, in cui, inquadrato dall’alto, è visibile un fondale marino con un corpo in immersione, mentre si sente la voce ipnotica di Pipilotti Rist che interpreta una versione di Wicked Game di Chris Isaak. Il lavoro è una riflessione sull’eterna necessità di comprensione assoluta dell’altro e sul desiderio, quasi impossibile, di sincronicità.

In Tyngdkraft, var min vän [Gravetat, sigues amiga meva] (2007), le immagini mostrano due persone e delle foglie galleggianti nello spazio. Il titolo è un invito rivolto ai visitatori, affinché riflettano sulla forza di gravità, mentre si distendono e contemplano le proiezioni su due pannelli amorfi che pendono dal soffitto. Si guarda e ci si sente diversi quando i muscoli sono rilassati?

L’installazione seguente che incontriamo è Ginas Mobile [El mòbil de la Gina] (2007), un cellulare formato da un ramo, una sfera di rame e una lacrima di plexiglas dove vengono proiettati primi piani di vulve; tutto ciò porta ad una perdita della connotazione abituale. Con questo lavoro l’artista vuole sfidare le paure e i tabù sociali.

Lungenflügel [Lòbul pulmonar] (2009) è un’installazione che occupa tre pareti. Le riprese di questo lavoro sono legate a Pepperminta, il primo lungometraggio dell’artista. Le immagini mostrano Pepperminta (Ewelina Guzik), la protagonista delle opere recenti di Rist, che interagisce con la natura, per stabilire analogie e contraddizioni tra la vita umana e la vita animale.

L’installazione seguente, Regenfrau (I Am Called A Plant) [Dona de pluja (Em diuen planta)] (1999), affronta anch’essa la tematica dell’unione con la natura. In questo caso, lo fa mostrando il contrasto tra vita organica – rappresentata da un corpo nudo e vulnerabile disteso sulla strada, sotto la pioggia – e la dimensione domestica e sterile esemplificata da una grande cucina che viene proiettato nel video.

La mostra si conclude con À la belle étoile [Sota els estels] (2007), una proiezione sul pavimento del museo, e con Doble llum, dialogo tra Rist e Joan Miró, una proiezione video su Femme, una scultura del 1968. Questo lavoro, donazione di Han Nefkens, entrerà a far parte della collezione della Fondazione Joan Miró.

Presso il Centro Culturale Fontana d’Or a Girona, Pipilotti presenta tre opere. La prima è Ever Is Over All [Sempre està pertot arreu] (1997), due proiezioni sovrapposte che mostrano un campo di fiori rossi e una donna che cammina felicemente per strada. Ella brandisce uno dei fiori, con cui rompe i vetri delle auto parcheggiate sul marciapiede, con naturalezza, come se l’avesse fatto tutti i giorni. L’installazione è una riflessione sulle idee stereotipate in relazione alle regole. Le auto simboleggiano gli ostacoli che abitualmente non sono messi in discussione.

Lap Lamp [Llum de falda]  (2006), è una videoinstallazione composta da una lampada che proietta immagini di un campo pieno di alberi, legna tagliata e ortiche sulle ginocchia del visitatore, come delle carezze. L’opera mette in contrapposizione la rigidità della dimensione fisica con il desiderio di libertà psicolologica.

Infine, Deine Raumkapsel [La teva càpsula espacial] (2006), ha l’aspetto di un grosso contenitore per il trasporto appena arrivato al museo. All’interno vi si trova una camera da letto in miniatura, da poco abbandonata dai suoi occupanti, con la luna incastrata nella parete del muro che ha abbattuto, così che la stanza si apra su un cielo stellato. Una videoproiezione sulle pareti e delle sequenze in movimento, mostrano delle persone, di generazione diversa, che interagiscono al rallentatore, mentre in sottofondo si ascoltano il suono del vento e della musica sacra.

Traduzione in italiano dal Comunicato Stampa a cura della Redazione di Artkernel

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Sede: Fondazione Joan Miró, Parc de Montjuïc – Barcellona
Date: 08 Luglio – 01 Novembre 2010
Autori: Pipilotti Rist
Catalogo: Disponibile in sede
Info: Tel. 00/34 934 439 484 | Fax. 00/34 933 298 609 | www.fundaciomiro-bcn.org | press@fundaciomiro-bcn.org
Genere: Personale, Arte Contemporanea, Video Arte, Installazioni audiovisive

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Isabella Pedicini

]]> http://www.artkernel.com/?feed=rss2&p=2849 0 http://www.artkernel.com/?p=2805 http://www.artkernel.com/?p=2805#comments Tue, 21 Sep 2010 19:26:44 +0000 Redazione http://www.artkernel.com/?p=2805

16-18 settembre: una tre giorni dedicata agli artisti siciliani di S.A.C.S.,  lo Sportello per l’Arte Contemporanea della Sicilia creato dal museo RISO, che apre una sede distaccata a Catania e accoglie tre visiting curator.

A Palermo un’installazione video di Maria Domenica Rapicavoli  e a Catania le installazioni di Alessandro Piangiamore.

“Mezza parola” che in siciliano suona come un avvertimento, quasi una minaccia neanche tanto velata: ma è una particolare figura del discorso che, nella sua laconicità, lascia campo aperto alle metafore. Da qui parte “IF YOU SAW WHAT I SAW” progetto di Maria Domenica Rapicavoli, formato da due video le cui immagini hanno origine da una residenza dell’artista a Corleone. Questa installazione troverà forma alla Galleria S.A.C.S., spazio espositivo nato dallo Sportello per l’Arte Contemporanea creato da Riso, Museo d’Arte Contemporanea della Sicilia, nella sua sede di corso Vittorio Emanuele, e curato da Giovanni Iovane.
“If you saw what I Saw # repetition di Maria Domenica Rapicavoli sarà inaugurata giovedì 16 settembre alle 19 nella Galleria S.A.C.S., dove resterà fino al 15 ottobre; a seguire, sarà presentato il libro “Arte e vino. L’etichetta d’autore come immagine del gusto” di Chiara Vigo (Cicero Editore), un volume che nasce dalla ricerca sui legami tra arte e vino, in Italia e Francia, e ruota attorno al tema dell’etichetta d’autore. A seguire, degustazione delle Fattorie Romeo del Castello: si potrà assaggiare il vino Vigo Etna Rosso DOC di uve di Nerello Mascalese, provenienti dalla vigna centenaria “La fruttiera”.
Ma nell’ottica del museo diffuso sul territorio regionale – tra i principi su cui lavora RISO – ecco che la Galleria S.A.C.S. crea una “dependance” nella sede catanese della Fondazione Brodbeck, che dall’ 1 ottobre ospiterà il frutto delle residenze d’artista, parte del progetto OTHERS. E proprio alla Galleria S.A.C.S. presso la Fondazione Brodbeck si inaugurerà sabato 18 settembre “Quando il fuori di adesso era dentro e il dentro era fuori” di Alessandro Piangiamore.
Durante la tre giorni dedicata alle mostre, gli artisti siciliani di S.A.C.S. potranno incontrare tre visiting curator invitati da Giovanni Iovane e da RISO: gli artisti potranno scambiare opinioni e parlare del loro lavoro con Helmut Friedel, direttore della Galleria d’Arte Moderna e Contemporanea “Lenbachhaus” di Monaco di Baviera; con il critico e fondatore dello spazio Uqbar di Berlino, Marina Sorbello e con il critico e curatore portoghese Nuno Faria, già  commissario per il Padiglione Portoghese alla Biennale di Venezia.

La matrice del lavoro di Alessandro Piangiamore può essere rintracciata all’interno di quella tendenza, più ampia ed eterogenea, che indaga il concetto di realtà attraverso la creazione di dispositivi (più o meno sofisticati) che ingannano la visione e alterano la percezione. Sin dalle prime sperimentazioni, emerge un chiaro interesse per la manipolazione d’immagini e concetti, finalizzata alla rilettura – spesso ironica e tendenziosa – del dato reale e alla messa in discussione di principi universali. A questo proposito, più volte l’artista ha affrontato il tema della legge di gravità (es. La gravità dell’arcobaleno, 2006) per poter parlare della verità come qualità condizionata, relativa. Le  sue opere (foto, video, installazioni e collage) vogliono insinuare il dubbio ed esplorare lo spazio che separa verità e finzione, realtà e immaginazione, offrendo al fruitore un terreno precario e instabile.  Così, la scultura e i collage presentati alla Fondazione Brodbeck appaiono come parti autonome di un più ampio congegno illusionistico che rimescola forme e significati acquisiti e incontestati per proporre alternative paradossali, improbabili ma allo stesso tempo verosimili, plausibili.

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Sede: Galleria SACS c/o Fondazione Brodbeck, Via Gramignani 93 – Catania
Date: 18 Settembre – 13 Ottobre 2010
Orari: Dal Martedì al Sabato su prenotazione
Vernissage: 18 Settembre, ore 19.00
Autori: Alessandro Piangiamore
Biglietti: Ingresso Libero
Info: Tel. +39 095.7233111 | Fax  +39 095 2933777 | www.fondazionebrodbeck.it | info@fondazionebrodbeck.it
Ufficio Stampa: Ufficio stampa Museo Riso; Tel. 333.5289457 | stampa.palazzoriso@gmail.com
Genere: Personale, Arte Contemporanea, Fotografia, Video, Installazioni, Collage

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Eros ed economia. Eros come energia, energia libidica, forza che fluisce nell’essere umano lungo tutte le fasi della vita, che l’individuo può decidere di sfruttare al meglio o disperdere, scambiare con gli altri, far circolare, ri-ciclare, secondo logiche che rispondono ai criteri propri dell’economia… il tutto mediato dai tessuti.
Aura Zecchini, Gianni Moretti, Gantcho Boyadjiev, Alì Nassereddine, Ercole Pignatelli. I cinque artisti protagonisti della collettiva si confrontano con i temi dell’amore, della sessualità, della sensualità, nel pieno rispetto della propria personalità artistica, seguendo al contempo il filo conduttore della mostra. Il progetto è partito, infatti, da un’attenta lettura del romanzo della scrittrice libanese Hoda Barakat L’uomo che arava le acque, opera altamente evocativa che offre numerosi spunti di riflessione e immagini di delicata poesia sul rapporto tra amore e corporeità, violenza, guerra, magia sensuale dei tessuti nel viaggio e percorso personali.
Le realizzazioni della I.F.D Borgonovo, enfatizzeranno maggiormente questo concetto.
Ad intrecciare e interconnettere i lavori degli artisti sono alcune installazioni, ad opera di un Anonimo, poste a rappresentare le varie fasi erotiche nell’essere umano che la Barakat esperisce attraverso i tessuti, quali linocotone, velluto, merletto, diolene e seta. Cinque installazioni diverse definite dal connubio trama-stoffe. Cortometraggi mediorientali contemporanei proiettati su tessuti che prendono forma e vita entrando nel nostro immaginario. Cinque preview che si terranno dal 21 al 25 settembre.
Il nuovo progetto di Amy-d Arte Spazio di Anna D’ambrosio diventa così un’indagine sull’economia legata all’eros condotta con gli strumenti dell’arte e dell’emozione, escludendo intellettualismi e sovrastrutture, proponendo un approccio vergine, infantile, privo dei tabù e delle morbosità con cui troppo spesso l’uomo e la donna occidentali si avvicinano alla sessualità. Identità sessuale che trascende la stalla dei sessi; economia che trascende il denaro, economia libidica.
Dopo gli ottimi riscontri delle precedenti iniziative – da Titoli. Arte tra Finanza e Mercato fino a Milano storicizzata e Interpretazione del futuro, passando per l’asta benefica a favore degli abitanti del paese cileno Caleta Cantera –, Amy-d Arte Spazio prosegue coerentemente nel suo percorso volto a sondare il rapporto tra arte ed economia, nelle sue diverse accezioni, che porterà nei prossimi mesi ad un progetto sull’economia mentale. Un’anima commerciale che vuole confrontarsi con gli altri linguaggi della creatività e le manifestazioni economiche, sociali e culturali del Capoluogo lombardo. Non è un caso, infatti, che il progetto Economia libidica…
l’arte di amare sia stato pensato per svolgersi in coincidenza con le giornate di Milano Moda Donna e Prêt-à-Porter Donna con l’intervento della I.F.D Borgonovo.
Amy-d segue con attenzione i cambiamenti della contemporaneità e del mercato dell’arte, cercando di ribaltare la triste consuetudine secondo cui l’arte si trova ad essere sfruttata in vari modi da logiche economiche e finanziarie. Per questo motivo Amy-d tratterà economArt in un testo dichiarativo di prossima pubblicazione, impiegando il linguaggio artistico per trattare di
business e rivalutazione delle risorse artistiche. Perché Amy-d sta ad economArt come Sun Tzu sta all’“Arte della Guerra”.

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Sede: Amy-d Arte Spazio, Via Lovanio 6 – Milano
Date: 21 Settembre – 6 Novembre 2010Orari: Dal Lunedì al Venerdì dalle ore 09.00 alle ore 12.00 e dalle ore 14.30 alle ore 19.00; Sabato su appuntamento
Vernissage: 21 Settembre, ore 18.00
Autori: Aura Zecchini, Gianni Moretti, Gantcho Boyadjiev, Alì Nassereddine, Ercole Pignatelli
Note: Cinque preview dal 21 al 25 Settembre dalle ore 18.00. L’evento è segnato dall’intervento di Italian Fashion Design Borgonovo; Con il Patrocinio del Consolato Generale del Libano a Milano
Info: Tel. 02.654872 | www.amyd.it | info@amyd.it
Genere: Collettiva, Arte Contemporanea, Cortometraggi, Installazioni

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20keiTH è una esposizione collettiva nata da un’idea dello street artist romano Omino71, che ha selezionato 20 capolavori rappresentativi dell’immensa attività creativa di Haring e li ha affidati a 20 artisti italiani, invitati a realizzare altrettante opere celebrative.

Agli artisti sono state quindi commissionate 20 opere originali, attraverso le quali il linguaggio del maggior rappresentante della cultura urbana degli anni ottanta viene reinterpretato per rivivere in 20 modi e stili diversi: non si tratta quindi di “copie d’autore” o di semplici “cover”, ma di nuove ed inedite opere ispirate dal genio dell’artista americano.

Gli artisti di 20keiTH: Marco Petrella, 999, Hogre, Sone, NoBrain, Alicè, AndyPopShop, Etnik, Halo Halo, Omino71, Roberto Goodman, Tommy The Pariah, Ufocinque, Vacon, Geometric Bang, Mr.Klevra, Br1, #, Urka, Jessica Stewart.

Il progetto è accompagnato dalla presentazione di un catalogo, pubblicato a tiratura limitata (500 copie), in cui sono state evidenziate le connessioni esistenti tra gli artisti invitati e l’opera reinterpretata (testi di Omino71, fotografie di Jessica Stewart, riproduzioni fotografiche delle opere di Keith Haring su licenza della Keith Haring Foundation e della Herb Ritts Foundation).

Durante il vernissage (sabato 11 settembre, ore 19) gli artisti lasceranno il loro segno sul pubblico in una originalissima performance collettiva di “body painting”. Inoltre: proiezione di foto a cura di RomePhotoBlog, esposizione di memorabilia, videoproiezioni, selezioni musicali dal vivo e degustazione di vini a cura di Social Wine e RomaStreetFood.

Ma non finisce qui: in occasione dell’Ottobrata Monticiana (che si aprirà l’8 ottobre per le vie del Rione Monti), gli artisti di “20keiTH” incontreranno una selezione di street artist romani per dare vita a una sessione di live painting nella bellissima piazza Madonna dei Monti.

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Sede: Galleria Espositiva “Ex Roma Club Monti”, Via Baccina 66 – Roma
Date: 11 Settembre – 3 Ottobre 2010
Orari: Dal Lunedì al Sabato, dalle ore 14.00 alle ore 21.30
Vernissage: 11 Settembre, ore 19.00
Autori: Marco Petrella, 999, Hogre, Sone, NoBrain, Alicè, AndyPopShop, Etnik, Halo Halo, Omino71, Roberto Goodman, Tommy The Pariah, Ufocinque, Vacon, Geometric Bang, Mr.Klevra, Br1, #, Urka, Jessica Stewart
Curatore: Omino71
Catalogo: Disponibile in sede con testi di Omino71, fotografie di Jessica Stewart, riproduzioni fotografiche delle opere di Keith Haring su licenza della Keith Haring Foundation e della Herb Ritts Foundation
Biglietti: Ingresso gratuito
Note: Tribute to Keith Haring; in occasione dell’Ottobrata Monticiana gli artisti di “20keiTH” daranno vita, assieme a una selezione di street artist romani, a una sessione di live painting nella piazza romana Madonna dei Monti
Info: Tel. 06.7696318 | Cell. 338.6378138 | www.20keith.tk | www.circoloartisti.it | exromaclub@gmail.com |  info@circoloartisti.it
Ufficio Stampa: Circolo degli Artisti (Kick Promotion Agency – Christian Briziobello); Tel 06/97279478 | press@kickagency.com
Genere: Collettiva, Body Painting, Performance, Videoproiezioni, Arte Contemporanea

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Per partecipare alle visioni di Saraceno è importante collegarsi agli scienziati inglesi del Rothamsted Research che hanno messo a punto un modello matematico per descrivere il fenomeno del volo degli aracnidi che va sotto il nome di “ballooning”. Con questo modello si è potuto constatare che la turbolenza dell’aria li può spingere anche qualche centinaia di km dalla costa sopra il mare. La maggior parte dei ragni quando cerca un nuovo territorio o un compagno lancia nell’aria i filamenti e si paracaduta in un nuovo ambiente, i periodi principali di questa attività sono l’autunno e la primavera. Normalmente vanno da un lato all’altro di un campo, ma talvolta possono coprire grandi distanze. Per vent’anni la migliore descrizione matematica del fenomeno del “ballooning” è stato il modello Humphrey, ma secondo gli scienziati del Rothamsted non spiegava alcune caratteristiche del volo dei ragni durante il movimento di sospensione nell’aria. Il modello di Humphrey considerava la bava come se fosse solida come un tondino, sostenendo i ragni dal basso come una specie di “lecca lecca capovolto”.

Invece, nel nuovo modello il fattore di flessibilità consente ai filamenti sospesi nella brezza di contorcersi e di intrecciarsi alla turbolenza utilizzando le proprie caratteristiche aerodinamiche e garantendo la possibilità di raggiungere imprevedibili distanze. Capire come e perchè si muovono può aiutarci a usare i ragni come agenti di controllo rispetto agli insetti nocivi nella campagna.

È da queste ricerche che Saraceno ha preso lo spunto per avviare nella primavera del 2009 in Argentina un esperimento di “ballooning”, facendo volare alcuni oggetti ricoperti di pellicola acrilica, riempiti di elio. Un ulteriore passo rispetto alle sue strutture abitative utopistiche (Air-Port-City) che dialogano con le costellazioni e con le ricerche di architetti quali Richard Buckminster Fuller, Peter Cook, Yona Friedman.

Con la mostra alla Fondazione Pier Luigi e Natalina Remotti, Tomás Saraceno propone una sintesi tra le immagini tratte dall’esperimento argentino e le bolle/abitacoli dei ragni che avevamo visto a Venezia.
Con varie traiettorie quattro bolle attraversano i due piani dell’edificio, mentre i filamenti che le sostengono sembrano vettori di energia che idealmente potrebbero far decollare l’edificio stesso, se immaginassimo di scioglierli.
Nelle fotografie del volo, disposte sulle pareti del secondo piano, le strutture assumono, a volte, la fisionomia di grandi gocce di vapore acqueo che si condensano nel cielo; a volte sembrano entità fisiologiche che fluttuano sul confine dell’orizzonte; a volte hanno la forma di una tenda. Le foto documentano l’effettiva possibilità di un’architettura aerea, ma anche una tensione poetica e intellettuale per immaginare un concetto più evanescente dell’abitabilità umana. Quarant’anni dopo l’allunaggio, Saraceno ci dice che il passaggio successivo è fare esperienza, qui sulla terra, di una progressiva assenza di gravità.

All’interno della Fondazione Pier Luigi e Natalina Remotti, le bolle sospese nello spazio ci fanno percepire un sentimento gravitazionale interno all’edificio stesso, che – al pian terreno – si confronta con le divergenti traiettorie delle tre proiezioni video Space Elevator II (2009), e al piano superiore con le foto alle pareti delle orbite di volo sperimentato in Argentina e con quelle disposte attorno a un tavolo dal titolo Ladies and Gentlemen We are Floating in Space e Mars on water ( 2009).
Appare così una circolarità variabile che coinvolge il sopra e il sotto, facendoci percepire un “ballooning” nell’atmosfera e nell’edificio stesso.
La volontà di sperimentare l’ascensione nell’aria ha portato Tomás Saraceno, nell’estate 2009, all’International Space Studies Program della NASA, nella Silicon Valley dove ha studiato ulteriori passaggi.
Tra le scoperte delle neuroscienze quella dei neuroni specchio, ha dimostrato che esiste una sincronia fra azione e osservazione. I neuroni specchio sono attivi nella scimmia quando compie un’azione o vede altri compiere la stessa azione, ma il gruppo di ricerca guidato da Vittorio Gallese ha scoperto che nell’uomo non è necessaria un’effettiva interazione con gli oggetti: i suoi neuroni specchio si attivano anche quando l’azione è semplicemente mimata e sono in grado di codificare atti motori transitivi e intransitivi. Il loro ruolo primario è di comprendere le azioni altrui.
Di fronte alle azioni di Saraceno che tipo di comprensione può attivarsi attraverso il sistema di neuroni
specchio? Come avviene la sincronia fra azione artistica e osservazione? Il tentativo di abitare l’aria, anche solo transitoriamente, rimane confinato nella fantasia? Sono domande che l’arte, il cinema, la letteratura hanno spesso posto, ma se è ipotizzabile che un’azione mimata attivi i neuroni specchio, allora gli oggetti creati da Saraceno consentono azioni transitive e intransitive che possono codificare una comprensione dell’aria e del vuoto.

Tomás Saraceno
1973 nato a San Miguel de Tucuman – Argentina
Vive e lavora sul pianeta terra e oltre
Formazione
Estate 2009 International Space Studies Program, NASA Center Ames, Silicon Valley, California
2003-2004 Progettazione e Produzione delle Arti Visive, IUAV, Venezia Italia
2001-2003 Staatliche Hochschule für Bildende Künste – Städelschule-Frankfurt am Main, Germania
1999-2000 Escuela Superior de bellas Ares de la Nación Ernesto de la Carcova, Postgraduate on Art & Architecture
1992-1999 Universidad Nacional de Buenos Aires, Argentina UBA- Degree Architect
Mostre Personali Selezionate
2010 “From Camogli to San Felipe, spiders weaving stars”, Fondazione Pierluigi e Natalina
Remotti, Camogli, Italia (marzo – giugno)
Bonniers Konsthall, Stoccolma, Svezia
Houston Blaffer Gallery, Houston, USA (prossimamente)
2009 “Biosphere”, Statens Museum for Kunst, Copenagen, Danimarca (all’interno del ciclo
“RETHINK Relations”)
“Tomas Saraceno”, Mudam Musée d‘Art Moderne Grand-Duc Jean, Luxembourg
(all’interno del ciclo “Habiter”)
“Lighter than air”, Walker Art Center, Minneapolis, USA
2008 “Galaxies forming along filaments, like droplets along the strands of a spiders web”,
Tanya Bonakdar Gallery, New York, USA
“Cloudy Dunes”, Fondazione Garrone, Genova, Italia
2007 “Biosphere MW32 Air-Port-City”, Pinksummer Gallery, Genova, Italia
2004 “On- Air”, Pinksummer Gallery , Genova, Italia
Mostre Collettive Selezionate
2009 “53d Biennale di Venezia, 2009”, Venezia, Italia
“In Defense of Nature”, Barbican Art Center, Londra, UK
“Life Forms”, Bonniers Konsthall, Stoccolma, Svezia
2008 “Psycho Buildings – Artists and Architecture”, Hayward Gallery, Londra, UK
“Sonsbeek 2008: Grandeur”, Arnhem, Paesi Bassi
“Experiment Marathon Reykjavic”, Reykjavic Art Museum, Kjarvalsstadir, Reykjavic,
Islanda

Una selezione di immagini è disponibile sul sito www.fondazioneremotti.it

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Sede: Fondazione Pier Luigi e Natalina Remotti, Via Castagneto 52 – Camogli (GE)
Date: 13 Marzo – 13 Giugno 2010
Orari: Da Giovedì a Domenica dalle ore 16.00 alle ore 19.00 e su appuntamento
Vernissage: 13 Marzo, ore 18.30
Autori: Tomás Saraceno
Curatore: Francesca Pasini
Biglietti: Ingresso libero
Note: Si ringrazia la Galleria Pinksummer di Genova
Info: Tel + 39 0185 772137 | info@fondazioneremotti.it | www.fondazioneremotti.it
Ufficio Stampa: Cristina Pariset; tel +39 02 4812584; cristina.pariset@libero.it
Genere: Personale, Arte contemporanea, Installazioni