Per la prima volta il comitato scientifico che seleziona i progetti per call4roBOt assegnerà un premio di 800,00 euro al progetto più meritevole. Il premio è finalizzato alla partecipazione al Live Performers Meeting, che si terrà a Cape Town (ZA) nell’ottobre 2013!

Scarica il bando completo. Deadline 28 Giugno 2013

:: ::

Info e link: www.robotfestival.it

Il 23 aprile 2013, al Palazzo delle Esposizioni di Roma, apre “Empire State”, una mostra che si propone di esplorare i miti e le realtà mutevoli della città di New York intesa come “la nuova Roma”. L’ambiziosa rassegna intergenerazionale che occuperà le sale del Palazzo delle Esposizioni proporrà al pubblico le opere di venticinque artisti newyorkesi, tra emergenti e affermati, ciascuno dei quali sarà presentato in modo approfondito anche grazie alla presenza di lavori inediti, qui esposti per la prima volta. Il percorso espositivo suggerirà i diversi modi in cui è possibile per gli artisti re-immaginare il rapporto tra la loro comunità e la città, focalizzando l’attenzione sulle eterogenee reti di potere che ne condizionano la vita. Tramite la pittura, la scultura, la fotografia, i video e le installazioni, gli artisti di “Empire State” esaminano il ruolo di New York nel contesto globale, in un momento in cui la vita urbana è ovunque oggetto di una ridefinizione sempre più veloce.

LaToya Ruby Fraizer, “Houston & Lafayette New York City (Braddock PA Levi Billboard)”, 2010. Photo, cm 152,4 x 127. All images courtesy of the artist.

Concepita dal curatore britannico Sir Norman Rosenthal e da Alex Gartenfeld, curatore indipendente, scrittore ed editor residente a New York, nominato quest’anno curatore presso il Museum of Contemporary Art (MoCA) di Miami, “Empire State” rimarrà aperta al pubblico fino al 21 luglio 2013. Questo l’elenco degli artisti presenti in mostra: Michele Abeles, Uri Aran, Darren Bader, Antoine Catala, Moyra Davey, Keith Edmier, LaToya Ruby Frazier, Dan Graham, Renée Green, Wade Guyton, Shadi Habib Allah, Jeff Koons, Nate Lowman, Daniel McDonald, Bjarne Melgaard, John Miller, Takeshi Murata, Virginia Overton, Joyce Pensato, Adrian Piper, Rob Pruitt, R. H. Quaytman, Tabor Robak, Julian Schnabel e Ryan Sullivan. Le opere esposte sono per la maggior parte frutto di nuove commissioni, integrate dai lavori più significativi eseguiti in anni recenti.

“Manhattan è un accumulo di possibili disastri che non avvengono mai”, ha scritto il celebre architetto e teorico Rem Koolhaas. Riguardo a New York, la leggenda più diffusa di un possibile disastro è quella della sua eclisse. Eppure, nell’era della globalizzazione, mentre gli esperti ne annunciano regolarmente il declino, la Grande Mela rimane una forza egemone delle arti visive, in costante dialogo e interazione con la più eterogenea concentrazione di artisti, musei, organizzazioni, gallerie e spazi pubblici. Dall’interno di questa struttura sociale e creativa, gli artisti di “Empire State” aprono spazi di potere e portano alla luce alcuni dei canali attraverso i quali la marea di comunicazione, immaginazione e persuasione fluisce all’interno della loro comunità per poi defluire nel mondo esterno.

Il titolo della mostra fa riferimento da un lato all’inno hip-hop creato nel 2009 dal re del rap Jay-Z con la musicista Alicia Keys e dall’altro a Empire, un trattato sul capitalismo globale guidato dagli Stati Uniti, pubblicato nel 2000 da Antonio Negri e Michael Hardt. Inoltre, “Empire State” può per certi versi essere considerata la risposta del XXI secolo al celebre ciclo pittorico “The Course of Empire” di Thomas Cole, un artista americano nato in Inghilterra. Realizzate a New York tra il 1833 e il 1836, le imponenti tele di Cole raffigurano l’ascesa e il declino di una città immaginaria situata, proprio come Manhattan, alla foce di un bacino fluviale. Nel 2013, a Roma, “Empire State” utilizza allegorie simili per illustrare le trasformazioni socio-economiche degli Stati Uniti e le loro ripercussioni sul ruolo, la fiducia in sé e la distribuzione del potere nella nazione. L’Empire State Building, un tempo il grattacielo più alto del mondo, è ancora un’attrazione turistica, ma oggi la sua mole sembra piccola in confronto ai mega edifici costruiti nei centri urbani in rapida espansione in remoti angoli del mondo.

Gli artisti di “Empire State” hanno dimestichezza con la critica istituzionale e gli studi sui media e l’economia, adottano tecniche ibride e interdisciplinari e utilizzano la tecnologia e l’astrazione per offrire nuovi modelli espressivi e interpretativi. I padiglioni a specchio di Dan Graham, ad esempio, gettano un ponte tra arte minimalista e architettura per riflettere e moltiplicare la forma umana. Nei tredici nuovi dipinti della serie “Antiquity”, Jeff Koons utilizza la tecnica con incredibile maestria per manifestare il proprio interesse nei confronti del classicismo e della mitologia greca e romana. Le nuove fotografie di Michele Abeles includono le sue vedute di installazioni, in un costante processo di revisione e adeguamento al contesto della propria autobiografia.

Per una nuova e singolare opera su commissione, Keith Edmier reinventa il monumentale baldacchino barocco della basilica di San Pietro seguendo il linguaggio vernacolare dell’antica Pennsylvania Station, pietra miliare della mitologia newyorkese. Progettata da McKim, Mead & White e realizzata nel 1910, all’apice della rivoluzione industriale americana, la “Penn Station” era uno straordinario capolavoro di architettura neoclassica d’impronta romana che attestava il ruolo di New York quale capitale culturale e commerciale del Nuovo Mondo. Fu ignominiosamente demolita nel 1963, al culmine della smania newyorkese per la “modernità”. Sostituita da una costruzione anonima e scomposta che ha l’effetto di un pugno in un occhio, la Penn Station sopravvive nell’immaginario collettivo come la testimonianza perduta di un impero passato e futuro.

Forse però l’aspetto più importante di “Empire State” sta nel far emergere una genealogia di artisti. Dovendo confrontarsi con un mondo dell’arte che assume sempre più una dimensione imprenditoriale e si espande a livello globale come una novella Bisanzio, gli artisti stanno attivando una serie di reti in perenne movimento: relazioni, collaborazioni e scambi che vanno al di là delle barriere imposte dalla generazione, dal genere, dall’ottica o dalla tecnica individuale. Così, R. H. Quaytman propone una nuova selezione dei suoi ritratti di artisti newyorkesi, espressione visiva dell’atto del lavorare in rete e dell’invisibile disegno tracciato dal potere e dallo scambio. La mostra presenta inoltre – per la prima volta in un contesto internazionale – l’opera di Tabor Robak, la cui arte circola principalmente in rete e solleva domande fondamentali sul nostro modo di definire la comunità internazionale dell’arte e sui suoi privilegi. Gli artisti di New York non sono nuovi alla manipolazione dell’autorialità attraverso i collettivi, e un numero significativo di quelli presenti in “Empire State” sono stati coinvolti in gruppi del genere. Tra questi ultimi, Orchard, Reena Spaulings, 179 Canal e Art Club 2000.

Comunicato stampa

Artista poliedrico ed estroso Remi Kabaka è la voce di Russel Hobbs, il percussionista virtuale della band dei Gorillaz.
Oltre ad essere presente “virtualmente” nella band con la sua voce è anche uno dei musicisti che eseguono dal vivo i brani della nota band inglese capeggiata dal geniale Damon Albarn,  i Gorillaz appunto. Com’è noto la band è costituita da quattro personaggi che vivono sotto forma di animazioni: 2D, Murdoc, Noodle e Russel Hobbs. La musica del gruppo è infatti frutto di una collaborazione tra molti artisti, essendo Damon Albarn l’unico membro permanente.

Russel H Hmachine rid

Sono molti i generi musicali che influenzano la band, si va dall’alternative rock all’hip hop, passando per l’elettronica e il pop. Il Gorillaz Sound System, capeggiato da Kabaka, sabato 20 aprile li riprorrà tutti al Viper Theatre, arricchendo la sua performance con uno scenario che ci porterà a rivivere i live show della band virtuale.

Proveniente dal West London, Remi Kabaka corrisponde ad una tipologia di artista molto moderno. Nella sua biografia si legge che per qualche tempo è stato anche “aiutante” del misterioso street artist Banksy oltre ad essere stato membro della band del leggendario Bobby Womack, noto cantautore e chitarrista americano.
Oltre ad essere il fondatore del progetto Gorillaz Sound System e anche una delle menti dell’Africa Express Collective e talent scout di M.I.A, la celebre cantante britannica di origine tamil autrice del brano “Paper Planes” inserito nella colonna sonora del film The Millionaire, premio oscar anche per la miglior colonna sonora.
E’ direttore artistico e performer sia nel GSS che nell’Africa Express Collective e si occupa della produzione musicale del DRC music,  progetto che vede protagonista lo stesso Damon Albarn e alcuni artisti della Repubblica Democratica del Congo nato per finanziare la Oxfam, confederazione di 14 organizzazioni umanitarie non governative molto attive nei Paesi del terzo mondo.
E’ facile trovare  Remi Kabaka in consolle nelle più disparate location: dalla Tate Modern all’Hell’s Half Acre. Possiede anche una galleria nel quartiere di Soho a Londra ed è il figlio di Remi Kebaka Senior, musicista che ha collaborato con Rolling Stones, Ginger Baker, Steve Winwood, John Martyn, Hugh Masekela, i Rhythm of the Saints di Paul Simon, e i Band on the Run di Paul McCartney.

Il video skit promo del Gorillaz Sound System
http://www.youtube.com/watch?v=BcYtYidMdk4

In concomitanza del vertice si svolgerà la conferenza annuale di FutureEverything, in cui si avvicenderanno una serie di relatori provenienti da tutto il mondo, tra cui spiccano quelli di Google, di Vimeo e della BBC. La Conferenza sarà focalizzata su tre temi principali, ritenuti fondamentali nel plasmare il futuro digitale. Essi sono: Creative Code, Future Cities e The Data Society.

:: ::

Info: http://futureeverything.org

Il 2 marzo Trentemøller, producer danese a cui si deve l’affermazione della minimal a livello mondiale torna a scaldare la pista del Kindergarten, mentre l’8 marzo sarà la volta di Marcell Dettman e Blawan. Il primo è uno dei nomi più caldi del momento in ambito techno, sia come produttore che come remixer. Ne danno ampia testimonianza i dj set nei club e festival più importanti al mondo, i singoli per Ostgut Ton e per la sua etichetta MDR. Il secondo nel 2012 è stato nominato artista dell’anno da Bleep.com ed è attivo su label come Hessle Audio, Warp e R&S. Sperimentatore sempre intento a ridefinire i confini dei generi tradizionali dell’elettronica grazie ad incredibile mix di house, techno e dubstep, Blawan s’è presto fatto un nome anche come dj, grazie alla sue esibizioni nei principali festival europei.

Il 22 marzo sarà invece la volta dei Noisia, veri e propri maestri nell’arte di ridurre in poltiglia il ritmo, centrifugare il suono e proporre a tutti uno straordinario mix di drum’n’bass, breakcore ed hip hop.

Chiude il calendario Joseph Capriati, astro nascente della techno del terzo millennio attivo sulle etichette Drumcode e CLR nonché protagonista di un memorabile extended set (10 maggio – Kindergarten).

Con questo ultimo nome si conclude il primo aggiornamento del calendario 2013 di Decibel Eventi, ma attenzione… nelle prossime settimane potrebbero esserci interessanti novità. Per info e aggiornamenti in tempo reale consultare il sito www.decibeleventi.com o la pagina facebook www.facebook.com/decibel.eventi

Le location

Kindergarten – (Bologna) – www.derkindergarten.it
Viper Theatre – (Firenze) – www.viperclub.eu
La Scuderia – (Bologna) – www.lascuderia.bo.it

Il calendario
19 Gennaio – VITALIC – Viper Theatre (Firenze) ticket 15 / 18 €
2 Febbraio – ADAM BEYER extended set – Kindergarten (Bologna) ticket 12 / 18 / 22 €
8 Febbraio – APHRODITE – Kindergarten (Bologna) ticket 10 / 13 €
15 Febbraio – DARKSTAR – La Scuderia (Bologna) ticket n.p.
2 Marzo – TRENTEMØLLER – Kindergarten (Bologna) ticket n.p.
8 Marzo – MARCELL DETTMAN + BLAWAN – Kindergarten (Bologna) ticket 12 / 18 / 22 €
22 Marzo – NOISIA – Kindergarten (Bologna) ticket n.p.
10 maggio – JOSEPH CAPRIATI extended set – Kindergarten (Bologna) ticket n.p.

Decibel Eventi

Press Office & Communication
Lorenzo Migno | lorenzomigno@gmail.com
+39 339 47 36 584

Elvira d’Angelo

:: ::

Comunicato stampa

Flyer dell'evento

Exhibition: 15 – 17 November
Private View: 14 November 6.00 – 9.00 PM

Curated by Livia Dubon and Seihee Shon

HANMI GALLERY is pleased to announce its 13th interim exhibition, ‘Three Gates.’ Mythical gateways into other worlds have appeared throughout human history, from the culture of the ancient Egyptians through to contemporary comics and science fiction movies. Via these portals, humans can enter the realms of the dead, of deities and of grotesque or magical beings; they can also attain profound mystical experiences and altered states of consciousness. Inspired by famous gates in mythology, the exhibition ‘Three Gates’ explores the physical and psychological ‘spaces’, which we inhabit and explore in contemporary society.

Artists: Andrew Campbell, Alessandra Ferrini, Juyoung Lee, Nastja Rönkkö, Hanae Utamura, Eva Lis

Event:
14 November, 6.00-8.00 PM – Opening Performance ‘Touch’ by Nastja Rönkkö

16 November, 5.00-7.00 PM – Performance ‘Touch’ by Nastja Rönkkö / 6.30 PM – Hypnotherapy Talk ‘The Wizard of Us’ (Speaker: Deborah Marshall-Warren, Deputy Chair of the National Hypnotherapy Society) Deborah Marshall-Warren reveals the truth about hypnosis and therapy, and talks about The Wizard of Us – inspired by the movie “The Wizard of Oz”. Deborah takes us through a whirlwind journey of symbolism that takes us down various paths in our quest to find our heart’s desire.

17 November, 2.00 PM – Artist Talk ‘Beyond the Pillars of Hercules’ (Speaker: Eva Lis, Artist) / 3.00-5.00 PM – Performance ‘Touch’ by Nastja Rönkkö

Admission Free
Opening Hours: 12.00 – 6.00 PM
Tube: Warren Street, Goodge Street

Villa Contarini Giovanelli Venier, sede dell'eveto.

In occasione dell’evento, con la collaborazione della fondazione Pozzati e la cura dell’editore Maretti, verrà realizzato un catalogo a colori con riproduzione di tutte le opere in esposizione e testi di Mario, Concetto e Maura Pozzati, Silvia Evangelisti e Claudio Spadoni.
Il catalogo, oltre che nella sede della mostra sarà reperibile nelle librerie.

MARIO POZZATI

Mario Pozzati (1888-1947) si diploma nel 1908 all’Accademia di Belle Arti di Bologna a soli vent’anni, ed ottiene i primi successi artistici come bozzettista e cartellonista pubblicitario, vincendo anche importanti concorsi; del 1914 è la serie di manifesti per Ettore Petrolini.
Già in questi anni giovanili frequenta gli ambienti culturali più vivaci, legge “Lacerba” e “L’Italia Futurista”, “La Brigata”, “La Raccolta” e “Valori Plastici”; collabora con i periodici (“Il gatto nero” e “Avanscoperta”), stringe amicizia con scrittori e artisti quali Campana, Raimondi, Binazzi, Savinio, De Chirico, De Pisis, Carrà, Morandi, Sironi, Guidi, Corsi, Arturo Martini.

A questi anni datano i suoi primi dipinti e disegni; negli anni venti si dedica prevalentemente e con grande successo alla grafica pubblicitaria trascorrendo tre anni in Argentina tramite un accordo di lavoro con l’agenzia “Pum en el ojo”.

Torna in Italia nel 1931 e poco dopo deciso a dedicarsi totalmente alla pittura, si ritira sui Colli Euganei dove lavora in voluto isolamento, partecipando raramente ad esposizioni pubbliche, tranne che alle quadriennali e a qualche mostra con il gruppo “Cronache”.
Tra le più importanti antologiche e retrospettive vanno ricordate, oltre alla Biennale veneziana del ’48, la grande mostra di Bologna organizzata a Palazzo Re Enzo nel 1945, la postuma a Palazzo Montanari nel ‘48 organizzata dalla Francesco Francia, e l’antologica al Museo Civico di Bologna nel 1987.

Altre mostre:
• personale alla Galleria La scaletta di Bologna nel 1958;
• “Pittura bolognese del 900” Museo di Belgrado 1968;
• “Maestri Italiani” Galleria Il cancello, Bologna 1961,
• “Pittura bolognese del ‘900”, Museo di Belgrado 1968,
• “La metafisica: Gli anni venti”, Galleria d’Arte Moderna, Bologna 1980,
• “La critica dell’arte, Mario e Concetto Pozzati”, Galleria d’Arte Moderna , Ancona 1981,
• “I Pozzati: Mario, Sepo, Concetto” Galleria 56 , Bologna 1983 e a Palazzo Bellini, Comacchio 1990,
• personale al Museo Morandi, Bologna 2006.

Il museo Boldini di Ferrara gli dedica una sala permanente adiacente a quella di Melli e De Pisis. La sua pittura di solidi volumi e di vigoroso impianto architettonico, percorsa da una vena espressionista che deforma la materia; materia che a volte prende il soppravvento sulla forma stessa con esiti che sembrano preannunciare la poetica informale.

Cosi definisce la sua pittura Carlo Carrà, nella presentazione della sala personale dedicata a Pozzati alla biennale del 1948 e curata da Roberto Longhi, Giorgio Morandi e Carrà stesso: “Non vi è in lui l’espressione tendenziosa di una teoria artistica, ma una appassionata ricerca personale il cui obbiettivo può dirsi la spiritualizzazione del reale. L’accentuazione plastica prende rilievo nel gioco delle linee e delle masse […] Costante è il riferimento a una sintesi espressiva dei dati concomitanti di colore e di forma, i due elementi che sono il presupposto di ogni valida creazione figurativa”.

CONCETTO POZZATI

Concetto Pozzati è nato il 1 Dicembre 1935 a Vo’ Vecchio e risiede a Bologna.
Studia architettura e pubblicità.
Dal 1956 al 1967 insegna grafica pubblicitaria.
Dal 1967 al 1973 insegna all’Accademia di Belle Arti di Urbino, della quale è stato anche direttore, successivamente a Venezia, Firenze e a Bologna.
Assessore alla Cultura del Comune di Bologna dal 1993 al 1996.
Nel 1998 è stato direttore artistico della “Casa del Mantegna” di Mantova.
Nel 2005 riceve il sigillo d’Ateneo dell’Università di Bologna.

Pozzati è stato da sempre un investigatore del linguaggio della pittura, una pittura energetica, sedimentata e acuta, come ha dimostrato nei diversi e molteplici cicli della sua lunga vicenda creativa: una storia pittorica tra le più significative di questo ultimo cinquantennio. Protagonista nei secondi anni cinquanta della “nouvelle figuration” Pozzati diviene poi uno dei maggiori rappresentanti della “pop art” italiana.
Dagli anni sessanta in poi il suo linguaggio, fatto di continue commistioni, contaminazioni, di incroci culturali, di memorie, diviene sempre più individuale e riconoscibile attraverso la pittura “assolutamente irrinunciabile” anche nel periodo della sperimentazione e nella elaborazione dei materiali più disparati.

Dal 1955 ha partecipato alle principali manifestazioni nazionali ed internazionali
Quadriennali di Roma (1959, 1965, 1973, 1974, 1986)
Biennali di Venezia (1964, 1972, 1982, 2007, 2009)
Biennali di S. Paolo del Brasile nel (1963, 1994)
Biennale di Tokio (1963)
Biennale di Parigi (1969)
a Dokumenta di Kassel (1964)

alle rassegne Italiane di Mosca, Belgrado, Bucarest, Copenhagen, Rotterdam, Ginevra, Città del Messico, Marsiglia, Vienna, Barcellona, Bremen, Johannesburg, Chicago, Parigi, Londra, Atene, Zurigo, Bradford, Kyoto, Tolosa, Francoforte, Berlino, Sarajevo.

Tiene personali a Bologna, Milano, Torino, Verona, Genova, Napoli, Firenze, Venezia, Trieste, Dusseldorf, Belgrado, Zagabria, Graz, Lubiana, New York, Friburgo, Johannesburg, Bremen, Parigi, Basilea, Bruxelles, Amsterdam, Tokio, Francoforte, Ulm, Bonn, Copenhagen, S. Paolo del Brasile, Valencia, Barcellona, Montecarlo, Madrid, Mosca

antologica 1968 Palazzo della Pilotta a Parma
antologica 1974 Palazzo Grassi a Venezia
antologica 1976 Palazzo delle Esposizioni a Roma
antologica 1976 Padiglione d’Arte Contemporanea a Ferrara
antologica 1986 Museo Forti a Verona
personale 1987 Museo S. Paolo del Brasile
antologica 1991 Musei di Bologna e Modena
antologica 1993 International Centre of Graphic arts a Lubiana
personale 1993 Cankarjev Dom a Lubiana
Ventè Museum a Tokio
antologica 1996 Rocca Malatestiana a Fano
Palazzo Lazzarini a Pesaro
antologica 1997 Palazzo Massari a Ferrara
Pinacoteca dei Concordi a Rovigo
antologica 1999 Galleria Civica d’Arte Moderna a Termoli
Centro S. Apollonia a Venezia
antologica 2005 CSAC Università Palazzo della Pilotta a Parma
Museo Frisacco ad Udine

2005 “Torture” Castello di Arceto in collaborazione con Palazzo Magnani a Reggio Emilia
2006 “Biblioteca di segni : Travestimenti” Galleria d’Arte Moderna a Faenza
“De posizioni” Museo Magazzini del Sale Cervia
2007 “De posizioni” Museo Morandi a Bologna
2008 “Ciao Roberta” Chiesa di S. Stae a Venezia
“A casa mia” Sala dei Battuti a Conegliano
“Ciao Roberta” Museo Civico Archeologico a Bologna
2010 “Tempo sospeso” Museo d’ Arte a Ravenna
2012 “Cornice cieca” Museo CAMEC a La Spezia

:: ::

Info & Link:
Sede: Villa Contarini Giovanelli Venier – Vo’Vecchio (PD)
Date: Dal 9.9.2012 al 21.10.2012
Orari: Dal Martedì al Venerdì dalle ore 10.00 alle ore 13.00 e dalle ore 16.00 alle ore 19.00. Sabato e Domenica dalle ore 9.00 alle ore 13.00 e dalle ore 15.00 alle ore 19.00. Lunedì chiuso.

:: ::

]]> http://www.artkernel.com/?feed=rss2&p=6629 0 http://www.artkernel.com/?p=6565 http://www.artkernel.com/?p=6565#comments Fri, 15 Jun 2012 17:45:41 +0000 Redazione http://www.artkernel.com/?p=6565 The exhibition “Inter-Facing the Archive” is Monika Fleischmann’s and Wolfgang Strauss’s artistic and scientific contribution to the Digital Archive. Using the example of the media-art platform netzspannung.org, “Knowledge Discovery Tools” are presented which develop the Digital Media Art Archive by way of semantic knowledge maps and audio-visual data-streams.

Inter-Facing the Archive. The Media Art Portal | netzspannung.org. Monika Fleischmann, Wolfgang Strauss, “Digital Sparks Matrix”, 2007. Vista dell’installazione presso lo ZKM Medialounge, Karlsruhe. installation view. © Monika Fleischmann, Wolfgang Strauss. Photo: Marcus Meyer

“Netzspannung.org and its groundbreaking interfaces create cognitive and data structures. What has been created here is a model for an international educational infrastructure that deserves imitation.” (Peter Weibel)

In most cases, that which has been concealed in digital archives is represented in lists and other index-card-like digital archives. As much as this form may be expedient for scientists, it has far less inspiring effects through the Internet, and on exhibition visitors.

Netzspannung.org has been online since 2001, and offers multiple accesses to valuable sources of knowledge. One interface here comprises the rubric “Tele-Lectures” by scientists and artists. Up to 150.000 international visitors access over 200 hours of Tele-Lectures and experimental study and teaching modules per month. Over 2.500 descriptions of works, texts, pictures and videos drawn from art design, music and computer science are available in the area “Archives”, and the e-Teaching platform. With current affairs, the rubric “Media Art Research” shows, among others, the extent to which artistic work is a research activity.

At the same time, Monika Fleischmann and Wolfgang Strauss develop not only new processes of data acquisition, but also scenographically orchestrate the archive for the exhibition space. Thus, the “Media-stream Browser” transforms the passive archive into an interactive flow of information containing pictures and texts. The “Semantic Map” facilitates a visual navigation, and, with the aid of the semantic map, makes possible an individual discovery of interrelations and connections.

In his publication “100 Products of the Future”, physicist and Nobel Laureate Theodor W. Hänsch counts the “Semantic Map” among the pioneering ideas destined to transform our lives.

Info & link:

Info & link:
June 23–September 16, 2012
ZKM Medialounge, Karlsruhe
Admission free
netzspannung.org | medienfluss.netzspannung.org

Netzspannung.org was developed under the supervision of Monika Fleischmann and Wolfgang Strauss at MARS Exploratory Media Lab at the Fraunhofer IAIS, and was funded by BMBF.

Il termine “postmoderno” inizia a divenire un termine chiave nel dibattito artistico a partire dagli anni settanta nel momento in cui nell’arte e nella fotografia si fanno propri i concetti di “simulacro” proprio di Jean Boudrillard, e di “decostruzione” teorizzato da Jacques Derrida: si dà via libera alla citazione, dell’assemblaggio, dell’ipertesto, al nomadismo stilistico, alle nuove tecnologie e al virtuale. «[...] occorre precisare un’altra importante questione, di cui chiunque esamini l’arte dei nostri giorni dovrebbe tener conto: oggi, a differenza di quanto accadeva ancora una cinquantina d’anni fa, la pittura e la scultura d’avanguardia non sono più derelitte, ignorate, osteggiate. Anche se continua ad essere cibo artistico di una scarsa élite, anche se continua a non interessare il grosso pubblico (salvo che in pochissimi casi isolati divenuti ormai di dominio dei rotocalchi, come Picasso o Dalì), anche se è tuttora accusata di incomprensibilità, di ermetismo, di mala fede d parte di qualche critivco retrogrado, quat’arte, dico, possiede un vasto, vastissimo mercato; è innestata sopra un ampio e spesso potente giro di interessi, di contratti, di commerci [...]»[i] Sembra il prodromo di ciò che nel 1979 sancisce nell’arte fotografica l’epoca del postmoderno: la mostra Fabricated to be Photographed curata da Van Deren Coke al MoMA di San Francisco; oggi al Victoria&Albert Museum di Londra con la mostra Signs of a Struggle: Photography in the Wake of Postmodernism si cerca di delineare i punti cardine di un “movimento” che in fotografia abbraccia almeno tre decadi e fornisce un ricco terreno di indagine sulla natura stessa della rappresentazione. Tra i primi teorici del postmoderno troviamo Ihab Hassan «Dioniso e Cupido sono entrambi agenti di cambiamento [...] Qualcuno potrà dire che il cambiamento è violenza, e la violenza è continua sia sotto forma di Horror che di High Camp»[ii]. Questo concetto sembra facilmente applicabile all’opera fotografica degli ultimi 30 anni: si hanno fotografie che si riferiscono a loro stesse, ad altri media e testi, al concetto stesso di “rimediazione”, che perdono fluidità, dal punto di vista formale e concettuale. Succede in tutto l’ambiente artistico, non solo nella fotografia, assistiamo a ibridazioni di generi e a combinazioni che non sconfinano e non delineano più generi precisi, come quando nel 1961 Gillo Dorfles riconobbe nella società quattro generi artistici essenziali: «un genere d’arte svincolato da ogni impegno sociale, discendente dalle teorie dell’art pour l’art e incarnatosi nelle diverse forme dell’astrattismo geometrico, del cinetismo, dell’arte programmata e in genere nelle correnti antifigurative neo-concrete. Un genere d’arte intesa come “rispecchiamento” d’una realtà esistenziale, memore delle teorie marxiane, che ha dato vita ai diversi episodi di arte “impegnata” dal neorealismo ai diversi realismi sociali e che, dal punto di vista artistico, ha avuto scarsissima rilevanza [...] La pop art che segnavano una ripresa d’interesse per gli aspetti socio-politici della civiltà attraverso una ironizzazione demistificante della Società dei Consumi [...] Numerose correnti concettuali che rifiutano il consumismo [...]»[iii].

Jeff Wall, After "Invisible Man" by Ralph Ellison, 1999. Courtesy V&A Museum

Il fulcro di questa estetica fotografica appare il citazionismo che, erede dell’arte concettuale degli anni settanta, si ripropone come esaurimento delle spinte utopiche delle avanguardie storiche, verso una trasformazione della creatività in forme già prodotte, dove il ready made duchampiano si trasforma in metalinguaggio. Prime fra tutti furono Barbara Kruger con le sue immagini-installazioni tratte da giornali di vari periodi intrise di slogan politici-filosofici, e Sherry Levine con il suo ready made culturale sulla rifotografatura di alcuni lavori di Walker Evans. Da ciò ne deriva parallelamente il “ri- appropriazionismo” come messa in discussione di immagini storicizzate e rielaborate concettualmente da fotografi come Richard Prince che nel suo progetto Cowboy (1989) ri-fotografa icone di pubblicità di sigarette statunitensi. Il Postmodernismo si rivolge a forme giocose perchè «se c’è una nozione cardine del postmoderno, questa sembra essere allora quella di Gioco, con tutti i nessi che essa ha con il desiderio, l’operazione priva di utilità estrinseca ma fine a se stessa»[iv] così le immagini di David Shrigley  esprimono «una dimensione ironica, che gioca su un doppio registro, e che esclude qualsiasi armonia e composizione»[v].

Gregory Crewdson, "Untitled", 2006. Courtesy Gregory Crewdson

L’arteficio della costruzione scenica in Gregory Crewdson si amplifica fino alla lavorazione maniacalmente iperdefinita dei light-box di Jeff Wall e dei lavori recenti di Anne Hardy in cui gli spazi si riempiono oniricamente di oggetti di uso quotidiano.Strettamente correlati all’arteficio, alla costruzione, nel 1995 il duo venuezelno/statunitense Aziz+Cucher mette in mostra dei nudi su fondo monocromo ma con ogni orifizio del volto occluso con una membrana di pelle creata con Photoshop. Di fatto i media danno un alto contributo data la grande estensione tecnologica: ne sono coscienti i lungometraggi estranianti di Matthew Barney e Vanessa Beecroff fino al giovane scozzese Calum Colvin per il quale la manipolazione del computer è stata una caratteristica fondamentale per lo sviluppo della propria narrazione creativa simbolica.

Sono ben chiari i lati oscuri dell’animo umano, l’esplorazione dei temi del vuoto, del nulla e del silenzio, nelle installazioni sulla memoria collettiva del progetto di Nancy Burson Focus on Peace in cui ha distribuito 30.000 cartoline e 7.000 poster intorno al World Trade Center in coincidenza con il primo anniversario dell’11 settembre. D’altro canto l’indagine sull’identità personale si accentua sempre di più con Anne Noggle che si autoanalizza modificando attraverso la chirurgia estetica il proprio corpo e nelle immagini di Clara Strand che studia, sviluppa e risolve all’interno di una sensibilità molto particolare e personale la memoria della propria infanza.

Anne Hardy, "Building", 2005. Courtesy V&A Museum

Dietro a tutta questa concettualizzazione si sono riaffermati nuovi rituali di feticizzazione e Kitsch, manierismi che non tendono a naufragare; la narrazione coerente e globale si polverizza assumendo l’aspetto di una stratificazione di significati frammentati in cui la perdita è quella del significato narrativo dalla stessa opera d’arte, e in questo caso della fotografia, che genera una pluralità di racconti possibili dove viene meno la misura del tempo.

Nell’affollata galleria narrativa Cindy Sherman sintetizza e incarna il fotografo postmoderno. Utilizza la citazione, l’artefatto degli allestimenti, gioca con ironia  soprattutto sull’identità come nel ciclo A Play of Selves (1975). Antiforma, anarchia, silenzio, antitesi, dispersione, antinarrazione, schizofrenia, indeterminazione questa è l’affollata galleria del Postmoderno. Ma il tutto è ancora un’opera aperta.

[i] Gillo Dorfles, Ultime tendenze nell’arte d’oggi, Feltrinelli, Milano, 1985, p. 12.

[ii] Ihab Hassan, The Dismemberment of Orpheus. Toward a Postmodern Literature, University of Milwaukee Press, Madison 1971; Trad. it. parziale: Carravetta e Spedicato (a c. di), L’evanescenza della forma, Bompiani, Milano 1984, p. 39.

[iii] Gillo Dorfles, Ultime tendenze nell’arte d’oggi, Feltrinelli, Milano, 1985, pp. 175-176.

[iv] Ihab Hassan, La questione del postmoderno, in Carravetta e Spredicato (a c. di), Postmoderno e letteratura. Percorsi e visioni della critica in America, Bompiani, Milano 1984, p. 99.

[v] Remo Cesarini, Raccontare il postmoderno, Bollati Boringhieri, Torino 1997, p.125.

Cecelia Webber, "Cherry Blossom", 2009. Stampa digitale su carta lucida, 91,4 cm x 76,2 cm

Le illusioni della Webber non hanno però nulla a che vedere con i conigli nascosti nei cilindri, o con altri trucchi bizzarri. Le sue sono illusioni di tipo digitale. Sfruttando le più raffinate tecniche della manipolazione fotografica, la Webber, come un moderno Harry Houdini, gioca sui confini della realtà e dell’illusione, catapultandoci nell’eterno scontro tra mimesis e riproduzione del reale.

Un occhio disattento identificherebbe nella collezione di fiori e di farfalle, che l’artista ci offre di esplorare, un espediente di facile intrattenimento. Per sedare invece l’appagamento estetico di un occhio curioso e impavido, l’artista non permette altra scelta, che non sia quella di seguirla nel profondo dei propri congegni digitali.

Le opere della Webber chiedono un coinvolgimento estetico totale, e una volta garantito questo patto, riservano la rivelazione della trasgressione per eccellenza: la violazione della distinzione tra naturale e artificiale. La partecipazione a questo tipo di rivelazione, richiede di fare un passo avanti, di avvicinarsi fisicamente all’immagine, dimenticando la figura generale, per entrare nel particolare e scoprire nuove forme organiche, scrigni di una ginnastica da camera tanto meravigliosa, quanto mostruosa.

Cecelia Webber, "White Dandelion", 2009. Stampa digitale su carta lucida, 91,4 cm x 76,2 cm

Le rappresentazioni della Webber sono innesti digitali tra elemento umano e vegetale. Sono miscele inestricabili che inquietano e stordiscono, capaci di suscitare un effetto perturbante, tipico dell’incontro con gli ibridi alieni.

Il turbinio della storia dell’arte, non pare averci vaccinati a questi artifici inaspettati, così, che si tratti delle combinazioni metonimiche di Arcimboldo o delle provocazioni surrealiste di Dalì, il confronto con microcosmi dagli equilibri percettivi incerti, continua a lasciarci straniati.

I fiori e le farfalle della Webber, contenuti per eccellenza della tradizione della natura morta, a loro volta si fanno contenitori di piccole azioni umane minime, una sorta di yoga pudico, uno stretching domestico che diventa pattern, decoro formale ripetuto all’infinito. La figura umana è strumento al servizio del soggetto complessivo, animale o vegetale.

Cecelia Webber, "Monarch", 2011. Stampa digitale su carta lucida, 91,4 cm x 76,2 cm

Sul crinale della scienza e dell’illusione, l’artista affida all’eternità immaginaria della natura morta, genere che fin dalla classicità tematizza la dialettica tra verità e inganno, tra essenza e apparenza, una personale condensazione delle specie viventi, un’originale creazione di una nuova tassonomia biologica. Il dispositivo estetico che rende possibile tale inganno è l’utilizzo dello sfondo nero, schermo impermeabile al principio di realtà, è il sipario contro il quale viene allestita questa messinscena fantasmagorica.

Attraverso il puro linguaggio dell’invenzione, l’artista dirige il nostro disagio e il nostro godimento, disciplinandoli alle leggi della finzione.

Le composizioni fotografiche della Webber, sono esseri transgenici che, tra il mondo della fotografia e quello della pittura, non disdegnano di invadere anche il terreno del teatro.

In un gioco di continui rimandi alla storia dell’arte, il vero oggetto dell’arte della Webber, è la techne, ossia, la manipolazione grafica digitale.

(c) Tansella Carole

INFO:

Il mondo di Cecelia Webber. Meraviglie dell’arte digitale

15 marzo – 30 giugno 2012

Museo Civico di Storia Naturale di Verona

La Raccolta della fotografia sarà ospitata in Sala grande; qui verrà presentata una scelta di ritratti di grandi artisti – Alighiero Boetti, Salvador Dalì, Max Ernst, Franco Fontana, Jannis Kounellis, Piero Manzoni, Pino Pascali, Pablo Picasso, Robert Rauschenberg, Andy Warhol e altri, scattati da maestri della fotografia italiani e stranieri, quali Claudio Abate, Lucien Clergue, Giorgio Colombo, Robert Doisneau, Carlo Fei, Gianfranco Gorgoni, Annie Leibovitz, Silvia Lelli, Uliano Lucas, Roberto Masotti, Arnold Newman, Paolo Pellion di Persano, Roger Pic, August Sander, Alberto Schommer, Paolo Terzi.

Il percorso espositivo proporrà alcune opere che documentano importanti eventi artistici di cui furono protagonisti autori italiani, nel corso degli anni Sessanta e Settanta. Fra queste, la fotografia che Claudio Abate realizzò dell’installazione di Jannis Kounellis, “Cavalli”, presentata nel 1969 alla Galleria L’Attico di Roma; oppure quella di Giorgio Colombo del “Vascello Fantasma” con cui Mario Merz ha partecipato alla Biennale di Venezia del 1972.

Roy Heirman, “Portret van Joseph Beyus”, 1954. Fotografia

Altri ritratti – come quelli di Peter Phillips, Peter Blake e Allen Jones – conservano un legame diretto con la storia della Galleria civica di Modena, in quanto realizzati durante le fasi di allestimento delle mostre.

Tra le opere selezionate vi sono anche scatti, ormai entrati nell’immaginario collettivo, ma la cui appartenenza alla raccolta della Galleria è ancora poco nota. Tra questi, il celebre ritratto di “Yoko Ono e John Lennon” di Annie Leibovitz, realizzato nel 1980 a poche ore dall’assassinio dell’ex Beatle.

O quello del pittore tedesco Anton Räderscheidt di August Sander (1927), entrato a pieno diritto nella storia della Fotografia.

La sequenza delle immagini sarà intervallata da due documenti filmati di grande interesse: il cortometraggio su Pablo Picasso (1954) di Luciano Emmer e Pop goes the Easel, precoce resoconto sulla Pop Art inglese girato da Ken Russell nel 1962.

La rassegna continua nelle sale superiori con lavori su carta della prima metà del Novecento. È questo il primo di una serie di appuntamenti che proporrà, attraverso un excursus storico e cronologico, le opere della raccolta. S’incontreranno alcuni dei grandi protagonisti della scena artistica italiana, quali Filippo De Pisis, Ferruccio Ferrazzi, Renato Guttuso, Mario Mafai, Alberto Martini, Arturo Martini, Ubaldo Oppi, Fausto Pirandello, Enrico Prampolini, Antonietta Raphael, Ottone Rosai, Mario Sironi e Alberto Ziveri.

L’iniziativa è aperta, a ingresso gratuito, dal mercoledì al venerdì dalle 10.30 alle 13.00 e dalle 16.00 alle 19.30. Il sabato, la domenica e i festivi con orario continuato dalle 10.30 alle 19.30. Lunedì e martedì chiuso.

La Galleria civica e il suo patrimonio

La Galleria civica di Modena dal 1959 è uno dei centri di produzione culturale più autorevoli nel panorama nazionale. Organizza mostre temporanee d’arte contemporanea e di fotografia, oltre a cicli di conferenze, dibattiti, giornate di studio, occasioni di incontro e confronto intorno a temi e protagonisti dell’arte del nostro secolo.

In circa vent’anni di attenta e mirata attività ha dato vita a due importanti e oggi ricchissime collezioni: la Raccolta del disegno, che conta quasi 5 mila opere su carta di alcuni tra i maggiori rappresentanti dell’arte italiana del Novecento, cui si è aggiunto, in comodato gratuito, il nucleo della Collezione Don Casimiro Bettelli, ricco di oltre un migliaio di opere, disegni e grafiche di autori di fama internazionale della seconda metà del XX secolo, e la Raccolta della fotografia, ricca di oltre 3000 immagini dei fotografi più accreditati nel panorama internazionale.

:: ::

Info e Link:

Sede Galleria civica di Modena, Palazzo Santa Margherita, corso Canalgrande 103

Periodo 17 marzo-10 giugno 2012

Inaugurazione 17 marzo ore 18.00

Organizzazione e Produzione

Galleria Civica di Modena e Fondazione Cassa di Risparmio di Modena

Orari

mercoledì – venerdì 10.30-13.00; 16.00-19.30

sabato domenica e festivi 10.30-19.30

lunedì e martedì chiuso

Ingresso gratuito

Preview per la stampa giovedì 15 marzo 2012 ore 11.30

Ufficio Stampa  Clp, Milano, tel. +39 02 433403, press@clponline.it

immagini e comunicati scaricabili  www.clponline.it

Ufficio Stampa Galleria civica di Modena, Cristiana Minelli

tel. +39 059 2032883, galcivmo@comune.modena.it

immagini e comunicati scaricabili nell’area giornalisti del sito della galleria

Informazioni Galleria civica di Modena, corso Canalgrande 103, 41121 Modena

tel. +39 059 2032911/2032940 – fax +39 059 2032932

www.galleriacivicadimodena.it

Museo Associato AMACI

Anna Paola Pizzocaro, "Preghiere non risposte", 2010-2011. Fotografia.

Anna Paola Pizzocaro racconta, con le sue incredibili immagini, una “storia” che è un onirico viaggio tra realtà e fantasia. Un’esile figura umana si risveglia e, attraverso uno specchio, vede inondarsi violentemente la sua abitazione, come in una sorta di Diluvio Universale, che si riversa sulla Terra come manifestazione dell’ira divina scatenata dalla malvagità umana. In questa dimensione parallela un uomo e una donna si trovano coinvolti in un “viaggio-diluvio” dove leoni marini, fenicotteri, scimmiette, panda, orsi polari e molte altre specie animali si guardano intorno impauriti, immersi in un mondo reale che viene sempre più inondato da uno virtuale. Attraverso un parallelismo con l’arca di Noè, l’abitazione diventa l’arca, metafora del mondo reale, al cui interno è racchiusa la vita del pianeta. Nel sogno riuscirà a salvarsi solo l’uomo, “…unico animale che riesce ad adattarsi e sopravvivere a questo mondo da lui creato”, ci racconta l’artista. La salvezza per la coppia umana è imparare a volare via, in uno dei mondi paralleli per cercare di porre fine alla frustrante ricerca di fede compiuta nel mondo reale attraverso “preghiere non risposte”.

Anna Paola Pizzocaro, "Preghiere non risposte", 2010-2011. Fotografia.

La fotografia diventa arte quando, come nelle opere di Anna Paola Pizzocaro, non solo emerge un particolare modo di vedere e interpretare la realtà ma anche quando vi si ritrovano una sapiente e raffinata costruzione e post-produzione con aggiustamenti manuali, pittorici, di sovrapposizione o di applicazione di tecniche digitali e, infine, quando la società riconosce in quelle immagini uno strumento per analizzare se stessa innescando un’evoluzione del proprio approccio estetico.

L’erudito approccio di Anna Paola Pizzocaro all’uso del linguaggio fotografico consente a ogni spettatore un avvicinamento diversificato e originale con il soggetto dell’opera.

Anna Paola Pizzocaro (Milano, 1974) si diploma nel 1998 all’Ensad (Ecole Nationale Superieure Des Arts Decoratifs) di Parigi e alla Naba Accademia (Nuova Accademia di Belle Arti) a Milano. Si appassiona di grafica ed effetti scenografici creati al computer e collabora alla post-produzione di film quali “La nona porta” di Roman Polanski e “Asterix e Obelix contro Cesare” di Claude Zidi, oltre a vari spot pubblicitari tra i quali BMW, Farenheit di Christian Dior, Clio Extreme, e molti altri presso la prestigiosa società francese Mikros Images. Nel 2003 si laurea alla Sorbona in Cinema e Storia dell’Arte e consegue poi il dottorato con una tesi sugli Effetti Speciali. Segue poi corsi alla Speos Photographic Institute di Parigi, dove consegue l’European Master in Professional Photography annoverando il fotografo Paolo Roversi tra i suoi Professori, ma è a New York che si rende conto quale importanza abbia questo mezzo espressivo per la sua vita e decide di seguire corsi di perfezionamento al Moma e all’ICP (International Center of Photography) sotto la direzione dell’artista e Acting Chair of the General Studies Program dell’ICP Marina Berio. In contemporanea lavora nello studio di David LaChapelle e lo assiste nelle elaborazioni digitali e sugli shooting quando l’artista è a New York. In questo periodo Newyorkese Anna Paola ha acquisito una sempre più raffinata tecnica di linguaggio e un altissimo livello artistico e operativo.

Inaugurazione: 4 febbraio 2012 ore 18:00

Info e link:

Shots Gallery – Piazzetta del Santuario 2 d (Borgo Santa Caterina) – Bergamo

www.shotsgallery.it |  mail:info@shotsgallery.it

Telefono: 347.8141887

Ingresso libero

Cover di "Graphisme en France 2012 <>code<>outils<>design", atelier Pentagon (C) Photo: Y. Chenot, Paris

Ogni numero è un occasione per avanzare una proposta grafica originale, e quest’anno è la volta di Vanessa Goetz, William Allard e Johann Aussage che nel 2010 hanno fondato il laboratorio Pentagono dopo la formazione presso le scuole d’Arte e Design di Amiens e Saint-Etienne. Per questa edizione hanno scritto diversi programmi tra cui quello che ha permesso di produrre una copertura unica e numerata per ogni esemplare.
Graphisme en France risponde a una domanda crescente di informazione e scambio tra professionisti e un pubblico crescente. Graphisme en France è disponibile  online all’indirizzo www.cnap.fr.

La guida è disponibile su richiesta.

Ufficio stampa
Heymann, Renoult associées
Agnès Renoult et Annabelle Floriant
+33 (0)1 44 61 76 76
a.floriant@heymann-renoult.com
www.heymann-renoult.com

Centre national des arts plastiques (CNAP)
Perrine Martin-Benejam
Tour Atlantique, 1 place de la Pyramide 92911 Paris La Défense
+33 (0)1 46 93 99 55
perrine.martin@culture.gouv.fr
www.cnap.fr

:: ::

Il mainframe Unisys System 80/20

L’allestimento attuale, ancora parziale e in corso di ampliamento, presenta diverse rarità, come ad es. il poderoso mainframe Unisys System 80/20, proveniente dal CEA dell’Universita’ di Catania, i DEC, PDP-11/34 e PDP 11/23 Plus, il Data General Eclipse MV-7800xp, l’Honeywell DPS 6, il Bondwell 8, per citarne solo alcuni, macchine restaurate e perfettamente funzionanti che si affiancano nel museo alla vasta raccolta di Commodore, Apple, IBM, Olivetti, Sun Microsystem, etc.

DEC PDP 11/23 (presso la sede del Poetry Hack Lab)

Con la nuova sede giunge a compimento un percorso rivolto al restauro e alla presentazione al pubblico di computer che hanno fatto la storia dell’informatica, un patrimonio fatto di hardware ma anche di documentazione, software, schemi elettrici, libri e media di vario tipo.

Il Museo è attualmente autofinanziato dal Freaknet Medialab; è possibile sostenerne l’attività attraverso donazioni visitando il sito dell’Associazione http://museum.dyne.org.

—

Il gruppo si Facebook https://www.facebook.com/groups/133647186734220

Il laboratorio di elettronica in allestimento presso il Museo

Dopo il MOMA a New York e un tour internazionale, dall’Australia all’Estremo Oriente, la mostra arriva finalmente in Europa e in anteprima a Milano. Un percorso costruito con oltre 500 opere, un viaggio attraverso la creatività e la cultura digitale come linguaggio innovativo applicato all’animazione e al cinema: dal primo lungometraggio dedicato a Luxo Jr.(1986) ai grandi capolavori come Monster & Co (2001), Toy Story (1, 2 e 3), Ratatouille (2007), WALL•E (2008), Up (2009) sino a Cars 2 (2011) e con un’anticipazione di Brave, in uscita nel 2012.

Pixar Studios, tavola illustrata su carta per "Wall E"

In mostra lo spettacolare patrimonio artistico creato per ciascun film, fatto di disegni a matita e pennarello, dipinti in acrilico, guazzo e acquarelli, dipinti digitali, calchi, modelli fatti a mano e pezzi in media digitali, tutti lavori che raramente vengono mostrati al di fuori dello Studio, ma nei quali l’arte tradizionale e il design giocano un ruolo essenziale e danno vita, insieme all’animazione digitale, al prodotto finale.

«Molti non sanno che la maggior parte degli artisti che lavorano in Pixar utilizzano i mezzi propri dell’Arte – il disegno, i colori a tempera, i pastelli e le tecniche di scultura – come quelli dei digital media. La maggior parte delle loro opere» – scrive John Lasseter, chief creative officer di Walt Disney and Pixar Animation Studio e fondatore di Pixar (insieme a Steve Jobs) – «prendono vita durante lo sviluppo di un progetto, mentre stiamo costruendo una storia o semplicemente mentre guardiamo un film. La ricchezza del patrimonio artistico che viene plasmato per ogni film raramente esce dai nostri studi, ma il prodotto finale – il lungometraggio – che raggiunge ogni parte del mondo, non sarebbe possibile senza questa fase artistica e creativa».

Maria Grazia Mattei, curatrice della mostra ed esperta di cultura digitale, racconta con soddisfazione: «Conosco John Lasseter da vent’anni e condivido da allora la sua visone del mondo e della creatività digitale. Sono felice che arrivi in Italia, di persona, ad inaugurare la mostra della “sua” Pixar. E Milano è la realtà più pronta ad accogliere innovazione».

La mostra presenta finalmente al grande pubblico la fase creativa e nascosta dei maestri dell’animazione mondiale in quattro sezioni – Personaggi, Storie, Mondi e Digital Convergence – e due speciali installazioni l’Artscape e lo Zoetrope, che utilizzano la tecnologia digitale per far rivivere le opere esposte nel percorso espositivo, progettato da Fabio Fornasari, e ricreare l’emozione dell’animazione.

La mostra è promossa dal Comune di Milano – Cultura, Expo, Moda, Design e prodotta dal PAC Padiglione d’Arte Contemporanea, 24 ORE Cultura – Gruppo 24 ORE e da Mattei Digital Communication/ Meet The Media Guru.

:: ::

Sede: Padiglione Arte Contemporanea – Via Palestro 14 – Milano
Date: 23 novembre 2011 – 14 Febbraio 2012
Orari: Lunedì 14.30 – 19.30; da Martedì a Domenica 9.30 – 19.30. Giovedì 9.30 – 22.30
Autori: PIXAR Studios
Curatore: Maria Grazia Mattei
Catalogo: Disponibile in sede
Editore: 24 ORE Cultura – Gruppo 24 ORE e Chronicle Books
Biglietti: intero € 7,00; ridotto € 5,50; famiglie, dal secondo bambino € 5; ridotto abbonati ATM € 4,50; ridotto scuole € 4. Il servizio di biglietteria termina un’ora prima della chiusura
Info & prenotazioni: www.mostrapixarmilano.it | www.comune.milano.it/pac | www.ticket.it/pixarmilano  | Tel. 02 54 913
Ufficio Stampa: 24 ORE Cultura – Gruppo 24 ORE: Giulia Zanichelli | giulia.zanichelli@24orecultura.com | Tel. 02 3022 3739 | Cell. 335 1852009 | Elisa Lissoni |ext.elisa.lissoni@24orecultura.com | Tel. 02 3022 3643; Comune di Milano: Elena Maria Conenna | elenamaria.conenna@comune.milano.it | Tel. 02 88453314; MGM Digital Communication Manzoni 22 | Silvia Introzzi | Tel. 335 5780314 | silvia.introzzi@manzoni22.it
Genere: Arte Digitale, Animazione 3D

:: ::

]]> http://www.artkernel.com/?feed=rss2&p=6135 0 http://www.artkernel.com/?p=6097 http://www.artkernel.com/?p=6097#comments Wed, 16 Nov 2011 00:24:45 +0000 Redazione http://www.artkernel.com/?p=6097 Rhizome lancia la propria campagna di raccolta fondi. L’obiettivo, raccogliere $25,000 entro il 14 Gennaio 2012 per il raggiungimento degli scopi che dal 1999, anno della fondazione, caratterizzano l’attività dell’organizzazione. La divulgazione del binomio arte-tecnologia, attaverso il blog rhizome.org e le settimanali Rhizome News, fonti aggiornate e ragionate per la diffusione di eventi, mostre, festival e progetti inerenti la produzione artistica contemporanea incentrata sull’uso dele nuove tecnologie. E attraverso il cuore di Rhizome, la sua ArtBase, l’archivio storico online contenente più di 2500 art work. Dalla software art, alla net art, alla game art. Opere raccolte con lo scopo di preservarne la specificità digitale dalla rapida obsoloscenza dei new media, garantendone l’accessibilità e una fruizione libera e permanente.

"Digital Preservation Practices and the Rhizome ArtBase" di Ben Fino-Radin (2011)

http://rhizome.org

Andrea Polli, "Cloud Car", 2011. Installazione ambientale site specific: autovettura Fiat 500, sensori di movimento, trasformatori elettrici, sistema di nebulizzazione con pompe, filtri e ugelli, macchina per il fumo, illuminazione a faretti, timer relay. Dimensioni ambientali.

Andrea Polli (Chicago, 1968, vive e lavora ad Albuquerque, NM – USA), considerata tra i protagonisti dell’Ecologic Art: diramazione della Bioart, pone al centro della sua ricerca artistica l’elemento naturale e in particolare il rapporto uomo/natura con le sue alterazioni e distorsioni.
La necessità di ristabilire un equilibrio con l’ecosistema vede nell’automobile, protagonista delle installazioni site specific allestite nella corte del centro torinese, il simbolo di un processo diffuso di alienazione di tali principi ecologici.
In altre opere, in collaborazione con Chuck Varga, ad essere protagonisti sono i dati meteorologici, del vento e dei cicloni, i quali monitorati attraverso strumentazioni scientifiche vengono restituiti, negli spazi della serra del PAV, sotto forma di eventi sonori dalle caratteristiche apparentemente casuali e aleatorie traducendo in maniera puntuale i segnali rilevati dalle apparecchiature tecnologiche.

Elvira D’Angelo

:: ::

Sede: PAV – Via Giordano Bruno 31 – Torino
Date: 28 Ottobre 2011 – 26 Febbraio 2011
Orari: dal Mercoledì al Venerdì, dalle ore 13.00 alle ore 18.00; Sabato e Domenica dalle ore 12.00 alle ore 19.00
Vernissage: 27 Ottobre, ore 18.30
Autori: Andrea Polli
Curatore: Claudio Cravero, Gaia Bindi
Biglietti: intero 3 €, ridotto 2 €, gratuito Abbonamento Torino Musei / Torino+Piemonte Card
Info: Tel: 011.3182235 | press@parcoartevivente.it | www.parcoartevivente.it
Ufficio Stampa: Elisabetta Palaia | press@parcoartevivente.it
Genere: Personale, Ecologic Art

:: ::

Risveglio. Allegoria di figure e musica di Studio Azzurro, la sera del 3 Novembre in Piazza Scala a Milano per la serata inaugurale delle Gallerie d’Italia,  nuovo museo dedicato all’arte dell’Ottocento. Una suggestiva videoproiezione che abbraccia Palazzo Beltrami, Palazzo Marino e il Teatro alla Scala che incorniciano Piazza Scala, invitando i visitatori ad accedere al museo.

Studio Azzurro, Risveglio. Allegoria di figure e musica, 2011. Videomapping sui palazzi di Piazza Scala a Milano.

Attraverso la tecnica del video mapping, la quale consente di mappare architetture o oggetti reali facendo sì che la tradizionale proiezione video aderisca alle superfici riflettenti animandone i volumi,  Studio Azzurro trasforma le superfici murarie degli storici palazzi in un flusso dinamico di immagini, prolungamento visivo dell’opera pittorica Risveglio (1908 – 1923, dittico) di Giulio Aristide Sartorio esposta in una delle sale inaugurate.
L’opera di Sartorio riletta da Studio Azzurro, con i suoi riferimenti iconografici e concettuali diventa anche un momento di riflessione sull’importanza storica e culturale di un Paese.

Elvira D’Angelo

:: ::

Sede: Gallerie d’Italia – Piazza Scala – Milano
Date: 3 Novembre 2011
Orario: dalle ore 20.30
Note: La videoproiezione si svolge all’interno della serata inaugurale delle Gallerie d’Italia in Piazza Scala a Milano
Info: www.studioazzurro.com |www.gallerieditalia.com