Miguel Soler, dall’allestimento dell’esposizione Basado en hechos reales all’ECAT di Toledo

Si tratta dell’ultimo lavoro del sevigliano Miguel Soler che con questo progetto intitolato, Basado en hechos reales (in italiano: Basato su fatti realmente accaduti), mette in discussione il modus operandi del sistema dei mezzi di comunicazione di massa. Con la stessa tendenza a utilizzare il montaggio di immagini al servizio di una volontà ideologica, spoglia i fatti di cronaca del loro contesto, reinventandone l’intenzione e portandoli, valicando il confine con l’ambito cinematografico, a un livello di spettacolarizzazione, se possibile, ancora maggiore.

Realtà che diventa finzione e finzione che si conferma come realtà non appena passa all’altro lato dello schermo. Soler si appropria, con questo lavoro, del potere dei mass-media, capace di plasmare opinioni e punti di vista rispetto a una realtà che, d’altra parte, gli stessi media si preoccupano di conformare previamente, sostenuti dal gioco dell’intrattenimento, (tanto necessario in un modello di esistenza sempre più vacuo, promosso dai canoni e desideri propugnati dalla stessa industria mediatica).

Attualmente il progetto di Soler è esposto all’ECAT di Toledo e sarà visibile fino al 29 di gennaio in uno spazio che riproduce una sala di cinema, con tanto di poltroncine e macchina distributrice di pop-corn. Sul grande schermo, attraverso una sovrapposizione di immagini, voci e colonne sonore spesso discordanti, spaziando dal tono tipico del documentario di divulgazione scientifica al cinema neorealista, i video affrontano temi come il terrorismo, la globalizzazione, l’alienazione sociale della Corea del Nord e il dramma dell’AIDS in chiave thriller.

From 9 November to 18 December 2011, the Fondazione Nicola Trussardi is presenting Parasimpatico, curated by Massimiliano Gioni, the first major solo exhibition by Pipilotti Rist in Italy.

The setting for the Swiss artist’s new project is the former Cinema Manzoni, which for over fifty years was one of the most important movie theaters in Milan, and has been closed to the public since 2006.

Pipilotti Rist is one of the most highly respected, unconventional voices in art today: she has had solo shows in the world’s best-known museums—including MoMA in New York and Centre Pompidou in Paris—and has participated in major international events such as the Venice Biennale and the biennials of Berlin, Sydney and Lyon. In 2009 she presented her first feature-length film, Pepperminta, at the Venice Film Festival.

Floating visions, vibrant, psychedelic colors, hypnotic soundtracks, sensuality and ethereality are some of the main ingredients in the world of Pipilotti Rist, which lies at the border between dreams and reality. Her luxuriant videos and multimedia installations explore human sexuality and media culture with a playful, provocative blend of fantasy and everyday life, with images in movement transforming familiar subjects, themes and places into fascinating kaleidoscopes.

For Pipilotti Rist, video images are a projection of desires and emotions, a new form of organic life that viewers can perceive not just with their eyes but with their bodies. Often hidden in unexpected places—toilets, liquor bottles, seashells and handbags—or projected onto evocative surfaces—church ceilings or giant television screens—her installations are explorations of the senses, all-enveloping experiences in which all physical and psychological distance from the viewer is abolished. In Rist’s visual journeys, viewers often find themselves in spaces with topsy-turvy proportions, reduced to Lilliputian scale before giant images that heighten the sensation of childhood memories of a pure world, where corporeality seems reconciled with rationality and where sensuality takes on an almost spiritual dimension, sometimes tinged with irony and melancholy.

The gateway into Pipilotti Rist’s work is our emotional side, the part of us that reacts involuntarily to external stimuli. This observation inspired the title for her show with the Fondazione Nicola Trussardi, Parasimpatico: with her usual sense of humor, Pipilotti Rist is referring to the division of the nervous system that governs the body’s involuntary functions, such as digestion, relaxation, rest and energy storage.

Like her previous installations, this project conceived for the former Cinema Manzoni combines old and new work, with the objective of transforming the former theater into a huge living creature, mingling cinema and television, hallucinations and high-definition images. In Parasimpatico, Pipilotti Rist wraps the sumptuously decorated spaces of the Manzoni—from the lobby to the grand staircase, and from the auditorium to the bar—in a new skin of images, an all-enveloping carousel of sound, light, and color that restores a joyous magic to what was once Milan’s most prestigious movie theater, in a final flutter of life before its definitive transformation. This exhibition by Pipilotti Rist will be a unique opportunity to see the spaces of the former Cinema Manzoni in their original beauty, after five years of closure.

Designed by architect Alziro Bergonzo and opened in 1950, the Cinema Manzoni is part of a stately edifice conceived to house shops and commercial venues on Via Manzoni, in the heart of Milan. With a surface area of over 5000 square meters, richly decorated and frescoed, an enormous 1400-seat auditorium, and showing only first-run films, the Manzoni immediately came to be seen as the most elegant movie theater in the city, and was used as a location for important films such as Michelangelo Antonioni’s Story of a Love Affair (1950) and The Lady Without Camelias (1952). In 1955 it became the first movie theater in Italy, and the third in the world, to introduce Cinerama, an innovative three-screen panoramic projection system. These unique features made the Cinema Manzoni one of the most remarkable movie theaters in Milan and in the entire country for over fifty years, until it definitively closed on 25 September 2006.

With Parasimpatico, the Fondazione Nicola Trussardi continues its nomadic exploration of Milan, rediscovering forgotten places and hidden treasures in the heart of the city and bringing them back to life through contemporary art. After major solo shows by Michael Elmgreen & Ingar Dragset, Darren Almond, Maurizio Cattelan, John Bock, Urs Fischer, Anri Sala, Paola Pivi, Martin Creed, Pawel Althamer, Peter Fischli and David Weiss, Tino Sehgal, Tacita Dean, and Paul McCarthy, the Fondazione Nicola Trussardi is now proud to present this new large-scale project by Pipilotti Rist, as part of the calendar of events organized throughout 2011 to celebrate the centennial of Trussardi Group.

BRIEF BIO

Elisabeth Charlotte Rist was born in Grabs, Switzerland in 1962. She lives and works in Zurich and Sommerset.

As a child, she decided to adopt the unconventional name Pipilotti, which combines Lotti, a nickname for Charlotte, with Pippi Longstocking, the Astrid Lindgren’s character with whom she strongly identified.

After studying applied arts, illustration, photography and visual communication in Vienna and Basel, and founding the all-female rock band Les Reines Prochaines, with whom she created albums, concerts, videos and live performances, Pipilotti Rist undertook the artistic career that has led her to exhibit in the world’s most important museums.

Nominated for the New York Guggenheim’s Hugo Boss Prize in 1998, in 2009 she won the Joan Miró Prize, organized by Fundació Joan Miró in Barcelona.

Her videos and installations have been exhibited in solo shows at some of the world’s leading art institutions, including Hayward Gallery in London (2011), the Museum of Contemporary Art in Tokyo and Fundació Joan Miró in Barcelona (2010), KIASMA in Helsinki (2009), the Museum of Modern Art in New York (2008), Centre Georges Pompidou in Paris (2007) and Museo Nacional de Arte Reina Sofía in Madrid (2001). She has participated in prestigious contemporary art events such as the Venice Biennale (2011, 1999, 2005, 1997, 1993), the Biennale of Sydney (2008, 2000), the Istanbul Biennial (2007, 1999, 1997), the Moscow Biennale (2007), the Shanghai Biennale (2002), the Berlin Biennial (1998), the Biennale de Lyon (1997) and the São Paulo Biennial (1994).
In 2009 she made her first full-length film, Pepperminta, presented the same year at the Venice Film Festival, the Seville European Film Festival, the Miami International Film Festival, the International Film Festival Rotterdam , and in 2010 at the Sundance Film Festival.

MARK FELL - Tone Pattern Transactuality, 2011, computer generated sound and image

 http://artisphere.com/calendar/event-details/Visual-Arts/DATA-FIELDS.aspx

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“Sharply installed and smartly edited mini-survey of cutting-edge contemporary art… the works in “Data/Fields” sharpen your senses, even as they blur the boundary between sight and sound.” -

“Che tu ti guadagni o meno da vivere grazie al diritto d’autore, è necessario che ti preoccupi di questa “distensione”, perché tu, io e tutti quanti sappiamo che ogni aspetto della nostra vita è attivo online, e le guerre sul copyright rappresentano una minaccia esistenziale per la rete libera ed aperta.

Se non riusciamo a immaginarci come si potrà arrivare alla pace tra la rete e il diritto d’autore, cerchiamo di capire come la struttura stessa della società dell’informazione stia tessendo in sé stessa ogni sorta di botole di sorveglianza e controllo, leggi e regole e tecnologie che assomigliano sempre più alle politiche sull’informazione della Siria, ormani diffuse in tutto il mondo. Sarà cucita nel “tessuto” di internet con l’obiettivo di salvare l’industria del copyright, anche se non farà niente del genere.
I danni collaterali delle guerre sul diritto d’autore in Internet riguarderanno la vostra privacy, la vostra libertà di parola, la libertà di riunirsi, la stampa libera, e gli onnipresenti strumenti elettronici attraverso cui impariamo, formiamo comunità, teniamo insieme le nostre famiglie, ci innamoriamo, e piangiamo. Sarà il network attraverso cui ci riuniamo a cambiare il mondo in modo banale e profondo. E’ una situazione in cui in ogni caso si perde, e non deve essere così.”

http://viewconference.it/cory-doctorow

L’edizione del maggiore simposio mondiale dedicato alla Realtà Aumentata offre 4 giorni di conferenze, con le keynote di Oliver Brau, Mark Bolas, Adrian David Cheok, un ricco programma di 40 demo, una tracking competition, una art exhibition, e una altrettanto interessante serie di workshop, tutorial e panel.

Tutti i dettagli sul sito dell’ISMAR (http://www.ismar11.org).

Il lavoro è diventato più complesso, interconnesso e dinamico che mai. In quasi ogni settore, molti degli innovatori più efficaci stanno cambiando il modo in cui lavorano utilizzando diagrammi di grandi dimensioni per favorire la collaborazione, migliorare il modo di pensare e il processo decisionale. Questi innovatori stanno applicando quello che i neuroscienziati stanno scoprendo su come il cervello elabori le informazioni: si apprende meglio quando abbiamo una visione “panoramica” delle informazioni. Segui Tom in un workshop altamente interattivo su come applicare il “visual thinking” per affinare le opportunità di business, formulare una chiara e memorabile visione di una società, di un servizio o di un prodotto, e impegnarsi in team strategici e tattici in modo divertente ed energizzante. Il workshop “Chiarezza” mostra come creare migliori interfacce utente per incontri di ogni genere.

Tom Wujec, Fellow ad Autodesk, autore, docente alla Singularity Univerisity

L’edizione 2010 al Brancaleone a Roma ha registrato 301 artisti da Germania, Italia, Olanda, Francia, Israele, Svizzera, Polonia, Taiwan, Ungheria, United States, Austria, Grecia, Brasile, UK, Spagna, Repubblica Ceca, Bulgaria, Portogallo, Irlanda, Norvegia, Nuova Zelanda, Turchia, Lettonia. Sono stati presentati 177 progetti, tra performance, workshop e showcase. LPM mantiene la formula dei 4 giorni, ma questa volta vengono presentate specifiche aree di ricerca artistica senza il limite di un unico tema giornaliero. In questo modo speriamo di offrire un programma stimolante e sorprendente, presentando ogni giorno pratiche artistiche differenti e supportando la ditribuzione libera di conoscenza grazie ai vari workshop, presentazioni e panel discussion.
Il programma giornaliero dell’evento:
15:00 – 21:00 Workshop
15:00 – 16:00 Lecture e conferenze
16:00 – 18:00 Presentazioni di progetti e prodotti
18:00 – 04:00 AV Performance e VJ / DJ set

Per tutta la durata dell’evento le installazioni audiovideo e le altre opere in mostra rimangono disponibili al pubblico; è inoltre possibile usufruire di aree più riservate dove discutere e scambiare idee e contenuti.

Le iscrizioni sono aperte fino al 15 luglio 2011

Affrettati a presentare il tuo progetto!
http://www.liveperformersmeeting.net/2011minsk/it/partecipa/

info e link: http://www.liveperformersmeeting.net/2011minsk/

Venerdì 10 e sabato 11 giugno 2011 a Palazzo Santa Margherita in corso Canalgrande 103, sono in programma due serate nel corso delle quali si esibiranno gli artisti tedeschi OVAL e Senking, il norvegese Erik Skodvin, lo statunitense Shigeto, Leafcutter John dall’Inghilterra e l’italiano Alessio Ballerini.

“Nel corso degli ultimi tre anni – dichiara uno degli organizzatori, Filippo Aldovini – abbiamo ricercato il punto di contatto fra antico e moderno, elettrico ed elettronico, visivo ed uditivo. La quarta edizione del festival ci impone un cambiamento: ora NODE sposta il proprio baricentro verso artisti che hanno fatto del pensiero che sta dietro alla musica il punto focale e la genesi del proprio lavoro.”
Il festival, che si muove come di consueto nell’ambito dell’incontro delle arti visive con la musica e le nuove tecnologie, dà spazio alla sperimentazione musicale, coerentemente con la vocazione della Galleria Civica di Modena e con l’indirizzo impresso dalla nuova Direzione dell’Istituto, impegnata a indagare il contemporaneo in tutte le sue declinazioni.
Le performance, ad ingresso gratuito fino ad esaurimento posti, si terranno a Palazzo Santa Margherita, in corso Canalgrande 103, a Modena, a partire dalle 21.00 e saranno trasmesse in diretta audio-video nel chiostro del Palazzo per consentire al maggior numero di persone di seguire i live.
L’evento è organizzato in collaborazione con Studio’s, Modena.

Media partner  Busta e Zero.

Programma delle serate – Sala Grande di Palazzo Santa Margherita -
10 giugno 2011

Senking

Erik K Skodvin

Alessio Ballerini

11 giugno 2011

Oval

Shigeto

Leafcutter John

Chiostro di Palazzo Santa Margherita

diretta audio video delle performance

Note Biografiche

OVAL: Markus Popp è uno dei più importanti compositori di musica elettronica contemporanea. Album leggendari come “Systemisch” (Mille Plateaux, 1994), “94 Diskont” (Mille Plateaux, 1995) e “Dok” (Thrill Jokey, 1998), lo annoverano come pioniere del concetto estetico di glitch, l’errore che diventa elemento musicale, ormai diventato uno standard comunicativo per un’intera generazione di compositori, e che lo ha portato a lavorare con personalità come Björk, e Ryuichi Sakamoto.
Dopo quasi dieci anni di silenzio artistico, nel 2010 Oval pubblica “O” opera monumentale composta da 70 brani. Markus Popp crea un’opera comprensibile soprattutto a chi si avvicina alla musica con grande dedizione e attenzione e anche il suo live riflette quest’attitudine senza mezze misure, con vortici sonori proiettati con la perizia di uno dei più grandi artigiani sonici dei nostri tempi.

Senking: Senking è il nome d’arte di Jens Massel, produttore tedesco attivo fin dagli anni ‘90, diventato uno dei nomi di riferimento nel circuito “Raster-Noton”, etichetta culto nel campo della musica elettronica minimale. Le sue produzioni sono caratterizzate da una ricerca melodica inconsueta capace di creare paesaggi sonori futuristici e cinematografici che rievocano l’arte di maestri come Angelo Badalamenti e John Carpenter. Il suo ultimo album “PONG” (Raster-Noton, 2010) è un riuscito ibrido tra l’austerità minimale tipica del collettivo tedesco e la scienza sonica del nuovo Dub britannico. Il suo live sarà una sorta di incontro immaginario tra Shackleton, Alva Noto e Pan Sonic arricchito dall’accompagnamento visivo progettato in esclusiva per NODE da Byetone, direttore artistico della Raster-Noton.

Erik K Skodvin

Erik K Skodvin: un gradito ritorno a NODE quello di Erik Skodvin, metà degli stessi Deaf Center che aprirono nel 2008 la prima edizione del festival con un concerto memorabile accompagnato dalle immagini di Claudio Sinatti. Nel 2011 è uscito un nuovo album del duo norvegese, ma è anche l’anno in cui Skodvin ha deciso di darsi anche una nuova identità solista, con il suo nome di battesimo, dopo svariate pubblicazioni con lo pseudonimo Svarte Greiner (‘Knive’ e ‘Kappe’ le più importanti entrambe pubblicate su Type Records).
Grafico, direttore artistico della rispettata realtà discografica “Miasmah” e produttore poliedrico, con l’album “Flare” (Sonic Pieces, 2010) Erik Skodvin unisce la cupa elettro-acustica di Svarte Greiner con il neo-classicismo dei Deaf Center, producendo un effetto di grande impatto emotivo. Con strumenti acustici (chitarra, pianoforte) e l’ausilio del computer Erik saprà creare una nuova dimensione rispetto a quelle esplorate con i precedenti progetti portandoci per un breve momento in un nuovo universo sonoro. Intimo, malinconico e nuovamente coinvolgente.

Shigeto: Zachary Shigeto Saginaw è un esponente di punta della nuova scena sperimentale hip-hop americana, la stessa di cui fanno parte artisti come Flying Lotus, Nosaj Thing e Baths. Non è un caso che il suo album di debutto “Full Circle” (Ghostly, 2010) sia uscito proprio per quella Ghostly Records che nei primi anni duemila ha pubblicato seminali album per il genere come “‘One/Three” di Dabrye.
Shigeto unisce la lezione dei maestri alla propria sensibilità eclettica e senza barriere stilistiche aggiungendo profondità e contenuti. Il suo background come batterista (in formazione live con “School of Seven Bells”) lo porta a lavorare partendo da una ricerca ritmica molto articolata.
Nel suo debutto italiano a NODE sarà affiancato proprio dalla fedele batteria e dal laptop, ma è difficile prevedere verso quale dei due strumenti concentrerà l’evoluzione della performance.

Alessio Ballerini: è uno dei nomi più interessanti della nuova scena elettro-acustica italiana sia come compositore che come figura chiave dell’AIPS (Archivio Italiano Paesaggi Sonori). In occasione di NODE 2011 presenterà il progetto audio/video “Natura e sua trasfigurazione fuori sincro” ideato in collaborazione con il video artista Marco Molinelli (Postodellefragole)”. Secondo il “matrimonio forzato” nell’Audiovisione di Michel Chion, eliminando il suono originale di un film ed aggiungendo musiche anche in assoluto contrasto ed in modo aleatorio otterremo punti di sincronizzazione sbalorditivi o comunque inattesi. Nella videoarte si ricerca costantemente il sincro in tutti i modi e con tutte le tecniche. Questo lavoro mette in luce l’esistenza di questi punti solamente accostando il suono all’immagine. Paesaggi naturali e suoni della natura trasfigurati “percepiti da un orecchio immateriale, liberati dal nostro confuso tempo umano”, dove i suoni e le immagini di diversa estrazione vanno a creare un mondo nuovo, un’altra dimensione dove tempo reale o irreale e performance in real-time o meno sono solo termini che si con-fondono.

Leafcutter John: alcuni conoscono Leafcutter John come membro della band britannica “Polar Bear”, altri per i suoi remix illustri e altri ancora per il suo lavoro di programmatore e sviluppatore di software musicali (Forester), ma una cosa è certa: chi ha, almeno una volta, avuto a che fare con l’alter ego di John Burton difficilmente ne è rimasto indifferente.
Lo stesso Burton non deve aver avuto vita facile quando si è trovato a gestire a metà degli anni 2000 un completo cambio di direzione compositiva passando dall’astrattismo glitch dei primi due album su “Planet MU” (tra cui “The Housebound Spirit”, 2003) al folk digitale del bellissimo “The Forest and The Sea” (Staubgold, 2006), un capolavoro assoluto di cantautorato contemporaneo che ha scomodato paragoni con personalità come Nick Cave (con cui, tra l’altro, ha suonato più volte dal vivo) e Robert Wyatt in versione iper-moderna. Dopo questo album un silenzio che ormai dura da quasi cinque anni, interrotto solamente dalla pubblicazione di una sessione live intitolata “Tunis” (Tsuku Boshi, 2010) in cui si è confrontato con registrazioni ambientali effettuate a Cartagine e Tunisi durante l’E-Fest.

Info: www.node-live.com

Latest updates: www.twitter.com/nodefestival

Pratchaya Phinthong, Ephemeral Cinema, 2004, Auto elettrica, lettore DVD, video proiettore, altoparlanti Veduta dell'installazione - gb agency, Paris Courtesy l'artista e gb agency, Paris

La mostra Give more than you take (dai più di quello che prendi) è parte del programma espositivo Eldorado, che la GAMeC dedica agli artisti emergenti più interessanti sulla scena internazionale, invitati a concepire un progetto inedito per gli spazi della Galleria.

L’esposizione, realizzata in collaborazione con il CAC – Centre d’art contemporain di Brétigny, si compone di due momenti, il primo dei quali si è già tenuto – tra il dicembre del 2010 e il febbraio del 2011 – nelle sale del Centro d’arte contemporanea alle porte di Parigi.

Il progetto, che si modifica radicalmente ogni volta che viene allestito, in un fitto dialogo tra le intenzioni dell’artista e il contesto locale che lo ospita, rappresenta una riflessione sui concetti di valore economico, empatia e movimenti globali, nonché sulle possibilità per l’arte di trasformare questi temi all’interno di un universo simbolico e in costante movimento.

Il punto di partenza è stato l’invito all’artista, da parte del CAC Brétigny, a trascorrere due mesi in residenza nei sobborghi di Parigi. Phinthong ha però deciso di passare questo periodo nella Lapponia svedese, riuscendo a farsi assumere da una ditta di Bangkok specializzata nell’esportazione di manodopera locale per la raccolta stagionale di bacche polari nelle vaste foreste nordiche. Il suo desiderio era di fare esperienza diretta di un fenomeno che in quel momento veniva portato all’attenzione dell’opinione pubblica sia dalla stampa tailandese che da quella svedese, ovvero lo sfruttamento di manodopera stagionale tanto da parte degli intermediari tailandesi quanto delle aziende svedesi. Mescolandosi con i lavoratori, Phinthong ha così rinunciato temporaneamente al suo statuto di artista e si è posto nelle condizioni di lavorare per vivere, evidenziando la crisi di un modello sociale al tempo della globalizzazione.

Al termine di ogni giornata, Phinthong comunicava via SMS la quantità di chili di bacche polari che era riuscito a raccogliere ai curatori, ai quali è stato richiesto, al termine dei due mesi, di accumulare lo stesso peso ma in oggetti trovati nei rispettivi contesti locali e ormai privi di valore d’uso.

L’opera che ne risulta ha come titolo Tod tee sweden mend thung mor-chit (2010) ed è la traduzione fonetica del tailandese, così come è usata nella pratica del karaoke permettendo anche a chi non parla questa lingua di pronunciarne i versi delle canzoni.

Gli stessi curatori, quindi, in costante contatto con l’artista che indicava quali materiali di scarto raccogliere e come organizzarli nello spazio, hanno creato una scultura che cambia ogni volta che viene esposta, reagendo non solo al contesto locale ma alla personalità dei responsabili della mostra.

Nel caso della mostra alla GAMeC di Bergamo, i 660 chilogrammi di bacche raccolte dall’artista sono stati trasposti da Alessandro Rabottini nel corrispettivo di terra scavata per creare le fondamenta dell’edificio che costituirà l’estensione del nuovo Museo dell’Accademia Carrara, attualmente chiuso al pubblico per restauri e lavori di ampliamento.

La seconda opera presente all’interno del percorso espositivo prende la forma di un sito Internet che ha lo stesso nome del titolo della mostra www.givemorethanyoutake.net (2010-11), che raccoglie le immagini e i video registrati dall’artista durante i suoi due mesi trascorsi in Lapponia come lavoratore stagionale. La struttura è stata concepita dalla coppia di progettisti Vier5 in base alla dimensione dei file inviati da Phinthong stesso. Sarà possibile consultare questo materiale sul web solo fino alla conclusione della mostra alla GAMeC di Bergamo. Al termine di questo processo, infatti, il sito scomparirà e il fantasma che ne resterà incorporato nella memoria della rete sarà l’unica testimonianza di questo lavoro.

Il terzo lavoro, Allemansrätten (2010) fa riferimento al “Diritto del Pubblico Accesso” presente nell’ordinamento giudiziario svedese, che garantisce a chiunque la possibilità di camminare in spazi naturali, pubblici e privati, e raccogliere fiori selvatici o frutti di bosco. Questo diritto è accompagnato da responsabilità legate alla protezione della natura e della fauna selvatica insieme alla proprietà privata, e ha avuto originariamente il merito di trascendere la nozione di proprietà per promuovere la libertà di movimento e attività sul territorio. Oggi, però, è anche lo strumento con cui gli imprenditori locali stanno trasformando le risorse naturali all’interno di un processo di industrializzazione. Allemansrätten prende in prestito il titolo dell’articolo di legge e perpetua una pratica di movimento fisico e simbolico. Appropriandosi di una delle torri di avvistamento costruite dai cacciatori nel paesaggio lappone, l’artista ne trasforma la funzione per diventare un punto di osservazione dei raccoglitori di frutta.

Durante una notte, e con l’aiuto di alcuni raccoglitori nomadi, l’artista ha smontato questa torre di guardia e l’ha inviata al CAC Brétigny, chiedendo al curatore di presentarla al pubblico nel modo che preferiva. Lo stesso verrà fatto per l’appuntamento bergamasco.

A completare la mostra a Bergamo una serie di opere che, pur non presenti nell’originaria sede di Brétigny, contestualizzano questo progetto all’interno di un più ampio corpus di lavori.

Tra queste spicca An Average Thai Berry Picker’s Income (Il guadagno medio di un raccoglitore di bacche tailandese), 2010. Come dice il titolo stesso, il guadagno corrisponde all’ammontare esatto delle corone svedesi guadagnate da Phinthong in due mesi di lavoro al netto delle tasse. Le banconote e le monete sono state incorniciate e corrispondono a 283 euro.

La mostra è parte di una serie in onore di Arturo Toffetti.

La mostra è realizzata con il supporto di: gb agency, Paris | Iaspis, Stockholm

Cenni biografici: Pratchaya Phinthong (1974, vive e lavora a Bangkok) ha esposto in spazi e istituzioni internazionali come la Kunsthalle di Basilea, il Musée d’Art Contemporain di Lione, University Gallery di Bangkok, l’Artists Space di New York e RedCat di Los Angeles. Ha inoltre preso parte alle Biennali di Singapore, Taipei e Busan.

Bergamo, maggio 2011

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Sede: GAMeC – Via San Tomaso 53 – Bergamo
Date:  27 Maggio – 24 Luglio 2011
Orari: mar – mer – ven: ore 15.00 – 20.00; giovedì: ore 15.00 – 22.00; aperto al mattino per scuole e gruppi prenotati; sab – dom: ore 10.00 – 20.00. Lunedì chiuso
Vernissage: 26 Maggio, ore 18.30
Curatore: Pierre Bal-Blanc, Alessandro Rabottini
Biglietti: Intero euro 4.00; ridotto euro 2.50;  su prenotazione Gratuito per le scuole. Il biglietto consente di visitare tutte le mostre in corso
Note: Evento in collaborazione con tra CAC – Centre d’art contemporain, Brétigny (Francia) e GAMeC, Bergamo
Info: Tel. +39 035 270272 | Fax +39 035 236962 | www.gamec.it
Ufficio Stampa: CLP Relazioni Pubbliche | Tel. +39 02 433 403 / +39 02 3657 1438 | Fax +39 02 481 3841 | press@clponline.it | www.clponline.it; Manuela Blasi (Ufficio Stampa GAMeC) | Tel. +39 035 270272 | manuela.blasi@gamec.it |  www.gamec.it

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I Perugia Green Days presenteranno un ricco calendario di appuntamenti ed iniziative, con un format innovativo: da un lato uno spazio espositivo con la presentazione di aziende ed imprese virtuose, nel cuore della città; dall’altro, un calendario di convegni e seminari sui temi più attuali della green economy, affiancati a un’area eventi con mostre, spettacoli, installazioni ed animazioni di valore internazionale, che renderanno per 4 giorni la Rocca Paolina di Perugia lo spazio cult per la cultura del verde.

Fra gli spettacoli che saranno presentati al pubblico in occasione dei Perugia Green Days, segnaliamo le installazioni di Pietro Pirelli IDROFONI e ARPA DI LUCE, due produzioni di AGON, che, oltre a trasfigurare gli spazi della Rocca Paolina con suggestioni visive e sonore, ospiteranno due performance musicali.

IDROFONI

o Lampade Sensibili

Ideazione: Pietro Pirelli

Design: Carlo Forcolini

Produzione AGON, 2010

Installazione

dal 12 al 15 maggio – dalle ore 10.00 alle ore 22.00

Performance musicale con Pietro Pirelli e Alberto Maroni Biroldi

venerdì 13 maggio – ore 21.30

Idrofoni

Un velo d’acqua viene messo in vibrazione dai suoni presenti in un ambiente. Oppure è modulato da un canto, dal suono di uno strumento, ma anche da una lettura poetica.

La trasparenza dell’acqua è attraversata da luce purissima che, modulata, si proietta in un divenire di forme sonore. Le lampade sensibili si riverberano quindi in grandissimi cerchi, che si moltiplicano sulle pareti circostanti in grappoli di luce vibrante. Suonare la luce…

Gli IDROFONI sono un oggetto di design e allo stesso tempo un progetto artistico. Pietro Pirelli, dopo un periodo di sperimentazione nel laboratorio musicale di AGON, li ha sviluppati assieme a Carlo Forcolini, celebre designer nel settore dell’illuminazione.

ARPA DI LUCE

Installazione interattiva di luce e suono

Sviluppo musicale e visivo: Pietro Pirelli

Ideazione e sviluppo tecnico: Gianpietro Grossi

Design: Francesco Murano

Sviluppo software interattivo: AGON (Davide Tiso, Antonello Raggi)

Installazione

dal 12 al 15 maggio – dalle ore 10.00 alle ore 22.00

Performance musicale di Pietro Pirelli

sabato 14 maggio – ore 21.30

Arpa di Luce

Immaginiamo di sfiorare con le dita un fascio di linee di luce, tirate tra gli estremi di un grande spazio architettonico. Ne esce il suono di un’arpa, l’architettura si è trasformata in un grande strumento a corde, la cui musica è quella preferita dagli dei, perché espressione dell’Armonia delle Sfere Celesti. (Metamorfosi di Ovidio, libro 11).

Con quel suono, volgiamo lo sguardo verso l’alto, scoprendo che il nostro agire musicale produce anche una serie bellissima di accadimenti luminosi. L’azione sulle corde produce straordinari effetti visivi collegati con naturalezza all’intenzione musicale. Sentire e vedere coincidono nel medesimo gesto.

Lambita da mani e da oggetti oscillanti, l’Arpa di Luce viene utilizzata per la performance di un musicista ma può anche essere suonata dal pubblico. Nel collocarla si vuole trasformare lo stesso ambiente che la contiene in un grande strumento musicale.

Consideriamola un’invenzione, ma anche un’opera d’arte, quando diventa uno straordinario strumento per interpretare poeticamente uno spazio e creare interessanti modalità di interazione con le persone che la “toccano”. Questo contatto avviene anche attraverso vari oggetti, tra cui un grande pendolo che viene fatto oscillare tra le corde laser.

Alla messa a punto tecnica dell’ingegnere Gianpietro Grossi si è affiancato il lavoro del compositore Pietro Pirelli coaudiuvato sul progetto interattivo da AGON. Oltre alla ricerca dei suoni da attribuire alle corde laser, Pirelli ha studiato il modo di rendere musicalmente varia e interessante la nuova gestualità che si crea e le probabili azioni sullo strumento da parte del pubblico. Sempre via software si è trovato il percorso musicale attorno al moto oscillatorio del pendolo, il cui braccio lambisce le corde dell’Arpa di Luce creando una dolce e ipnotica composizione musicale. E’ relazione fra la musica e quel fenomeno fisico oscillatorio che è anche l’origine del suono stesso.

Circuiti Dinamici

Le artiste protagoniste di questa nuova esposizione sono: Deborah Brugnera, Valeria Cafagna, Maria Grazia Cantoni, Elena Gallotta, Arianna Loscialpo, Ileana Paolicelli, Chiara Pulselli e la presentazione del libro I muri della mente di Libera (Libera Mazzoleni), Silvana Editoriale.

Protagonista della mostra di maggio è la donna, analizzata da varie sfaccettature. I bronzi di Arianna Loscialpo – figure sintetiche e contemporaneamente espressive – riescono a trasmettere stati d’animo intensi: Coppia e La caduta di Alice. Chiara Pulselli mostra la forza e al contempo la fragilità della donna in fotografie dalla trama sgranata e sabbiosa, dal delicato color ambrato come in Legami, mentre  Deborah Brugnera compone fotografie dal forte impatto visivo, compositivo e comunicativo che presentano una donna rinchiusa nel proprio mondo tutt’altro che incantato: I’m awake but in my world e Wake up. Elena Gallotta riesce a comunicare il rapporto che intercorre tra la figura femminile e il suo corpo, la sua essenza e l’ambiente che vive, in uno sguardo ipnotico che carpisce l’attenzione e sintetizza l’interiorità: Irish Red e Dissimulazione. Sguardo che è protagonista anche nelle opere Digital Heart e Floating Mind di Valeria Cafagna: soggetti di sola luce che si dissolvono nella materia. Ileana Paolicelli disamina aspetti esistenziali attraverso manichini in legno che fluttuano e danzano in uno spazio indefinito e senza peso alla ricerca della propria identità: Al di là dello specchio e Mutazioni. Maria Grazia Cantoni con le sue Self Portrait-apuane richiama il rapporto uomo-natura: l’artista si immerge e amalgama perfettamente con essa quasi in un matrimonio sensoriale.

La mostra è arricchita dalla presentazione del libro I muri della mente di Libera (Libera Mazzoleni), Silvana Editoriale con letture poetiche.

Dal 2 al 19 maggio 2011

Presso:
Associazione Circuiti Dinamici
Via Giovanola n° 21/C – Milano

Inaugurazione:
2 maggio 2011 h. 18.30
Ingresso gratuito

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La mostra resterà aperta dal martedì al giovedì dalle ore 15 alle ore 17 fino al 19/05/2011 – mercoledì 4 e giovedì 12 maggio apertura ore 18 – 20. Ingresso gratuito.

From this arose the idea to present the very diverse range of Japanese Media Art this year. We are in ongoing contact with the artists who wish to visit the EMAF and represent the diversity of Japanese culture with their work.
We would like to use the festival as a platform to conduct even more intense cultural dialogue, especially in this extremely difficult situation for Japan, to show the public the cultural greatness of Japan, in spite of the sad events.
These are the wishes of the Japanese artists and the EMAF.
The EMAF team

European Media Art Festival 2011

// THE PLACE FOR EXPERIMENTAL MEDIA
The EMAF in Osnabrueck is one of the most important forums of international Media Art, and is an open laboratory for creative and artistic experiments that help shape media and the aesthetics of their content. As a lively meeting place for artists, curators, lenders, gallery owners and a specialist audience, it has been instrumental in forming the themes and aesthetics of Media Art.

//FILM PROGRAMME
This year, 2200 contributions from all over the world are being viewed by the commission led by Ralf Sausmikat, comprising Katrin Mundt, Jennifer Jones and Florian Wüst. By mid-March, all of the film and video contributions will have been viewed and selected. Having already watched around 1500 of the works, the commission is extremely confident that the programme of the 2011 European Media Art Festival will be most varied and inspirational.

//EXHIBITION: PLANET M
All of this year’s exhibitions were organised in cooperation with various international art institutions. For Moving Stories, six organisations from different countries selected one media installation each to be presented at the exhibition. These works address the subject of exploring and presenting new forms of narration.
The renowned artist Candice Breitz has created a new piece especially for the EMAF to contribute to Moving Stories.
Another international project is TRANSIT – European Young Talents Forum, which will show 15 works by students from European art academies at the exhibition. In collaboration with the festival Vidéoformes in Clermont-Ferrand and the art centre FLACC workspace in Genk, the EMAF is promoting young talented artists from six European countries.

//JAPANESE MEDIA ART NOW
Taking into account the current events in Japan, we will be focusing on “Japanese Media Art Now” to mark the 150 years of friendship between Germany and Japan. Contributions from Japan are represented in all programme parts of the EMAF in which the culture and the specific characteristics of Media Art in Japan will be shown from the areas of film, installation and performance.
These include the performances “Rheo” by Ryoichi Kurokawa and “Braun Tube Jazz Band” by Ei Wada.

//CONGRESS
Workshops, talks, presentations by artists and lectures – the congress at the 24th European Media Art Festival offers demanding and interesting events.
For instance, under the heading: “From Archive to Living Database III”, the renowned media philosopher Siegfried Zielinski from the Villem Flusser Archiv at Berlin University of the Arts and the media theorist Timothy Druckrey from New York will lecture on the significance of archives and the history and future of the media and cinema.

//MEDIA CAMPUS
The networking and project forum for new works, tendencies and concepts from media universities, art academies and design colleges in Europe.
In addition to the exhibition part TRANSIT – European Young Talents Forum and numerous performances, Media Campus offers a comprehensive film programme with works by a variety of students, and also gives a number of European academies the opportunity to introduce themselves.

//MEDIA ART GARDEN
In cooperation with the Media Art Flow Festival (MAFF) in Almelo/NL, the EMAF will present a Media Art Garden this year. This garden, which will be established in the city centres of the two festival locations, will encourage visitors and passers-by to cultivate and create, i.e. to “do a spot of gardening” in workshops with the artists Karl Heinz Jeron (G) and Wessel Westerveld, AKA “Wexel” (NL).
The Media Art Garden is funded by GrensWerte, a cross-border project of EUREGIO.

//AWARDS
In 2011, the European Media Art Festival will also be presenting several awards to outstanding artists. This year’s novelty is the “Newcomer Award”, which the Media Art Festival will be conferring for the first time this year.
The “EMAF Award” for a trend-setting work in Media Art and the “Dialogpreis” by the German Ministry of Foreign Affairs for the promotion of intercultural exchange will also be awarded. The prize for the best German experimental film will be awarded by the jury of the German Federal Association of Film Journalists.

Info: http://www.emaf.de 

PAUL KALKBRENNER (DE)
CARL CRAIG vs. SETH TROXLER (US)
BATTLES (US)
AL DOYLE (LCD SOUNDSYSTEM/GROWN MEN, UK)
HENRIK SCHWARZ (DE)
GRANDMASTER FLASH (US)
DAN DEACON (US)
FALTY DL (US)
WOLF + LAMB vs SOUL CLAP presents DJ KICKS (US)
GOLD PANDA (UK)
dOP (FR)
IS TROPICAL (UK)
HAUSCHKA (DE)
PASSARELLA DEATH SQUAD (UK)
ART DEPARTMENT (CAN)
R&S pres. PARIAH, BLAWAN, ANDY WITTHAKER (UK)
PENNER & MUDER (DE)
SASSE (DE)
BLACK FANFARE + DEWEY DELL (IT)
L.A. RIOTS (US)
ANDY VOTEL (UK)
LIFE AND DEATH feat. CLOCKWORK (IT) + TALE OF US (IT) + THUGFUCKER (US)
LUCA BACCHETTI (IT)
CAROLA PISATURO (IT)
NATHAN FLUTEBOX LEE & THE CLINIC ft. DJ TIGERSTYLE (UK)
DJ RUBENS (IT)
PIERO UMILIANI EXPERIENCE (IT)

Calendario e informazioni sul sito del festival: http://www.elitamilano.org/.

All’interno dell’evento si colloca il dibattito Hacking and Cracking, che si terrà il 10 marzo, sull’arte interattiva e sul generative filmmaking, con interventi di Shane Walter, onedotzero (onedotzero.com), Tony Langford, Kinetica Museum (kinetica-museum.org), Audrey Anastasy and Paul Ferragut, Midnight Toastie (midnight-toastie.co.uk), Eric Schockmel, Watergun (watergun.tv).

In home page, still da Occupation: Movements II & III – Watergun Labs, diretto da Eric Schockmel – Lussemburgo e Londra, Giugno 2010.

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La presentazione degli artisti, dal sito http://www.jotta.com:

Van Gogh’s The Starry Night is reframed by Midnight Toastie collective, who use open source software, tactiles materials and a responsive constellation of electronic lights to create an interactive interpretation. The viewer is invited to employ the hand of the painter, producing swirling elements of movement and light in the night sky.

Plunged into a resonating arena of sound and light, Sara Hibbert’s figure addresses the dancer’s emotional struggle with the demanding discipline. Hibbert, like Edvard Degas, fragments and records the variations of a dancer’s actions, but places them in a sequenced yet distressed visual continuum.

Johannes Vermeer painted the fascinating discoveries of advancing sciences during the 18th century, so too Stuart Bailes utilises the immediacy of the photographic moment to create a series of works that reference our modern world and it’s foundations, so reliant on technological structures.

Emma Rios and Dan Price take the most intriguing elements of Manet’s A Bar at the Folie-Bergere, the ambiguous perspective and the female subject, to create an interactive 18th century kaleidoscopic den. Enter and become mesmerised by throbbing reflections, magnifying the sinister side of Manet’s  famously controversial depiction of modern life.

Friedrich’s Wanderer above the Sea of Fog inspired Rafael Pavon’s stereoscopic animation. Recreating the emotions conveyed in the original work, of man’s solitary interactions with the unknown future, the work utilises 3D tools, montaged illustration, animation and live action to evoke the sights, sounds and diversity of London.

jotta’s graphic designer and software designer, Jane Trustram and Anthony Mizon, respond to Picasso’s Guernica. Referencing the Deconstruction theory, and taking Internet as their canvas, Trustram and Mizon’s online application, ‘Deconstruct’, gives the viewer the tools to take apart and reassemble the elements of any webpage.

Filmmaker Paul Bryan and sculptor Jonathon Ryall took an investigation to the home of Venus De Milo, The Louvre, commenting on her manipulation in contemporary culture, through the perspective of those in closest proximity to both the original sculpture – the security guards – and the multitude of replicas in surrounding souvenir shops.

Animator and sound artist Lung re-instills the shock originally intended to engulf the viewer when Edvard Munch created his expressionist masterpiece The Scream. Screens and speakers omit a concoction of sights and sounds from a vivid sculpted wall, akin to the frenetic lights, colours and jingles of a decaying theme park. 

While Raphael’s School of Athens depicted the most prominent thinkers of Raphael’s era, Interaction designer Vanessa Harden’s School of TIME focuses on the most influential individuals in the world according to TIME’s Person of the Year from the last decade. Asking viewers to consider the notion of “perspective”, has TIME chosen individuals who merit the title of most influential person in the world, or most influential person in America?  

Sam Bompass and Harry Parr – gastronomic scientists, jelly architects and food smiths – chose to respond to Leonardo Da Vinci‘s The Last Supper, a better match could not be imagined.

Apocalyptic and visionary, Eric Schockmel’s 3D animation uses atmospheric effects to reference Turner’s Rain, Steam and Speed – The Great Western Railway. Focusing on the expressive power of the train as a metaphor for advancing technology, the film depicts the train regenerating itself, creating the conditions of it’s own growth. 

Daniel Swan adopts a purely digital aesthetic and medium, deploying the software as the paint brush, creating a constantly-changing digital canvas filled with dreamlike forms in various stages of clarity in response to Salvador Dali’s melting clocks and dream analysis.

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 One Marylebone
1 Marylebone Road
NW1 4AQ
Exhibition is open to the public from 10 March – 13 March 2011

11am – 6pm Thurs- Sat, 11am – 3pm Sunday.

Pixelate Helsinki 2011

Workshop, seminari, esibizioni e altri eventi in programma sul sito del festival: http://www.pixelache.ac/helsinki/

Pixelversity 2011, il programma didattico del festival (http://www.pixelache.ac/helsinki/pixelversity/)

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A Berlino, dall’1 al 6 febbraio si svolge la diciannovesima edizione di Transmediale, il festival internazionale di arti e culture digitali.
Con il titolo RESPONCE:ABILITY l’edizione si incentra su una riflessione  sul  modo comune di vivere la rete internet, sulle implicazione interazionali del Web.2 e sui più recenti risvolti del network all’interno dei rapporti sociali. In un processo di crescente comunicazione in tempo reale. 170 artisti, ricercatori e attivisti condividono una piattaforma interdisciplinare formata da performance, letture e workshop, presso l’Haus der Kulturen der Welt e diverse altre location a Berlino.

Žilvinas Kempinas, “White Noise”.

Il programma dettagliato, diviso in aree (The Open Zone, HacKaWay Zone, Film and Video Programme SyncExistence, Performanceprogramme LIVE:RESPONSE, Conference BODY:RESPONSE – Biomedial Politics in the Age of Digital Liveness, Awards) è consultabile all’indirizzo: http://www.transmediale.de.

Tra le cooperazioni, nel ricco satellite programme del festival, segnaliamo McLuhan in Europe 2011, un evento in collaborazione con il Marshall McLuhan Salon of the Embassy of Canada, nel contesto del centesimo anniversario della nascita di Herbert Marshall McLuhan.

]]> http://www.artkernel.com/?feed=rss2&p=3868 0 http://www.artkernel.com/?p=3401 http://www.artkernel.com/?p=3401#comments Thu, 11 Nov 2010 10:45:59 +0000 Redazione http://www.artkernel.com/?p=3401 Il proprio “punto di vista” del mondo, filmato durante lo stesso minuto di Sabato 13 Novembre. Una video installazione remota in cui le infinite prospettive locali simultaneamente si sincronizzano e coesistono.
Per partecipare al progetto, che verrà esposto nella primavera del 2011 presso il Streaming Museum di New York, si può visitare il sito di Simultania, http://www.simultaniaproject.com/index.html.

THE 1-MINUTE-MOMENT is scheduled for:
SATURDAY, NOVEMBER 13, 2010
4 p.m. UTC (Coordinated Universal Time)
11 a.m. EST / 8 a.m. PST / 4 p.m. GMT

Veduta dell'installazione presso la BT’F Gallery di Bologna

I due performer, Enrico Fiocco e Michele Braga, sound design(ers) formatisi presso il conservatorio M. Pollini di Padova, modificano i parametri acustici in tempo reale inviando alle lastre metalliche degli input sonori, secondo uno schema che difficilmente può essere ripetuto in maniera identica una seconda volta. Il suono per empatia entra in “collisione” col metallo, il quale vibrando amplifica e modifica sotto forma di oscillazioni armoniche il tessuto sonoro di partenza.
Tale procedimento, in parte di natura improvvisativa, lascia molto spazio all’alea e alla sua natura di imprevedibilità: l’impalpabile ambiente sonoro, creato dagli artisti e strutturato attraverso la dislocazione di sorgenti sonore in più punti dello spazio di fruizione, mostra una congenita instabilità strutturale e diviene, secondo le parole del curatore dell’evento Marco Aion Mangani, metafora di un imprevedibile cambiamento.
Una riflessione intorno al desidero tipicamente umano di dominare il caso, nonostante una reale impossibilità.

Elvira D’Angelo

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Sede: BT’F Gallery, via Castiglione 35 – Bologna
Date: 11 Dicembre 2010 (serata evento)
Orari: Ore 19.30
Vernissage: 11 Dicembre 2010, ore 19.30
Autori: Enrico Fiocco, Michele Braga
Curatore: Marco Aion Mangani
Biglietti: ingresso gratuito
Note: Evento coordinato da BT’F Gallery con la collaborazione di MEMusic studio, Padova
Info: Cell. +39 340 2529265 | www.btfgallery.com | info@btfgallery.com
Genere:  Installazione sonora, Performance

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La 3ème édition du festival Visionsonic présente un large panorama de concerts et performances audiovisuelles qui explorent les relations entre image et son. Tous les courants de ce nouveau cinéma performatif, concerts live-cinema et autres performances audio/vidéo seront abordés de mi-octobre à début novembre 2010 dans 7 lieux d’Ile-de-France.

Visionsonic est un festival défricheur de la scène Live Cinéma international. La programmation navigue d’une ambiance feutrée cinématographique à une ambiance survoltée rock électro en passant par du noise visuel électrisant ou du graphisme mouvant au rythme de synthétiseurs planants. Nous n’oublierons pas les enfants, avec des ateliers et spectacles les après-midi!

Le festival ouvrira à La Cantine par une table ronde sur l’utilisation de l’outil technologique dans ses formes nouvelles. “Le placard – headphone festival”, propose 40h non-stop de concerts au casque.

Le festival Visionsonic ne s’arrête pas à une programmation pointue et s’investi, s’adapte dans les différents lieux qui l’hébergent. Une scène plutôt rock électro déjantée à mains d’oeuvres, où l’on verra aussi des projets Live Cinema dans la salle “Star Treck”, équipée spécialement d’un système sonore en 4.1 et d’un écran large pour une immersions totale.

Une programmation ouverte à tout public au Centre Rebérioux avec la volonté de respecter leurs engagements auprès des jeunes. Des installations intéractives et un cinéma dynamique dans une 4L donneront la possibilité au festival de s’ouvrir sur des nouveaux mediums.

Nous profiterons d’un lieu insolite dans le 19ème arrondissement, l’Imprimerie 168, près du bassin de la Villette pour une programmation un peu Outsider. Cette ancienne imprimerie accueillera une installation audio vidéo interactive, des romanciers / nouvellistes travaillant avec l’image, de la pellicule 16 mm retravaillée en direct, ainsi que deux ayatollahs de la guitare électrique. La confrontation de genre risque d’être explosive!

Le festival prend place pour sa conclusion au Centre FGO Barbara (paris 18) pour une ultime soirée électro-metal-ciné-vynil rayé. Le festival s’étendra de la salle de concert au bar restaurant avec des lives plus intimistes. Le dimanche nous terminerons par un Brunch avec toutes les personnes ayant participé au festival (techniciens, artistes, partenaires, public…), un spectacle pour enfant et d’ultimes performances surprises!

L’idée principale de cette édition est de mixer plusieurs scènes qui ont parfois du mal à se rencontrer : la musique, le cinéma, les arts numériques, le graphisme….tous ses arts en un seul festival afin de représenter au mieux la variété des créations du spectacle vivant contemporain. Le mélange de genre et de public permet à chacun de trouver son compte dans ce qu’il connaît tout en découvrant des artistes improbables.

La programmation tente de satisfaire le plus de monde possible tout en gardant une teinte forte suivant les lieux. Ces artistes, ces lieux, considérés comme des fragments, viennent se souder entre eux pour ne laisser qu’un bloc massif ne s’arrêtant jamais de grandir.

Yro&Rko

Info:http://visionsonic.org/2010/

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ACTIVE CREATIVE DESIGN (ABC | ACD)

ARTISSIMA 17
Internazionale d’Arte Contemporanea a Torino
4 novembre 2010
Presentazione alla stampa, anteprima collezionisti, inaugurazione
5-6-7 novembre 2010
Apertura al pubblico

Si svolgerà da venerdì 5 a domenica 7 novembre 2010 Artissima 17, Internazionale d’Arte Contemporanea a Torino, sotto la direzione artistica di Francesco Manacorda.

Molte le novità che contraddistinguono la prossima edizione della Fiera, la prima diretta da Manacorda. Anzitutto una nuova spettacolare sede: l’Oval, un padiglione dall’originale taglio architettonico, realizzato in occasione dei Giochi Olimpici Invernali di Torino 2006 e concepito per ospitare manifestazioni di respiro internazionale.

Collocato nell’area di Lingotto Fiere, l’Oval – con i suoi 20.000 mq illuminati naturalmente grazie a oltre 15.000 metri quadrati di pareti a vetrate continue – è la sede ideale per ospitare il progetto di Francesco Manacorda che prevede quest’anno l’accorpamento in un unico luogo di tutti gli elementi che costituiscono il complesso della manifestazione. Infatti – e questa è la seconda novità di Artissima 17 – il programma culturale e i suoi numerosi appuntamenti saranno ospitati, in un rapporto dialogico e di complementarietà con la Fiera, all’interno del padiglione. Nel segno della continuità rispetto ai punti di forza che nel corso degli anni hanno permesso alla manifestazione di conquistare una posizione di grande rilievo nel contesto internazionale, Artissima intende nel 2010 consolidare il livello di qualità della Fiera e il suo ruolo di osservatorio privilegiato sulla migliore ricerca nel campo delle arti visive e allo stesso tempo rafforzarne il valore progettuale e culturale.

L’Oval accoglierà al suo interno circa 130 gallerie, scelte dal Comitato di Selezione tra i nomi più attuali e di maggior interesse del mercato internazionale dell’arte. La presenza degli espositori seguirà la tradizionale partizione in sezioni: la MAIN SECTION, che raccoglie le gallerie più rappresentative del panorama artistico mondiale, PRESENT FUTURE, dedicata agli artisti emergenti e alle rispettive gallerie su invito diretto di un Comitato curatoriale internazionale e NEW ENTRIES, speciale punto di riferimento per la nuova creatività, riservato alle più interessanti giovani gallerie, con meno di cinque anni di attività, presenti per la prima volta ad Artissima.

Novità assoluta per l’edizione 2010 è BACK TO THE FUTURE, sezione inedita della Fiera volta a riscoprire e portare l’attenzione di operatori del settore, di collezionisti e del grande pubblico su artisti che hanno avuto un limitato riconoscimento negli ultimi decenni, ma il cui lavoro è proprio oggi particolarmente significativo. A metà tra progetto espositivo di livello museale e partecipazione fieristica, la sezione vedrà un’area dedicata ad alcune gallerie d’arte, selezionate da un Comitato Scientifico, sulla base di un progetto per una mostra personale di un artista, italiano o internazionale, attivo tra gli anni anni ’60 e ’70, con opere “storiche”. Un’opportunità per far meglio conoscere alcuni grandi innovatori del linguaggio dell’arte moderna ma di totale attualità, in un contesto dedicato alle sperimentazioni più nuove del contemporaneo. Il Comitato Scientifico è composto da: Christine Macel, Curatrice Centre Pompidou, Parigi; Jessica Morgan, Curatrice Contemporary Art, Tate Modern, Londra; Massimiliano Gioni Direttore Progetti Speciali New Museum of Contemporary Art, New York, e Direttore Artistico Fondazione Nicola Trussardi, Milano.

Poesia in forma di rosa è il titolo, di ispirazione pasoliniana, del calendario culturale di Artissima 17, basato sul tema dello “sconfinamento”. Attraverso il coinvolgimento di artisti che si esprimono anche in altre discipline creative quali l’architettura, il design, la letteratura, il cinema e la danza, Artissima 17 si propone di indagare questo territorio di confine, cercando di scoprire le condizioni che possano favorire una più diffusa integrazione delle arti.

House of Contamination sarà il progetto architettonico realizzato ad hoc all’interno dell’Oval, che farà da cornice spaziale e concettuale al calendario culturale. Il collettivo raumlaborberlin, che opera nel campo dell’arte e dell’architettura, realizzerà una maquette di dimensioni reali di un padiglione che possa contenere e facilitare i diversi processi di contaminazione tra le arti. Collocata all’interno della Fiera, la grande struttura temporanea includerà spazi diversi per ognuno dei campi artistici indagati: danza, cinema, letteratura, design, formazione. Gli spazi saranno tra loro collegati e pensati in funzione della loro destinazione e del loro uso. Un “progetto nel progetto”, la House of Contamination sarà concepita come modello per un futuro museo o centro culturale, un prototipo che troverà la sua sperimentazione pratica nel corso della manifestazione. Tra le sezioni in programma ci saranno: All the Rest is Literature, un salone letterario curato da Vincenzo Latronico; The Dancers, un programma di danza curato da Anthony Huberman; Thinking through Cinema [Deep Red], una serie di re-interpretazioni dello stesso cult movie curate da Benjamin Cook e Mike Sperlinger; Super-Mayors una serie di interviste a sindaci di grandi città circa il loro ruolo quali designer urbani e culturali condotte da Joseph Grima e Pedro Reyes; Typography, un progetto tipografico ed espositivo che si infiltra in tutta la Fiera di Dexter Sinister e Pickpocket Almanack, un’università immaginaria e itinerante organizzata da Joe del Pesco e Dominic Willsdon.

Ulrich Vogl, O.T., 2010, Courtesy dell'artista e Opdahl, Stavanger, Berlino

Infine, sempre tra le novità di Artissima 17, il catalogo: una pratica agendina contenente i dati e riferimenti delle gallerie sarà accompagnata da un catalogo da costruire interamente in Fiera: “do-it-yourself”, un raccoglitore da riempire con schede e materiale informativo prodotto dalle gallerie e dai curatori degli eventi. Ogni visitatore avrà così, al termine di Artissima 17, il proprio catalogo personalizzato costruito su misura sulle proprie preferenze e interessi.

Il progetto editoriale di Artissima includerà anche la pubblicazione ai primi di ottobre di un magazine con tutte le anticipazioni sulla Fiera e sui suoi partecipanti, testi dei curatori delle varie sezioni e progetti, saggi critici, immagini, curiosità sul backstage di un evento così complesso.

“Lavoriamo sulla vocazione sperimentale, la capacità innovativa e la dimensione internazionale di Artissima, e su un impianto curatoriale rigoroso, – ha detto Francesco Manacorda – per costruire nel 2010 un progetto unico e coerente, capace di rafforzare ulteriormente la duplice valenza, culturale e di business, che fa di questa Fiera un laboratorio dedicato all’arte contemporanea e l’ideale crocevia per tutti i suoi protagonisti ”.

Nel 2009 Artissima ha contato 45.000 visitatori: un pubblico internazionale di collezionisti, direttori e curatori museali, rappresentanti di istituzioni artistiche, pubbliche e del mondo imprenditoriale, critici, artisti ma anche molti giovani interessati ai nuovi linguaggi e sperimentazioni.

ARTISSIMA è un marchio di Regione Piemonte, Provincia di Torino e Città di Torino; per incarico dei tre Enti, è promossa dalla Fondazione Torino Musei, costituita dal Comune di Torino per curare e valorizzare il patrimonio artistico e museale della Città. La diciassettesima edizione di ARTISSIMA viene realizzata attraverso il sostegno dei tre Enti proprietari del marchio, congiuntamente a Camera di commercio di Torino, Compagnia di San Paolo e Fondazione per l’Arte Moderna e Contemporanea CRT.

La manifestazione si avvale della collaborazione di:
Main Partner UniCredit
Partner Greygoose
illycaffè

Giugno 2010
Francesco Manacorda
Direttore

Francesco Manacorda, torinese, 36 anni, è critico d’arte e curatore indipendente.
È Visiting Lecturer in Studi Curatoriali e Teoria dell’Arte presso il dipartimento Curating Contemporary Art del Royal College of Art di Londra, dove ha vissuto e lavorato dal 2001 al 2010.
Dopo la Laurea in Scienze dell’Educazione con indirizzo di Conservazione e Valorizzazione dei Beni Culturali presso l’Università degli Studi di Torino, nel 2003 ha conseguito il Master biennale in Curating Contemporary Art presso il Royal College of Art di Londra.
Dopo un’esperienza come curatore free lance dal 2007 al 2009 è stato curatore per l’arte contemporanea presso la Barbican Art Gallery, per la quale ha curato due grandi mostre collettive – Martian Museum of Terrestrial Art (2008) e Radical Nature (2009) – e numerose personali con artisti emergenti.
Ha inoltre collaborato con diverse istituzioni in Italia e all’estero, tra cui la Fondazione Sandretto Re Rebaudengo, per la quale ha tra l’altro ideato e curato il progetto Residenza per giovani curatori a Guarene d’Alba, la Serpentine Gallery, presso cui ha organizzato le Interview Marathons di Hans Ulrich Obrist e Rem Koolhaas (2006) e un ciclo di performance di artisti nel padiglione estivo, la Biennale di Lione (2007), T1 – Triennale Torino (2005), i Padiglioni Sloveno (2007) e Neozelandese (2009) alla Biennale di Venezia.
Ha fatto parte della giuria del Premio Illy Present Future (2007) e del Comitato di Selezione del Premio Furla (2008).
Collabora regolarmente con periodici italiani e internazionali: Domus, Flash Art, Kaleidoscope, Mousse, Art Review, Frieze, Metropolis M, Piktogram, Untitled.
Nel gennaio 2010 è stato nominato direttore di Artissima e dalla primavera di quest’anno si è trasferito a Torino per curare il progetto della Fiera Internazionale d’Arte Contemporanea a Torino.

5-7 Novembre 2010,
OVAL – Lingotto Fiere
L’organizzazione di ARTISSIMA è curata da Artissima srl, società costituita nel 2008 per gestire i rapporti artistici e commerciali della Fiera.

ARTISSIMA
www.artissima.it – info@artissima.it
t. +39 011 19744106 – f +39 011 19746106
via Bertola 34 – 10122 Torino
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t. +39 011 4429523 – f. +39 011 4429550