Dal testo in catalogo di Duccio Trombadori:

Tutto inizia dalla notte, e tutto in essa rifluisce. Quello scuro fondale, quel velo nero dove l’occhio si diffonde a dismisura tra spazi suturati senza confine, è il risultato di una campitura impeccabile che lascia percepire l’aperta prossimità di un aere levigato a carbone, universo indeterminato di astri luminosi e appena alleggerito da sensibilissime varianti  di tono.

Riccardo Negri, “Respiro”, 2011. Grafite su carta, cm110 x 110

Riccardo Negri enuncia l’estro della sua  espressività nutrita da una passione figurativa che non circoscrive la misura sensibile nell’ambito puramente documentario ma su di esso fa leva per ottenere il più ambizioso dei risultati estetici: mediante il visibile, fare esperienza dell’invisibile. La sua mano sonda profondità spaziali e trasparenze atmosfericche in una fitta trama di segni che articola il piano in allusione progressiva della forma.  L’occhio non riposa sulla  omogeneità apparente del velo notturno bensì cerca di penetrare la selva grafica per inseguire slittamenti di spazio e luce, immagina filiazioni, entropie generative dalla notte al giorno, come alba primordiale del mondo, o pure intima fisiologia del ritmo vitale  e delle sue necessarie scansioni genetiche.
L’elenco delle cose viste ha valore di preambolo per una più vasta aspirazione emotiva, quella di andare « oltre  il segno », in uno scambio simbolico tra apparenza percepita e verità evocata.
« Perigrafia », verrebbe di dire pensando alla parola greca « perigraphé », ovvero circoscrizione. Proprio perché il procedimento espressivo di Riccardo Negri effettua la sua indagine sulla verità ed adopera il disegno come tratto che imprigiona e riduce ciò che contiene nei limiti ben fissati dello spazio e del tempo.
La forza del disegno di Negri, che cattura attonite fisionomie fiorite dal nulla dello spazio bianco (e che in esso appaiono come sprofondate, per la procedura dissolvente dei tratti di grafite ), rinvia così a meditare sul valore e il limite dei simulacri visivi, come convenzioni   per comunicare più profonde (ed invisibili) presenze ontologiche (« aliquid stat pro aliquo »).
E il senso di inaudita e misteriosa infinità che Negri cerca sempre di indagare con l’occhio del disegnatore eccellente, in quanto anima e radice creativa che  dà valore e significato all’insieme della  sua emergente espressività.

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Sede: Galleria L.I.B.R.A. Arte Contemporanea – Via Pola 11/c – Catania
Date: 7 Maggio – 31 Maggio 2011
Orari: Dal Martedì alla Domenica, dalle ore 16.30 alle ore 20.30
Vernissage: 7 Maggio, ore 18.00
Autori: Riccardo Negri
Curatore: Duccio Trombadori
Biglietti: Ingresso libero
Info: info@gallerialibra.com
Genere: Personale, Arte Contemporanea

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Matteo Fato, “osservando la parola”, disegno da libro d’artista, 2011. Courtesy l’artista.

Factory – Contemporary Art is a project set off in 2010 by the Accademia Raffaello in collaboration with the Academy of Fine Arts of Urbino aiming to promote the works of the emerging young artists and this year it introduces the exhibition of Matteo Fato (Osservando la parola) in the birth house of Raffaello / Bottega Giovanni Santi from 5^th May to 2^nd June 2011.
Umberto Palestini is once again put in charge of the exhibition, as well as the catalogue with texts both in Italian and English, following the graphic designed by Emanuele Bertoni and realized with the contribution of NACA ARTE, Minstery of Cultural Heritage and Activities, Marche Region, Province of Pesaro and Urbino and Cassa di Risparmio Fondation of Pesaro.
Factory, in the meaning of factory-workshop-laboratory, qualifies the artistic elaboration stage that, once completed the work, succeeds in the aristocratic halls.
From Matteo Fato’s study and careful thinking originate the works which are now displayed in the birthplace of Raffaello, a place symbol for every artist. Fato was educated artistically in Urbino and before developing a new artistic project he had gone through the historical rooms of the house, discovering the upper rooms which he was not aware of: he went in search of objects and visions as in a journey back in time.
Among the many suggestive elements examined he was particularly struck by a lamp hanging form the ceiling, a stereotype object. Reproductions of it are sold as gadgets to tourists, but it is also a three-dimensional translation of the design of Leonardo da Vinci published in the famous treatise by Luca Pacioli, De Divina Proporzione. Matteo. Fato sees the lamp as an emblem of the refined Renaissance culture made of complex concepts and perceives the exhibition as a meditation on the value of the objects, while the word, which is written and made real by the design and the painting, becomes the  unconditional model.
Matteo Fato decided to set off from one of his pictorial work carried out in 2003, Senza titolo con sciarpa, recovered from a private collection in order to display it as a sort of ready made, a symbolic object closing a pictorial cycle which began in the late nineties. Matteo Fato will then dedicate himself to drawing and animation but most of all to the study of the calligraphic writing deriving from the antique Chinese tradition where there are deep and inseparable bonds between writing and painting, and image and word.
The exhibition of his works in the birth house of Raffaello in Urbino has a meaning for Matteo Fato: that is, the return to his origins. Searching for new expressive codes in the installation art, hosting new and continuous translations and formal shifts and helping to coexist painting and design, video and photography, objects and neon. The logic behind the project is to combine, casually, elements to create a narrative closed in secrecy.

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Sede: Accademia Raffaello -Via Raffaello 57 – Urbino
Date: 5 Maggio 2011 – 2 Giugno 2011
Orari: Dal Lunedì al Sabato, dalle ore 9.00 alle ore 13.00 e dalle ore 15.00 alle ore 19.00. Domenica e festivi dalle ore 10.00 alle ore 13.00
Vernissage: 5 Maggio, ore 18.00
Autori: Matteo Fato
Curatore: Umberto Palestini
Catalogo: Disponibile in sede con testi di Umberto Palestini
Info: telefax 0722320105 | segreteria@accademiaraffaello.it | www.accademiaraffaello.it
Genere: Personale, Arte Contemporanea

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Henri Matisse, “Interno con schiavo”, ca. 1924. Olio su tela, 91,7 x 73,2 cm, Nizza, Musée Matisse, © Succession H. Matisse by SIAE 2010, Photo : François Fernandez

La mostra è mirata, sceglie di esporre esclusivamente l’attività dell’artista francese confrontabile con le sculture michelangiolesche e forse per questo ha un limite, non dando un quadro completo dell’opera matissiana ma mostrando una porzione molto ridotta del suo lavoro; da questo insieme restano escluse una serie di tele che lo spettatore potrebbe aspettarsi d’incontrare. Risulterà difficile avere un’idea esaustiva della produzione matissiana tanto quanto del periodo storico, ciò forse per via della mancanza di alcune opere significative che avrebbero permesso di comprendere l’evoluzione artistica del maestro francese pur non sviando il confronto con la classicità michelangiolesca.
L’allestimento della mostra è curato dallo studio TA di Alberto Torsello, architetto capace di esplorare ambiti di intervento nuovi, con interessanti esperienze nel campo degli allestimenti come quello strabiliante della esposizione dedicata agli Inca che si è tenuta nello stesso Museo di Santa Giulia.
Il percorso è dominato da un crescendo di luce. L’ingresso alla mostra avviene quasi al buio, in un corridoio a gomito, l’enfasi luminosa è posta solo sulle opere. Le luci, appositamente progettate, sono in grado di produrre una ambientazione quasi naturale ma di grande teatralità. Proseguendo, il buio delle sale si dirada passando ai toni del grigio per arrivare alla luce e ai colori chiari che accompagnano gli ultimi spazi espositivi, in un percorso quasi catartico, di rivelazione e di chiarezza interiore. Accolgono alcune illustrazioni della rivista francese Verve, per la quale Matisse aveva assiduamente lavorato sopratutto nell’ultimo periodo della sua vita.
Breve il confronto con la produzione artistica di Rodin, interprete dei valori michelangioleschi, da cui Matisse trasse ispirazione per la prima opera qui presentata, Lo schiavo (Musée Matisse di Nizza). Essendo la mostra dedicata al rapporto fra l’artista francese e Michelangelo, ci si sarebbe aspettati una più ricca documentazione in merito alla figura di Rodin, che fu tanto fondamentale nel mediare tra Matisse e il maestro italiano.
Segue il confronto diretto con Michelangelo, a partire dal calco de La Notte della Sagrestia Nuova di San Lorenzo a Firenze (Gipsoteca dell’Istituto statale d’arte di Firenze). Il Ratto d’Europa (National Gallery of Australia), una delle poche tele presenti alla mostra, se rivela evidenti spunti recuperati dall’artista toscano, difficilmente potrà essere annoverata fra le opere più significative di Matisse. Ugualmente sembra poco opportuna la presenza di un dipinto inconcluso, il Grande nudo seduto (Bronty) del 1909 (New York, The Pierre and Tana Matisse), in cui è visibile il disegno sottostante e le campiture di colore rosso dello sfondo riempiono il quadro solo a metà, mostrando una preparazione che difficilmente si può credere sia intenzionale.
Interessante invece, e forse vera rivelazione della mostra, il libro Phasifae. Chant de Minos di Henri de Montherland, illustrato da Matisse e raramente esposto al pubblico. Si tratta di una serie di incisioni su linoleum, una semplice linea bianca su fondo nero, il cui il tratto deciso regna sovrano, rendendo le figure iconiche pur nel movimento forte e potente.
Il tema della danza, tanto caro a Matisse, viene trattato fugacemente con due bozzetti di bronzo di piccole dimensioni e con il bozzetto di preparazione alla decorazione per la fondazione Barnes di Philadelphia (La danza, armonia blu, 1930-1931, Musée Matisse, Nizza). L’illustrazione della rivista Verve del 1938 avente come oggetto questa stessa tematica, non sembra sufficiente a scandagliare quello che per Matisse non fu solo uno dei tanti motivi trattati, ma fu il grande motivo per eccellenza, quello della danza umana inteso come slancio vitalistico dell’uomo mosso dalla gioia di vivere.

Henri Matisse, “Pianista e giocatori di dama”, 1924. Olio su tela, 73,7 x 92,4 cm, Washington, National Gallery of Art, Collection of Mr. and Mrs. Paul Mellon, 1985.64.25, © Succession H. Matisse by SIAE 2010, Image courtesy National Gallery of Art, Washington

Nel corridoio successivo, la sala 5, tre teste in bronzo della modella Henriette, la modella preferita dall’artista, vengono accostate a incisioni su linoleum di nudi del 1938 e ad un altro dei rari dipinti di questa mostra, Katia in abito giallo (1951, The Pierre and Tana Foundation Collection), a cui fa seguito l’altro dipinto Pianista e giocatori di dama (1929, National Gallery of Arts, Washington), una delle poche tele dell’artista forse già note al pubblico. Qui il confronto con Michelangelo è reso nella sua evidenza dalla presenza del calco in gesso de Lo Schiavo morente (Gipsoteca dell’Istituto d’arte di Firenze) citato nel dipinto, che a sua volta si collega all’Interno con schiavo, la tela del Musée Matisse di Nizza, raffigurante il modello michelangiolesco in gesso che Matisse aveva nel suo atelier. Eccezionalmente per la mostra è stato fatto realizzare il calco dello schiavo di Michelangelo che poi verrà donato al Museo di Nizza.
L’allestimento si rischiara e nella sala 6 prevale l’accostamento tematico di una serie di nudi, in prevalenza disegni di donne distese, intervallati dalla tela della Donna alla finestra (1918, Narodni Muzej di Belgrado) e dalla tela delle Ragazze in giardino (1919, Musée des Beaux-Arts, Le Chaux de Fonds) dove si evince che il maestro francese ha ripreso nel periodo di Nizza gli studi realizzati una ventina di anni prima ispirati alla Notte di Michelangelo.
La sala 7 sempre più rischiarata, è dedicata al confronto con gli antichi. Lo testimoniano il Busto in gesso, bouquet di fiori, un olio del 1919 molto incisivo, che mostra in secondo piano un disegno di chiara impronta michelangiolesca e un busto antico effettivamente posseduto da Matisse esposto qui in originale (Busto antico, copia romana da un originale del IV sec., Musée Matisse di Nizza); entrambe le opere vengono affiancate ad un disegno di una Venere antica di Michelangelo proveniente da casa Buonarroti.
Proseguendo, altri disegni di nudi femminili si alternano a bronzi raramente esposti quali la Serpentine (1909, deposito presso il Musée Matisse di Nizza) e il Grande nudo seduto (1929, Musée Departemental Matisse, Le Cateau-Cambrésis). Il primo bronzo mostra tutta la sua originalità nella raffigurazione di una donna affusolata e dalle forme fortemente affinate anticipando di molti anni le forme giacomettiane.
Verso la dirittura d’arrivo, la mostra prende slancio. Viene presentata una serie delle odalische che Matisse aveva visto in Marocco nel 1912, con quattro dipinti circondati da numerose litografie.

Henri Matisse, “Il circo”, tav. 2, Jazz, Paris, Tériade, 1947. Tavola a pochoir realizzata con gouache di Linel, 42 x 65 cm, Le Cateau-Cambrésis, Musée départemental Matisse, © Succession H. Matisse by SIAE 2010, Photo Philip Bernard

L’ultimo periodo della produzione matissiana è documentato dalle vivaci gouaches découpées. Con esse l’artista risolve alcuni dilemmi che l’avevano ossessionato per tutta la carriera, quali il rapporto fra colore, disegno e scultura per cui dirà: «ritagliare a vivo nel colore mi ricorda lo sbozzare diretto degli scultori». La conseguenza del suo intenso interrogarsi sulla plasticità dei corpi in rapporto con lo sfondo decorativo trova uno sbocco in queste ‘tempere ritagliate’ che costituiscono il trait d’union fra elemento pittorico e scultoreo. Le gouaches découpées non hanno precedenti e nemmeno avranno seguito. Matisse fece colorare dai suoi assistenti dei rotoli di carta e poi con della grandi forbici andò a tagliare le forme che andava a comporre per ore interminabili. Discende da quest’invenzione il suo libro Jazz che realizza nel 1947, raccogliendo pensieri e idee dell’artista stesso sulla vita e sull’arte, oltre a questi insoliti ritagli che conferiscono al colore la massima purezza. A Brescia viene proposto per la prima volta non il libro celeberrimo ma una versione più rara del medesimo, denominata ‘album’, versione mai mostrata prima in quanto il proprietario temeva che l’esposizione alla luce potesse intaccare la brillantezza del colore.
Ci avviciniamo alla fine del percorso. A settant’anni, Matisse, malato e costretto su una seggiola a rotelle, fa ricoprire le pareti beige del suo laboratorio con delle forme di uccelli ritagliati nella carta bianca, memore del soggiorno tahitiano. E’ questa l’origine degli arazzi Oceania mare e Oceania cielo (1946, Musée Départemental Matisse, Le Cateau Cambrésis), riprodotti nel lino grezzo in trenta esemplari a Parigi. Nel parallelo Polinesia (1950-1951), le forme di pesci e rondini, fluttuanti in una danza di coralli, alghe e meduse, danno vita assieme allo sfondo ad una bicromia priva di ombre, nitida e viva tanto quanto lo spazio che Matisse esperì nell’altro emisfero.
Chiude l’esposizione una forte ed incisiva gouache découpée realizzata su tela, la bellissima Venere (1952, National Gallery of Art, Washington), che documenta ancora una volta il debito di uno dei più grandi artisti del Novecento nei confronti della tradizione e della grande arte classica.
L’ estrema stilizzazione delle forme femminili rese con una monocromia blu riporta alle veneri antiche riprodotte da Michelangelo: il colore solista semplifica e sintetizza la forma che acquista un vigore inaspettato. All’interno di questo confronto fra due titani dell’arte, sembra doveroso concludere riportando la frase del maestro francese. «Credo che la personalità dell’artista si sviluppi nella lotta da condurre contro la personalità altrui. Se la lotta gli è fatale e se soccombe, quello doveva essere il suo destino». Evidentemente quest’ultima ipotesi non si è avverata.
In parallelo alla mostra di Matisse, sempre compresa nel costo del biglietto, è possibile vedere l’esposizione Ercole il fondatore, curata da Antonio Giuliano e da Marco Bona Castellotti: una ricostruzione filologica e un’esposizione delle testimonianze archeologiche, scultoree e pittoriche provenienti in prevalenza dai musei locali che avvalorano la leggenda secondo la quale l’antico eroe greco avrebbe fondato la città di Brescia.
Lodevole la scelta di affiancare una mostra di respiro internazionale con uno studio di scrupolosa scientificità condotto nel solco dell’arte e della cultura bresciana.

Francesca Serana

In homepage particolare da Henri Matisse, “Il circo”, tav. 2, Jazz, Paris, Tériade, 1947. Tavola a pochoir realizzata con gouache di Linel, 42 x 65 cm, Le Cateau-Cambrésis, Musée départemental Matisse, © Succession H. Matisse by SIAE 2010, Photo Philip Bernard

Nuovo appuntamento con  Brac’s art on table, “mostra orizzontale” della libreria Brac curata da Gabriele Mori: le trenta tovagliette del mese di febbraio sono opera di Emma Masiero.

Sui tavoli della libreria le illustrazioni fantastiche, eleganti e sognanti della giovane artista fiorentina accompagneranno visivamente i visitatori in una piacevole fuga dalla realtà.

Emma Masiero, "Elicottero"

Scrive Emma del suo lavoro: “Posso dire che la felicità, intesa come unica condizione possibile, è stata e rimarrà sempre l’elemento focale della mia continua ricerca. Nel mio quotidiano cerco di mettere al centro delle mie riflessioni, l’oggetto come  pura forma di piacere. Quell ’elemento che si appoggia principalmente sulla curiosità e sul potere caratteristico e comunicativo del benessere”

Emma Masiero (Firenze 1984) è Interior designer, laureata a Madrid. Ha lavorato per studi di architettura e collabora con riviste web di grafica.

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Sede: Libreria Brac – Via dei Vagellai 18r – Firenze
Date: 2 Febbraio – 3 Marzo 2011
Orari: Tutti i giorni dalle ore 11.00 alle ore 24.00. Domenica dalle ore 12.00 alle ore 21.00
Vernissage: 2 Febbraio
Autori: Emma Masiero
Curatore: Gabriele Mori
Biglietti: Ingresso libero
Info: Tel. +39 055 0944877 | www.libreriabrac.net | info@libreriabrac.net
Ufficio Stampa: Monica Zanfini | Via dell’Osservatorio 36, Firenze | Tel. 055 452567 | Mob. 338 8060156 | monicazanfini@alice.it
Genere: Personale, Arte Contemporanea

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Henri Matisse, “Icaro”, tav. 8, Jazz, Paris, Tériade, 1947. Tavola a pochoir realizzata con gouache di Linel, 42 x 65 cm. Le Cateau-Cambrésis, Musée départemental Matisse, © Succession H. Matisse by SIAE 2010, Photo Philip Bernard

Dopo il grande successo dell’iniziativa sugli Inca che ha portato in città oltre 283.000 visitatori, anche per il 2011, Brescia si appresta a diventare una delle capitali italiane dell’arte.

Al Museo di Santa Giulia è in programma, dall’11 febbraio al 12 giugno, l’esposizione MATISSE. La seduzione di Michelangelo che dimostrerà quanto profondo sia stato il legame intercorso tra l’artista francese e il genio italiano del Cinquecento, che portò Matisse alla formulazione di un’arte che fosse una semplificazione assoluta della pittura, alla luce del suo studio giovanile e poi maturo, proprio della scultura di Michelangelo.
L’arte di Michelangelo costituì per Matisse un riferimento e una continua fonte di riflessione che gli permise di lavorare sul perpetuo rapporto tra linea e volume, disegnando e dipingendo in maniera sculturale.
La mostra, curata da Claudia Beltramo Ceppi, coadiuvata da un comitato scientifico composto dai maggiori esperti di Matisse, promossa dal Comune di Brescia, prodotta e organizzata da Fondazione Brescia Musei e Artematica, col patrocinio della Regione Lombardia-Cultura e del Ministero degli Affari Esteri, presenterà 180 opere del maestro francese – dipinti, disegni, incisioni, gouaches découpées – in grado di seguire tutto il suo itinerario creativo, dalle prime opere fauve a quelle realizzate tra il 1908 e il 1914, a quelle del periodo di Nizza (dal 1918 in poi), fino alla parte finale della sua vita, dedicata alla scoperta poetica delle illustrazioni dei libri e della rivista Verve e all’invenzione rivoluzionaria delle gouaches découpées. A esse, si affiancheranno diversi calchi di alcune delle più importanti sculture di Michelangelo tra cui quelle delle Cappelle Medicee, oltre a un importante disegno originale raffigurante due Veneri.
Il percorso espositivo proporrà capolavori di Matisse, difficilmente concessi in prestito, come la grande scultura Lo Schiavo (Musée Matisse di Nizza), il piccolo gioiello del Brooklyn Museum di New York, un olio su tavola, Nudo nel bosco, cui si affiancherà il bronzo Piccolo busto accovacciato (Pierre and Tana Matisse Foundation di New York) che rappresenta quasi una citazione letterale di Michelangelo, ma ridotta alle stesse dimensioni della figura del dipinto, attraverso quel procedimento ‘a togliere’ che Matisse aveva ben studiato nel suo grande antesignano.
Dalla National Gallery of Australia di Canberra giungerà il grande dipinto Il ratto d’Europa, mentre dal MASP di San Paolo del Brasile arriverà il magnifico Busto in gesso, bouquet di fiori.
Verranno inoltre esposte le serie delle Odalische (tra cui il magnifico Nudo seduto su sfondo rosso di proprietà del Centre Pompidou di Parigi), esemplari di quella ricerca spasmodica tra tensione ed equilibrio che turbava Matisse, e Natura morta. Interno rosso a Venezia dei Musées Royaux des Beaux-Arts de Belgique di Bruxelles, o la serie di nudi provenienti dal Musée Matisse di Nizza.
Dal Musée Matisse di Le Cateau Cambrésis proverrà il Grande nudo seduto, la più grande scultura mai realizzata da Matisse, e gli straordinari ed enormi pannelli di Oceania, mare e Oceania, cielo, rispettivamente di 176×395 cm e 177×370 cm.
Il percorso continuerà con la famosa serie di Jazz, dai colori raggianti di un album aperto per la prima volta in occasione della mostra, o un frammento autentico della vetrata della Cappella di Santa Maria del Rosario di Vence e, tra le gouaches découpées, alcuni importanti esemplari mai esposti in precedenza per il timore che la luce potesse danneggiare i fragilissimi colori.
Particolarmente suggestivo sarà il confronto tra due delle opere più importanti di Matisse, provenienti dalla National Gallery di Washington, come il grande dipinto Pianista e giocatori di dama e la grandissima gouache découpée intitolata Venere che verrà affiancata da un disegno originale di Michelangelo raffigurante, per l’appunto, due Veneri.
Il ricordo e la presenza di Michelangelo accompagneranno il visitatore per tutta la mostra, attraverso alcuni suggestivi calchi ottocenteschi delle opere di Michelangelo, tra cui soprattutto la statua di Ecate-Notte delle Cappelle Medicee, a grandezza naturale.
È proprio il rapporto tra scultura e pittura a esprimere al massimo l’urgenza di Matisse di superare continuamente i propri limiti, ed è la scultura il momento in cui egli si riallaccia più apertamente alla tradizione che lo ha preceduto.
Michelangelo è in questo il suo maestro supremo: “Si potrebbe far rotolare una statua di Michelangelo – affermava – dall’alto di una collina fino a far scomparire la maggior parte degli elementi di superficie: la forma rimarrebbe comunque intatta”, e ancora: “Sono ritornato studente… Disegno la Notte, studio il Lorenzo de’ Medici: cerco di impadronirmi della concezione chiara e complessa che è alla base della costruzione di Michelangelo”.
Del genio italiano condivise la passione sempre insoddisfatta per l’opera, mentre ne ammirò la capacità di sperimentare, fino all’equilibrio estremo, la forza e la tensione che distorcono i corpi.
Al capolavoro michelangiolesco L’Aurora – conservato nella chiesa di San Lorenzo a Firenze – Matisse si rifà esplicitamente nel realizzare quella statuetta del Nudo disteso che ricomparirà in tanti dipinti contemporanei. A Michelangelo tornerà per trovare nuove soluzioni spaziali nei tormentati anni Venti.
E non a caso, la sua più sofferta scultura sarà proprio quel meraviglioso Grande nudo seduto che si riferisce esplicitamente a Michelangelo e che Matisse trascorrerà ben sei anni a modellare e rimodellare, fino a considerarla la sua opera più importante.
Successivamente, altri saranno i problemi che lo coinvolgeranno, ma ancora, nella serie di dipinti dal 1921 al 1940, la figura centrale, a volte dipinta, a volte solo abbozzata, assumerà una profondità spaziale e monumentale di michelangiolesca memoria.
La conseguenza del suo intenso interrogarsi sulla plasticità dei corpi in rapporto con il loro sfondo decorativo, troverà infine una soluzione inattesa nella geniale invenzione delle gouaches découpées, che riconcilieranno finalmente l’elemento pittorico e quello scultoreo dell’opera in un procedimento di fusione di cui Matisse stesso dirà: “Ritagliare a vivo nel colore mi ricorda il procedimento diretto della scultura”.
Egli giunse così al definitivo superamento dell’aspetto bidimensionale e di quello tridimensionale dell’opera fino a creare un nuovo universo di forme colorate che di entrambe hanno mantenuto la capacità di sintesi e la tensione.

Accompagna la mostra, un catalogo GAmm Giunti.

Brescia, dicembre 2010

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Sede: Museo di Santa Giulia – Via Dei Musei 81/b – Brescia
Date: 11 Febbraio – 12 Giugno 2011
Orari: Dal Lunedì al Giovedì, dalle ore 9.00 alle ore 20.00;  Venerdì e Sabato, dalle ore 9.00 alle ore 21.00. Domenica dalle ore 9.00 alle ore 20.00. Il 25 Aprile (lunedì di Pasqua), dalle ore 9.00 alle ore 21.00. La vendita dei biglietti sarà sospesa un’ora prima della chiusura della mostra.
Vernissage: 11 febbraio 2011
Autori: Henri Matisse
Curatore: Claudia Beltramo Ceppi
Catalogo: Disponibile in sede
Editore: GAmm Giunti
Biglietti: Intero 14.00 euro; ridotto 11.00 euro (studenti universitari fino a 26 anni con tessera o libretto, over 60, soci TCI, soci FAI, soci ARCI, altre categorie convenzionate); ridotto speciale 8.00 euro (fino a 18 anni non compiuti, titolari Card “Brescia Musei Desiderio”); speciale famiglia: ridotto 11.00 euro per gli adulti (per nuclei formati da 2 adulti e almeno 1 minorenne); ridotto gruppi (solo su prenotazione) 9.00 euro (da 15 a 25 persone – ingresso omaggio per il capogruppo); ridotto scuole (solo su prenotazione) 6.00 euro (fino a 25 alunni – 2 ingressi omaggio per gli accompagnatori). Ingresso gratuito per bambini fino a 5 anni, disabili con accompagnatore, soci ICOM. Diritto di prevendita di 1.50 euro su ogni ingresso prenotato ad esclusione delle scolaresche
Note: La mostra è coadiuvata da un comitato scientifico composto dai maggiori esperti di Matisse, promossa dal Comune di Brescia, prodotta e organizzata da Fondazione Brescia Musei e Artematica, col patrocinio della Regione Lombardia-Cultura e del Ministero degli Affari Esteri
Info: Numero Verde 800 775083 | Tel. + 39 0302977834 | www.matissebrescia.it | info@matissebrescia.it
Ufficio Stampa: CLP Relazioni Pubbliche: Tel.  +39 02 433403 | Fax +39 02 4813841 | press@clponline.it | Ufficio Stampa Artematica: Tel. +39 0422 410886 | Fax +39 0422 303890 | press@artematica.tv
Genere: Personale, Arte Contemporanea

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Invito mostra

Le immagini sanno esprimere, raccontare ed emozionare, al pari delle parole.
Un potere comunicativo ancestrale quello del linguaggio visivo, capace di andare oltre il limite della cornice o della pagina di un libro, per sviluppare un racconto articolato e ricco di significati.
Un linguaggio universale che supera confini geografici e culturali.
E’ così che nascono le opere di Rosy Gadda Conti, dal 27 novembre al 23 dicembre in mostra presso il Circolo Artistico Artemisia di Parma: ‘pensieri e parole’ che trovano la loro dimensione nell’immaginazione e arrivano a raccontarsi attraverso segni, colori e forme.
Una “biblia pauperum” moderna che dall’affresco medievale approda oggi alla rappresentazione su tela, mantenendo la peculiarità di saper narrare e coinvolgere lo spettatore con la sola forza dell’immagine.
Con pochi tratti Rosy Gadda Conti dà vita a personaggi che sviluppano personalità e vicende attraverso sfumature e dettagli singolari: un paio di occhiali dalla forma azzeccata, degli scaldamuscoli nei toni delicati del rosa, pattini che fanno scivolare con grazia su pavimenti immaginati.
Una carrellata di personaggi che dalla fantasia dell’autrice prende anima nelle sue opere, diventando ora protagonisti ora compagni di un’avventura per grandi e piccoli.
L’apparente semplicità di queste illustrazioni, che con eleganza e delicatezza descrivono un mondo dove animali e umani si mescolano come etnie diverse di un’unica grande comunità – il mondo vivente –, in realtà svela significati più profondi che i titoli, ironici e spesso inaspettati, solo in parte suggeriscono, strizzando l’occhio allo spettatore complice.
Ecco quindi la sottile ironia di Istinto e Ragione, dove un mostro dall’aria simpatica scarrozza ridendo un mago-gnomo seduto sulla sua testa: grande l’uno, piccolo l’altro a definirne i ruoli, ma entrambi in stretta relazione e dipendenza l’uno dall’altro. Tenera la partecipazione di Timide osservazioni, in cui un vergognoso topolino del deserto dalle orecchie giganti sbircia con timore al di là di una siepe; sorniona l’allusività di In attesa del bacio, dove un elegante ranocchio in frac aspetta fiducioso la promessa del bacio; pungente l’allegoria sul potere de Il re è solo, che ritorna anche ne La prima stella, in cui un’altissima torre, simboleggiante il potere, risulta non abbastanza grande per raggiungere le ambizioni del re che vi troneggia.
L’ispirazione è infatti solo apparentemente legata alla natura e al reale, poiché immediatamente rielaborata secondo idee che trasformano i protagonisti delle opere in simboli o stereotipi.
Come in Gallinella a spasso e Le pettegole, evidenti parodie dello stereotipo della donnetta ciarliera, la prima più direttamente giocosa, la seconda più sottilmente allusiva con le maldicenze delle due protagoniste incise sul fondo.
Ne L’inchino la centralità del personaggio barbuto è sottolineata dalla forma circolare del corpo, che richiama il simbolo dell’infinito, riproposto più volte sia sulla veste che sul fondo, a significare che la gentilezza (incarnata nel gesto dell’inchino) non ha età e limiti di tempo. Stessa circolarità per altri umani protagonisti di queste opere – Il difficile compito del custode, Barbablu, Lo sceicco e la lampada – ognuno dei quali impersona non solo se stesso ma anche il significato che vi sta dietro, spesso ribaltandolo nel suo opposto, come a voler raccontare ciò che il racconto ha tagliato fuori o semplicemente ignorato. E’ il caso di Barbablu, qui non più temuto “serial killer”, ma bonario e pentito ometto di mezza età, sorpreso a riflettere su se stesso e sulle proprie azioni.
Cerchio ben più complesso per Fragilità, in cui una sfera umanizzata guarda con compassione e preoccupazione il piccolo globo terrestre che tiene fra le mani, intuendone appunto la fragilità dinnanzi ai disastri che ne attentano la vita.
Numerosi gli animali che ammiccano compiaciuti: il compunto tacchino de La suocera, il soffice e solo apparentemente fragile (la dimensione delle zampe conferma il contrario!) pulcino nero de Il pulcino, i numerosi struzzi ritratti ora in eleganti vesti da intellettuali settecenteschi (Messer struzzo), ora con espressioni e gambe umane (Struzzo golfista), ora con fashionisti scaldamuscoli rosa (Gambe di struzzo).
Non mancano i riferimenti a mondi legati all’immaginario (Il letto a castello, Cappuccetto, Il Marchese di Carabattola), che giocano però sempre con un doppio senso fra immagine e parola (il titolo in questo caso), creando velate allusioni che ne dichiarano l’intento.
Ed è grazie alla tecnica adottata che la singola opera viene ad assumere un significato più pregnante, andando oltre la  catalogazione di essa come genere “illustrazione” per abbracciare quello più ampio di “opera d’arte”.
Rosy Gadda Conti ha infatti elaborato e raffinato negli anni una personale tecnica pittorica, capace di sviluppare le potenzialità espressive dell’acquerello affiancato ad altre tecniche.
Una di queste fa convivere l’acquarello con l’acrilico, ribaltandone i ruoli di “forza” in termini di espressività e rilievo. La matericità dell’acrilico viene pertanto relegata sullo sfondo dell’opera per dare un supporto consistente all’acquerello, che in questo modo emerge in primo piano con la potenza della sua lavorazione più definita.
Stesso discorso per quanto riguarda gessi e collage con inserti di tessuti e carta, in cui ancora una volta il materico non si propone come elemento dominante del primo piano, ma resta sullo sfondo a fare da base e cornice allo stesso tempo.
L’aspirazione di queste opere è quella di riuscire a emozionare, trasmettere un’idea, suscitare una riflessione. Una riflessione che può e deve essere svincolata dalla parola scritta, perchè ad essa precedente e sostitutiva.
E una riflessione che riguarda anche l’illustrazione come forma d’arte, non necessariamente relegata alle pagine di un libro, e quindi strettamente dipendente da un racconto in parole, ma in grado essa stessa di parlare e raccontare con le immagini.
Un potenziale ampliamente compreso da Rosy Gadda Conti, che da tanti anni si dedica con passione al suo lavoro coinvolgendo un pubblico ampio e diversificato.
Consapevole infatti del potenziale creativo di ognuno e della necessità di educare l’osservazione come punto di partenza per la creazione, l’artista porta avanti un progetto formativo di corsi dedicati ad adulti, sia principianti che professionisti, a bambini e disabili, stimolandone fantasia e voglia di esprimersi.
All’interno di questo evento espositivo verrà presentata per la prima volta la collezione Sister&Sister, nata dalla passione per l’arte e la fantasia delle sue creatrici, Rosy Gadda Conti e Simona Guarducci,  l’una mente creativa e l’altra anima imprenditoriale del progetto.
Moda, arte e design si fondono nelle originali creazioni Sister&Sister, realizzate con le stampe di alcuni disegni selezionati fra le opere di Rosy Gadda Conti.
Dalle t-shirt in cotone per adulti e bambini ai cuscini con le immagini piazzate, dalle maglie al cubo portaoggetti e all’astuccio in tessuto: una gamma di prodotti in cui l’opera d’arte passa  dalla bi-dimensione alla tri-dimensione di una collezione di capi d’abbigliamento e complementi d’arredo, a conferma della sua versatilità.
L’unicità delle stampe, la qualità dei materiali e la ricercatezza dei dettagli sono i tratti che contraddistinguono i prodotti Sister&Sister, tutti rigorosamente made in Italy.

Quadri e prodotti saranno in vendita presso la galleria per tutta la durata della mostra.

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Sede: Circolo Artistico Artemisia, Borgo Scacchini 7 – Parma
Date: 27 Novembre – 23 Dicembre 2010
Orari: Dal Lunedì al Sabato dalle ore 10.00 alle ore 12.30 e dalle ore 17.00 alle ore 19.00. Giovedì chiuso
Vernissage: 27 Novembre, ore 17.00
Autori: Rosy Gadda Conti
Curatori: Chiara Cappelli
Biglietti: ingresso libero
Info: Tel. 338 7463379 | www.rosygaddaconti.ch
Ufficio Stampa: Chiara Cappelli
Genere: Personale, Illustrazione

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Sede: Collezione Peruzzi, Corso Lodi 78 – Milano
Date: 18 Settembre – 19 Settembre 2010
Orari: L’esposizione è visitabile su prenotazione. Inviare una mail a prenotazione@collezioneperuzzi.it  indicando giorno, ora preferita e numero persone
Autori: Maurizio Cattelan
Catalogo: Disponibile in sede
Biglietti: Ingresso gratuito
Note: L’evento celebra il trentennale della Collezione Peruzzi
Info: Tel. +39 348 4937953 | Fax +39 025692637 | www.collezioneperuzzi.it | collezioneperuzzi@collezioneperuzzi.it
Genere: Personale, Arte Contemporanea, Grafica, Multipli

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Montrasio Arte

Biografia

Originario di Niigata (Giappone), Fumitaka Kudo frequenta prima l’Accademia delle Belle Arti di Firenze, per poi proseguire gli studi all’Accedemia di Carrara, dove si diploma nel 2006.

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Sede: Montrasio Arte,  Via Brera 5 – Milano
Date: 1 Luglio – 31 Luglio 2010
Vernissage:1 Luglio, ore 19.00
Autori: Fumitaka Kudo
Curatore: Chiara Gatti, Ruggero Montrasio
Catalogo: In sede
Note: Evento organizzato con il patrocinio del Consolato del Giappone a Milano
Info: Tel. 02 878448; 02 875522 | www.montrasioarte.com | montrasio@montrasioarte.com
Ufficio Stampa: Antea
Genere: Personale, Scultura, Disegno, Arte Contemporanea

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