The whole setup works really well. But in the end, it doesn’t protect my privacy at all. It seems that the existence of my little curtain is leading itself ad absurdum, simply by doing its job very well. My moving curtain attracts the looks of people which usually would never care about my window. It is even the star of the street, now! My curtain is just engaged. And because of that, it fails.

Niklas Roy - My little piece of privacy

http://www.niklasroy.com/project/88/my-little-piece-of-privacy/

Stefano Mitrione, “Virtualgeo: op029sm11”, installazione interattiva. Particolare della stazione informatica dotata di software EasyCube

Nella suggestiva cornice post-industriale del ex complesso Dreher trova provvisoria e condivisa dimora un ristretto gruppo di artisti contemporanei, che lavorano in maniera molto diversa fra loro: l’unico elemento che li accomuna sembra essere proprio tale principio di differenziazione. Da qui la definizione di Genoma Contemporary, dall’idea che nel patrimonio genetico singolare di ogni essere umano si rispecchi la molteplicità irriducibile del mondo: una sorta di complessa struttura molecolare che l’arte contemporanea, nella sua totale libertà d’espressione, rappresenta. Il Genoma è il corredo cromosomico contenuto in ogni singola cellula: l’esposizione di questo gruppo di artisti nell’ex padiglione del Galles è quindi metaforicamente una cellula dell’arte contemporanea che contiene i geni diversi che la compongono.
L’idea è quindi quella di presentare un genoma contemporaneo in divenire: non c’è un principio formale che sovrintende il tutto dall’esterno, così il fumettismo ingigantito da street artist di Arkiv Vilmansa convive con la figurazione radicale, satirica e dettagliata della decadente società americana nelle grandi tele di Tim Slowinski; la superficie tattile dell’architetto argentino Jacques Bedel con la gestualità di Marianne Pollock; le sculture stratificate nei fogli di cartone di Juergen Stolte con l’aereo candore della Nike in volo di Makoto Kobayashi, per citare solo alcuni dei forti contrasti di linguaggio ed espressione che si trovano in mostra.
Il principio stesso con cui sono stati selezionati gli artisti si potrebbe definire ‘genomatico’, per coniare una definizione metodologica a partire dalla mostra stessa, poiché l’evento vuole essenzialmente essere questo: l’affermazione di un nuovo metodo di ricerca e interazione, per trovare delle coordinate e muoversi all’interno del mondo dell’arte contemporanea. Gli artisti, infatti, sono stati scelti attraverso facebook, per tale ragione la mostra viene definita come un processo “virtuale reale geolocalizzato”, in cui la localizzazione geografica corrisponde inevitabilmente a quella virtuale.

Stefano Mitrione, “Virtualgeo: op029sm11”, installazione interattiva. Particolare della stazione informatica in cui grazie al software EasyCube la scultura, “Amplexus in aere”, realizzata da un bozzetto in gesso del 1894 di Pasquale Alessio Giusti, precedentemente mappata, è visualizzata in movimento all’interno di uno scenario reale

La virtualità diventa il principio attivo della Geomatic Art, sintesi di Geografia-Informatica-Arte, un ulteriore processo creativo che si sviluppa all’interno del Genoma contemporaneo e di cui è protagonista Stefano Mitrione. Lo statuto della Geomatic Art, nata a Venezia il 3 settembre 2011, su ideazione di Emilio Paolo Canavese, presidente della Virtual Geo Srl, che si occupa dell’applicazione di tecnologie avanzate al servizio dei beni culturali e ambientali, e dell’artista Stefano Mitrione, testimoniata dagli artisti presenti in mostra, ha come suo fine la promozione e la valorizzazione dell’arte del passato nel cuore del presente e in rapporto all’ambiente: il mezzo per raggiungerlo è quello dell’utilizzo di tecnologie digitali.
Si legge nel Paragrafo 6 dello Statuto che: “Geomatic Art fonda le sue origini e la sua esclusività ideativa nella volontà di perpetuare nel tempo un collegamento storico-ideativo tra epoche distanti tra loro, e tra Artisti di diversa estrazione socio-culturale. Inoltre Geomatic Art non limita le potenzialità espressive in una conclusione temporale dell’opera stessa, la quale si presuppone mai terminata affinché ulteriori elaborazioni artistiche vengano applicate alla medesima sia in epoche diverse, e sia da Artisti di diversa estrazione socio-culturale”.

L’opera di Stefano Mitrione Virtualgeo: op029sm11 è realizzata seguendo i principi della Geomatic Art, ‘opera-manifesto’ la si potrebbe definire. Il primo momento è quello del recupero, e la relazione col passato passa immediatamente il testimone ai mezzi del presente: attraverso uno scanner 3d viene completamente mappata e virtualmente riprodotta una scultura ottocentesca. Un’opera romantica, due figure classiche, scolpite in stile canoviano, avvolte in un mitico abbraccio. Il momento seguente è quello dell’ambientazione: i due si muovo su un’altalena nel vuoto del cielo, sullo sfondo di un paesaggio e con il supporto di occhiali 3D li vediamo sporgere dal video e venire verso di noi. L’autore racconta di come quest’immagine sia per lui una riflessione sui temi che da sempre sono quelli indagati dalla ricerca artistica: l’amore, la morte e il tempo, essi sono il suo patrimonio genetico universale, che rimane sempre lo stesso, pure nelle diverse combinazioni cromosomiche che la storia dell’arte e della cultura ha generato, e continua ad offrirci.
Il digitale è un arricchimento di mezzi espressivi: da un lato l’autore gioca sugli opposti effetti di rallentamento delle figure in primo piano (il passato congelato) e di velocizzazione dell’immagine sullo sfondo, in particolare negli effetti del cielo, delle nubi di passaggio e delle figurine nel parco (il presente in perpetua trasformazione); dall’altro cerca delle contaminazioni che il video rende possibili: tra l’immagine creata dall’artista e i commenti del pubblico che si sentono in sottofondo.
Il processo d’interazione che si pone come scopo ultimo della Genomatic Art è, infine, reso possibile dall’uso di un ulteriore passaggio tecnologico: con il programma easy cube lo spettatore è chiamato a rielaborare la statua virtualmente riprodotta, ruotarla, entrare nel reticolo della mappatura tridimensionale riprodotta dallo scanner, modificarne punto di vista e colore, spedirla infine al proprio indirizzo virtuale di posta elettronica.
Il processo ‘genomatico’ si compie e chi arriva soltanto per osservare diventa virtualmente uno fra gli infiniti cromosomi che compongono il sistema dell’arte contemporanea.

Milena Cordioli

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Sede: ex Padiglione del Galles UK -  Giudecca – Venezia
Date: 3 settembre – 26 novembre 2011

Christa Sommerer & Laurent Mignonneu, “Life Writer”. Installazione interattiva per macchina da scrivere, computer, proiettore. Particolare dell’interazione

Il tema proposto da Peter Weibel per questa Biennale, ha per oggetto i diversi e fecondi approcci tra arte e nuovi media, e sulle loro possibilità di riscrivere le sorti del nostro pianeta attraverso nuove e differenti idee in atto nei processi creativi artistici multimediali.
È interessante osservare come Life Writer (2006), un’opera non monumentale, composta da un piccolo oggetto, che se non fosse per il suo essere irrimediabilmente obsoleto definiremmo di uso ordinario – un vecchio modello di macchina da scrivere situato su una piccola scrivania – possa essere assunta a paradigma dell’idea guida di questo evento espositivo.
Life Writer è un’installazione interattiva in cui l’atto dello scrivere è collegato direttamente all’atto della creazione di una nuova vita, così com’è intesa biologicamente. Come molte altre opere dei suoi autori, alla base della sua creazione vi è l’interesse per il regno vivente – animale e vegetale – e in particolare per la preservazione della biodiversità.
Questo interesse, di Sommerer & Mignonneu, trasferito all’interno di nuovi media, come i computer, ha dato luogo alla riproduzione di forme di vita non più basate sulla chimica del carbonio, bensì su quella del silicio, forse più difficile da concepire e praticare.

Christa Sommerer & Laurent Mignonneu, “Life Writer”. Installazione interattiva per macchina da scrivere, computer, proiettore

L’idea che la vita possa svilupparsi all’interno di un ecosistema differente da quello del nostro pianeta è alla base dell’Artificial Life[1], scienza da cui i due artisti traggono i loro principi filosofici e tecnico-operativi.
Grazie all’adozione di una tecnologia chiamata CyberLife in grado di fronteggiare problemi di softwarecomplexity è possibile simulare e riprodurre i meccanismi comportamentali e cognitivi propri degli esseri viventi, così come avviene in Life Writer.

Elvira D’Angelo

[1] L’atto ufficiale della nascita dell’Artificial Life si fa risalire alla Conferenza organizzata da Christopher Langton, nel 1986, presso l’Oppenheimer Study Center di Los Alamos

Sabato 15 ottobre 2011, alle ore 18,00, presso la galleria trecinque 3)5 Arte Contemporanea di Rieti, si inaugura -10: RUINS AREN’T HERE, prima mostra del ciclo di 11 eventi tesi a indagare il rapporto tra rovine e contemporaneità. Un rapporto paradossale, che vede proprio nell’ora della distruzione totale la scomparsa delle rovine come realtà e come memoria.

11 Settembre 2011,World Trade Centre – macerie. Fotografia

L’iniziativa si propone di dare una rilettura di natura estetica ad alcuni ruderi creati dall’uomo ma assenti in forma fisica: esse sono rovine appartenenti più alla sfera comunicativa che a quella dell’architettura, dell’arte o dell’archeologia.

Protagonista di questo primo incontro è Fabio Fornasari, architetto e artista da anni impegnato in una ricerca sul ruolo delle immagini nella contemporaneità.

Sarà proprio la sostituzione della rovina a immagine ad essere al centro della riflessione della mostra: a distanza di dieci anni non rimane infatti alcun resto fisico che permetta di ricordare il tragico evento dell’11 settembre 2001. Le montagne di funeste macerie delle due torri del World Trade Center di New York create della potenza dello schianto dei due aerei sono state sostituite da una moltitudine di rovine virtuali, da rappresentazioni fruibili unicamente tramite uno schermo. La memoria è stata, così, rimpiazzata dalle immagini.

Al di là della sciagura, e oltre questa sorta di avvicendamento mediale, ciò che ci è stato davvero sottratto è stata una visione, o meglio, una moltitudine di visioni create dal sistema Panopticon (“che fa vedere tutto”) delle due torri: ogni finestra rappresentava un dispositivo ottico capace di produrre una porzione unica di panorama ed al contempo un punto di osservazione dall’alto sul mondo occidentale.

L’attuale assenza di queste visioni ricalca la cancellazione delle macerie. Non è infatti casuale la scelta della data di inaugurazione dell’evento: il 15 ottobre è il giorno della chiusura dei lavori di liberazione dai resti Ground Zero; quel cantiere ha, così, estinto l’immagine della rovina. Sarà la riscoperta di tali immagini estranee alla dimensione comunicativa e delle visioni prodotte da esse, a rappresentare il cuore della riflessione di -10: RUINS AREN’T HERE. Sarà, cioè, la memoria ad essere riabilitata.

In mostra, infatti, ci saranno un allestimento site-specific e il risultato di contributi raccolti attraverso il Web: disegni sul ricordo delle due Torri che, emblematicamente proprio dall’11 settembre, saranno inviati ad un indirizzo email creato ad hoc * e visualizzati sul Sito specifico www.altaproject.com. Si palesa e paleserà, così, un atto essenziale, uno sforzo della memoria che difficilmente disgiunge l’anamnesi da quella indotta dai media.

Primo step in Rete * attivo sino al 10 ottobre 2011
Inaugurazione: sabato 15 ottobre 2011, alle ore 18,00
trecinque 3)5 Arte Contemporanea, Rieti

* Termine ultimo per inviare il tuo disegno personale (firmato o con nickname) alla mail ruinsarenthere@altaproject.com, cosicché  il tuo lavoro possa fare parte della mostra.

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Sede: trecinque 3)5 Arte Contemporanea – Via Cerroni, 3)5 – Rieti
Date: 15 Ottobre – 15 Novembre 2011
Orari: Dal Martedì al Sabato, dalle ore 16.00 alle ore 19.30. Festivi e domenica su appuntamento
Vernissage: 15 Ottobre 2011, ore 18.00 – 22.00
Autori: Fabio Fornasari
Curatore: Barbara Martusciello, Emmanuele J. Pilia
Info: Tel. 339 6918072 | trecinqueartecontemporanea@gmail.com
Genere: Collettiva, Arte Contemporanea, Web Art

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L’edizione 2010 al Brancaleone a Roma ha registrato 301 artisti da Germania, Italia, Olanda, Francia, Israele, Svizzera, Polonia, Taiwan, Ungheria, United States, Austria, Grecia, Brasile, UK, Spagna, Repubblica Ceca, Bulgaria, Portogallo, Irlanda, Norvegia, Nuova Zelanda, Turchia, Lettonia. Sono stati presentati 177 progetti, tra performance, workshop e showcase. LPM mantiene la formula dei 4 giorni, ma questa volta vengono presentate specifiche aree di ricerca artistica senza il limite di un unico tema giornaliero. In questo modo speriamo di offrire un programma stimolante e sorprendente, presentando ogni giorno pratiche artistiche differenti e supportando la ditribuzione libera di conoscenza grazie ai vari workshop, presentazioni e panel discussion.
Il programma giornaliero dell’evento:
15:00 – 21:00 Workshop
15:00 – 16:00 Lecture e conferenze
16:00 – 18:00 Presentazioni di progetti e prodotti
18:00 – 04:00 AV Performance e VJ / DJ set

Per tutta la durata dell’evento le installazioni audiovideo e le altre opere in mostra rimangono disponibili al pubblico; è inoltre possibile usufruire di aree più riservate dove discutere e scambiare idee e contenuti.

Le iscrizioni sono aperte fino al 15 luglio 2011

Affrettati a presentare il tuo progetto!
http://www.liveperformersmeeting.net/2011minsk/it/partecipa/

info e link: http://www.liveperformersmeeting.net/2011minsk/

Christa Sommerer & Laurent Mignonneau, “Life Spaces II”, 1999. Installazione interattiva per computer. Courtesy Arts Santa Monica, Barcellona.

L’esposizione Sistemi vivi, curata da Josep Perelló e Irma Vilà con la collaborazione scientifica di Ricard Solé, raccoglie cinque opere di due degli artisti più riconosciuti e innovatori nel panorama internazionale della media art e interactive art.
Sviluppando interfacce interattive, applicate ad ambienti virtuali, Sommerer e Mignonneau affrontano temi come l’ecologia, la vita artificiale e le scienze complesse in cui lo spettatore attiva opere attinenti allo studio dei sistemi vivi.
Nei loro progetti si rintracciano, infatti, le teorie e i modelli di base che regolano il comportamento e l’evoluzione della vita, ma è la mano del visitatore che, come un soffio vitale primordiale, attiva, modifica e regola il meccanismo di una biodiversità virtuale e così, come dovrebbe essere per quella reale, spetta a lui proteggerla, alimentarla e preservarla.
Tutta dello spettatore-creatore, dunque, la responsabilità di salvaguardare le forme di vita che popolano il percorso espositivo, forse un invito alla riflessione sulla condizione ecologica attuale, auspicata anche dall’ambiente espositivo, un circuito buio dove le opere rimangono distanziate tra loro come esortazione a prendersi il tempo necessario per meditare.

Christa Sommerer & Laurent Mignonneau, “Eau de Jardin”, 2004. Installazione interattiva per computer. Courtesy Arts Santa Monica, Barcellona.

Seguendo le tappe di un iter pensato per far pensare, ci si incontra subito con Eau de Jardin, un’installazione interattiva ispirata alla dualità tra la realtà rappresentata e la realtà virtuale riflessa nell’acqua dei Nimphéas di Monet, dove alcune piante acquatiche naturali pendono dal soffitto di fronte a un grande schermo; quando il visitatore si avvicina e accarezza le piante una tecnologia di sensori fà si che sullo schermo abbia luogo la nascita e la crescita di una pianta virtuale, corrispondente al riflesso di quella sfiorata, originando un paesaggio determinato dalla scelta e dall’azione dell’utente.
È poi la volta di Life Spaces II un’interfaccia grafica con uno schermo di proiezione attraverso la quale il visitatore, inserendo stringhe di testo, dà vita a creature virtuali, i caratteri digitati formano il codice genetico delle forme di vita generate che determina le possibilità di sopravvivenza e le caratteristiche di condotta, inoltre il visitatore può nutrire gli abitanti dello schermo somministrandogli caratteri  mediante un editor di testo, garantendone o meno la sopravvivenza e la capacità di riproduzione.

Christa Sommerer & Laurent Mignonneau, “Phototropy”, 1995. Installazione interattiva per computer. Courtesy Arts Santa Monica, Barcellona.

Con Phototropy, proiettando la luce di una lanterna su uno schermo, si può scegliere di foto-alimentare o di uccidere per sovraesposizione alla luce, sciami di insetti digitali, mentre in una posizione privilegiata del percorso circolare dell’esposizione, che rievoca la centralità dell’elemento acquatico nell’evoluzione della vita, si incontra A-Volve, un’installazione che per mezzo di uno schermo tattile permette di disegnare sagome che poi prendono vita, agendo autonomamente secondo le caratteristiche della forma e situandosi  all’interno di un  habitat costituito da uno schermo sommerso in qualche centimetro d’acqua, immergendovi le mani si può poi decidere di proteggere la creatura dai predatori o stabilire un contatto, osservandone il comportamento.
Infine Mobile Feelings, un’istallazione che mediante microelettrodi permette a più utenti di scambiarsi a distanza dati corporali come il battito cardiaco o la respirazione, si distingue dalle precedenti opere perché indaga sulla rinuncia dei sensi e dell’intimità che l’uomo moderno ha accettato in cambio di una nova mobilità e connettività, ma in fondo è anche un invito a continuare a investigare, in modo più ampio, le similitudini tra le leggi complesse che regolano ogni forma di vita.

Eleonora Scherini

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Date: 1 Giugno – 25 Settembre

Christa Sommerer & Laurent Mignonneau, “Life Spacies II”, 1999. Ambiente di vita artificiale; particolare dell’installazione interattiva per computer.

Nella loro prima retrospettiva, presso la capitale catalana, presentano alcune tra le loro opere più significative, da Eau de Jardin, a Phototropy, da LifeSpacies II, a Mobile Feelings, fino a  A-Volve, in cui attraverso interfacce naturali e intuitive è possibile sperimentare, in maniera partecipativa, l’interazione con i nuovi media.

Elvira D’Angelo

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Sede: Arts Santa Monica – La Rambla 7 – Barcellona
Date: 1 Giugno – 1 Settembre 2011
Orari: Dal Martedì al Venerdì dalle ore 14.00 alle ore 21.00; Sabato e festivi dalle ore 11.0 alle ore 19.00. Chiuso il Lunedì (possono variare, verificare sempre via telefono).
Vernissage: 31 Maggio 2011, ore 19.00
Autori: Christa Sommerer & Laurent Mignonneau
Biglietti: Ingresso libero
Info: Tel. + 0034 93 567 11 10 | Fax + 0034 93.316.28.17 | info_artssantamonica@gencat.cat | www.artssantamonica.cat
Genere: Personale, Arte generativa, Artificial Life, Installazioni interattive, Realtà virtuale

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Comunicato stampa dell’evento

Christa Sommerer & Laurent Mignonneau són dos dels artistes més reconeguts i innovadors dins el panorama internacional del mèdia art i l’art interactiu. La seva obra desenvolupa de manera natural i intuïtiva interfícies interactives que apliquen principis de la teoria de sistemes vius relacionats amb l’ecologia, la vida artificial i les ciències de la complexitat.

«Sistemes Vius. Christa Sommerer & Laurent Mignonneau» és la primera exposició retrospectiva d’aquesta parella artística. Ofereix la possibilitat d’experimentar de forma participativa amb les seves peces més vinculades a l’estudi dels sistemes vius: Eau de Jardin, Phototropy, LifeSpacies II, Mobile Feelings i A-Volve. L’investigador de sistemes complexos Ricard Solé col·labora en el desplegament del vocabulari científic necessari per comprendre els ecosistemes virtuals dels artistes. Un conjunt d’activitats i tallers permeten endinsar-se encara més en el comportament dels sistemes vius on els éssers que els configuren interactuen entre si i amb l’entorn.

L’antico tradotto nel futuro, il passato proiettato all’avanguardia, tredici grandi capolavori rivisitati per celebrare le ultime applicazioni tecnologiche in campo artistico animano la mostra Remastered, nata da una intensa collaborazione tra Intel e Jotta, collettivo di designer e artisti, allestita nella meravigliosa chiesa di One Marylebone (Londra) e, naturalmente, accessibile anche on line.

Il nostro passato pittorico vorrebbe essere molto di più di una tematica per questo evento. Dietro le stupefacenti tecnologie, infatti, si nasconde una riflessione sull’uso dei nuovi media come forma artistica e come mezzo creativo per il presente e il futuro: come plasmano le nuove tecnologie la produzione artistica? Sono capaci di dar origine a nuove forme creative?
Con un meraviglioso apparato di documentazione il progetto segue passo a passo i 13 artisti e designer che hanno intrapreso questo interessante esperimento: dall’ intrigante rilettura 3D in chiave londinese di Friedrich a opera di Rafael Pavon, al Food Design dei Bompas&Parr che, ispirandosi all’Ultima Cena di Leonardo Da Vinci, crea un umoristico e pregnante memento mori.

Robert Corish, “Vibrating Light”. Studio preparatorio

La mostra sicuramente stimola la riflessione e la curiosità verso queste nuove forme d’arte, ma, ricordando la lotta che affrontò la fotografia nel suo fiorire, dà l’impressione di essere più un’apologia della tecnologia come forma d’arte, mancando così di freschezza.  Reinterpretare i vecchi maestri può risultare un esperimento giocoso, ma rischia di ridurre la vera potenzialità delle creazioni, slegandole da una contemporaneità che ha sempre più bisogno di risposte vere e intime. Questa sensazione viene parzialmente alleviata dai lavori più concettuali come quelli di Vanessa Harden e Stuart Bailes. Il progetto sembra comunque fermarsi a una riflessione principalmente formale, e a parte rari casi come il incantevole lavoro fotografico di Sara Hibbert, manca di una vera coerenza e profondità estetica.
Partendo dalle ballerine di Degas, la Hilbert descrive con maestria la delicatezza e la fragilità degli esseri umani.  Con la complicità della fotografia digitale, moving image e una luce stroboscopica l’artista dà vita ad un’installazione con quattro proiettori digitali catturando momenti di transizione: cinematici ritratti di stati umani, poetici e inquietanti al contempo.
In altri lavori invece il legame con i maestri del passato spesso risulta poco convincente. Forse anche perchè più che richiamarsi o ispirarsi ai grandi, alcune opere sembrano copiare o non comprendere fino in fondo la poetica dei lavori originali. Una felice eccezione è però Robert Corish con la sua installazione sonora che reinterpreta letteralmente lo Spirituale di Kandinsky. Un’animazione creata da Corish in After Effects e proiettata su un foglio riflettente di pellicola lenticular crea raggi di luce che vibrano e si deformano con l’emissione da un autoparlante della sinfonia elettronica appositamente composta da Corish: impressioni di colori fluttuanti che ricordano la ricerca della forma primordiale.
Ricordando Walter Benjamin, che parlò della fotografia come agente trasformatore dell’arte, la questione non è se la tecnologia possa creare arte o se influenzi la produzione artistica, ma piuttosto se possa trasformare la natura stessa dell’arte.
Remastered comunque raggiunge nel suo complesso il suo obiettivo primario: mostrare l’affascinante strada della illimitata espressione del futuro. Vale la pena visitare il sito: http://www.intel.com/en_uk/remastered/index.htm

Livia Dubon Bohlig

In home page “Vibrating Light” di Robert Corish



Tool_Kit Festival 2011 Corpo_ Forma_ Immagine_Movimento | Festival d’arte interattiva

L’approccio che gli artisti invitati sviluppano dipende dalla loro appartenenza ad una generazione che con la tecnologia ha stabilito un rapporto stretto, tanto da diventare uno strumento imprescindibile per relazionarsi al mondo, alla società e, di conseguenza, anche alle produzioni artistiche. La possibilità di esplorare orizzonti espressivi nuovi, che fino a pochi anni fa appartenevano esclusivamente alla dimensione del virtuale, si traduce nel tentativo da parte degli artisti di arricchire la realtà dei corpi, dei luoghi e delle architetture. Temi classici, come la figura umana e il movimento, vengono recuperati ed interpretati da uno sguardo che supera la distinzione tra realtà e apparenza, e il modo stesso in cui le opere vengono fruite presuppone un coinvolgimento articolato in più aspetti: toccare, mangiare, vedere e sentire sono azioni richieste dalla natura stessa dei lavori presentati. L’aspetto ludico insito nell’arte interattiva è il modo in cui queste opere vengono vissute, e il ruolo del pubblico, che sarà il vero protagonista del festival, diviene fondamentale: solo attraverso di esso i lavori presentati raggiungeranno il compimento.

Ambienti immersivi, installazioni interattive, performances, danza e musica elettronica si alterneranno a momenti didattici, attraverso dei workshop gratuiti organizzati dagli artisti che prenderanno parte alla rassegna, per concorrere a realizzare un’esperienza totale, capace di stimolare e mettere in crisi i tradizionali limiti che appartengono ad una “mostra”.

Il Tool_kit Festival si svolgerà dal 10 al 13 marzo 2011 presso la A+A | Centro Pubblico per l’Arte Contemporanea di Venezia, una cornice ideale per un percorso che unisce le frontiere dell’arte contemporanea con la storia degli edifici e della città.

Gli artisti invitati sono: Abusers, Artereazione, Ascolti Visivi, Aurora Meccanica, bild, Mario Ciaramitaro, Daniela D’Andrea, Ditroppo, Fannullare, Andrea Fincato, Gastrovisione, Francesco Liggieri, Johann Merrich + Belinda Frank + Chironomia, MU(c)Ca, Gianfranco Pulitano, Sacrocuoreconnection, Anis Saraci, Claire Scoville, Teatrino Elettrico, Valerio Veneruso, Videotrope.

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Date: 10 Marzo 2011 – 13 Marzo 2011
Autori: Abusers, Artereazione, Ascolti Visivi, Aurora Meccanica, bild, Mario Ciaramitaro, Daniela D’Andrea, Ditroppo, Fannullare, Andrea Fincato, Gastrovisione, Francesco Liggieri, Johann Merrich + Belinda Frank + Chironomia, MU(c)Ca, Gianfranco Pulitano, Sacrocuoreconnection, Anis Saraci, Claire Scoville, Teatrino Elettrico, Valerio Veneruso, Videotrope.
Curatore: Giada Pellicani, Martin Romeo
Note: Il Festival è organizzato in collaborazione con l’Assessorato alle Politiche giovanili, con il centro Pace del Comune di Venezia, con l’Università Ca’ Foscari e con l’Università IUAV di Venezia
Info: Telefax +39 041.2770466 | Tel. +39 041.7124765 | www.aplusa.it | info@aplusa.it | http://toolkitfestival.tumblr.com | toolkitfestival@gmail.com
Genere: Collettiva, Arte Interattiva, Festival

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All’interno dell’evento si colloca il dibattito Hacking and Cracking, che si terrà il 10 marzo, sull’arte interattiva e sul generative filmmaking, con interventi di Shane Walter, onedotzero (onedotzero.com), Tony Langford, Kinetica Museum (kinetica-museum.org), Audrey Anastasy and Paul Ferragut, Midnight Toastie (midnight-toastie.co.uk), Eric Schockmel, Watergun (watergun.tv).

In home page, still da Occupation: Movements II & III – Watergun Labs, diretto da Eric Schockmel – Lussemburgo e Londra, Giugno 2010.

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La presentazione degli artisti, dal sito http://www.jotta.com:

Van Gogh’s The Starry Night is reframed by Midnight Toastie collective, who use open source software, tactiles materials and a responsive constellation of electronic lights to create an interactive interpretation. The viewer is invited to employ the hand of the painter, producing swirling elements of movement and light in the night sky.

Plunged into a resonating arena of sound and light, Sara Hibbert’s figure addresses the dancer’s emotional struggle with the demanding discipline. Hibbert, like Edvard Degas, fragments and records the variations of a dancer’s actions, but places them in a sequenced yet distressed visual continuum.

Johannes Vermeer painted the fascinating discoveries of advancing sciences during the 18th century, so too Stuart Bailes utilises the immediacy of the photographic moment to create a series of works that reference our modern world and it’s foundations, so reliant on technological structures.

Emma Rios and Dan Price take the most intriguing elements of Manet’s A Bar at the Folie-Bergere, the ambiguous perspective and the female subject, to create an interactive 18th century kaleidoscopic den. Enter and become mesmerised by throbbing reflections, magnifying the sinister side of Manet’s  famously controversial depiction of modern life.

Friedrich’s Wanderer above the Sea of Fog inspired Rafael Pavon’s stereoscopic animation. Recreating the emotions conveyed in the original work, of man’s solitary interactions with the unknown future, the work utilises 3D tools, montaged illustration, animation and live action to evoke the sights, sounds and diversity of London.

jotta’s graphic designer and software designer, Jane Trustram and Anthony Mizon, respond to Picasso’s Guernica. Referencing the Deconstruction theory, and taking Internet as their canvas, Trustram and Mizon’s online application, ‘Deconstruct’, gives the viewer the tools to take apart and reassemble the elements of any webpage.

Filmmaker Paul Bryan and sculptor Jonathon Ryall took an investigation to the home of Venus De Milo, The Louvre, commenting on her manipulation in contemporary culture, through the perspective of those in closest proximity to both the original sculpture – the security guards – and the multitude of replicas in surrounding souvenir shops.

Animator and sound artist Lung re-instills the shock originally intended to engulf the viewer when Edvard Munch created his expressionist masterpiece The Scream. Screens and speakers omit a concoction of sights and sounds from a vivid sculpted wall, akin to the frenetic lights, colours and jingles of a decaying theme park. 

While Raphael’s School of Athens depicted the most prominent thinkers of Raphael’s era, Interaction designer Vanessa Harden’s School of TIME focuses on the most influential individuals in the world according to TIME’s Person of the Year from the last decade. Asking viewers to consider the notion of “perspective”, has TIME chosen individuals who merit the title of most influential person in the world, or most influential person in America?  

Sam Bompass and Harry Parr – gastronomic scientists, jelly architects and food smiths – chose to respond to Leonardo Da Vinci‘s The Last Supper, a better match could not be imagined.

Apocalyptic and visionary, Eric Schockmel’s 3D animation uses atmospheric effects to reference Turner’s Rain, Steam and Speed – The Great Western Railway. Focusing on the expressive power of the train as a metaphor for advancing technology, the film depicts the train regenerating itself, creating the conditions of it’s own growth. 

Daniel Swan adopts a purely digital aesthetic and medium, deploying the software as the paint brush, creating a constantly-changing digital canvas filled with dreamlike forms in various stages of clarity in response to Salvador Dali’s melting clocks and dream analysis.

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 One Marylebone
1 Marylebone Road
NW1 4AQ
Exhibition is open to the public from 10 March – 13 March 2011

11am – 6pm Thurs- Sat, 11am – 3pm Sunday.