MUSICA PER GLI OCCHI . Collezionismo all’Opera

Bologna Palazzo di Re Enzo e del Podestà 19-22 settembre 2013 Piazza del Nettuno 7–22 settembre 2013

C o m u n i c a t o s t a m p a

DIECI ANNI. È il traguardo di Artelibro Festival del Libro d’Arte che dal 19 al 22 settembre 2013 festeggerà la sua decima edizione dal tema MUSICA PER GLI OCCHI. Collezionismo all’Opera nella sede storica di Palazzo Re Enzo e del Podestà a Bologna.

La decima edizione di Artelibro inaugura giovedì 19 settembre 2013 alle ore 17.30 nella Cappella Farnese di Palazzo d’Accursio con il saluto del sindaco di Bologna Virginio Merola, del Presidente di Artelibro Ricardo Franco Levi e l’intervento del Sovrintendente del Teatro Comunale Francesco Ernani che introduce l’appuntamento musicale interpretato dalla soprano Felicia Bongiovanni dedicato a Giuseppe Verdi.

A partire dalle ore 19.00 si apriranno le porte della mostra-mercato di Palazzo Re Enzo e del Podestà, meta di un immancabile appuntamento di bibliofili, studiosi, esperti e professionisti del settore e di un vasto pubblico di appassionati. A partire dai librai antiquari A.L.A.I. Associazione dei Librai Antiquari d’Italia, tradizionali partner di Artelibro, che anche quest’ anno presenteranno preziosi libri e documenti antichi, fino ai libri d’artista e di pregio passando per le riviste specializzate, la mostra-mercato di Artelibro 2013 ospita anche la seconda edizione di Fruit. Focus on contemporary art : un’ampia indagine sull’editoria d’arte self – publishing condotta dall’Associazione Crudo con il sostegno di Artelibro. Novità di quest’anno la sezione dedicata all’editoria d’arte digitale dove i visitatori potranno testare su appositi iPad gli e – book e le app più interessanti a livello internazionale, come quelle realizzate dalla Tate Modern di Londra e dal MoMA di New York. Gli editori d’arte tra cui numerosi iscritti AIE-Associazione Italiana Editori esporranno invece le proprie pubblicazioni nella Libreria dell’Arte di Piazza Nettuno, aperta fino alle 22.00 dal 7 al 22 settembre 2013.

Giovedì 19 settembre 2013, all’apertura della mostra-mercato, in Palazzo Re Enzo si potrà assistere alla performance D E C O S T R U Z I O N E P E R V I O L O N C E L L O E FILI dell’ artista Arianna Fantin e del musicista Francesco Guerri che farà da introduzione alla mostra VOLUMI CUCITI , in cui sono raccolti tutti i libri scritti e ricamati in edizione unica dalla giovane artista bolognese residente a Berlino.

Nel cortile d’ingresso di Palazzo Re Enzo si potrà ammirare l’opera COME MUSICA , appositamente realizzata da Lorenzo Perrone per il decennale del Festival: il bianco saturo e materico è ancora una volta l’elemento distintivo attraverso cui Perrone firma l’ultimo nato dei suoi libri d’artista.

Poco distante, la Cappella dei Carcerati ospita l’installazione

Musica del vivere di Greta Schödl, a cura di Eli Sassoli in collaborazione con Olivia Spatola: pagine di poesia visiva che l’artista Nicola Evangelisti amplifica e completa attraverso una composizione sonora.

Il libro d’artista protagonista di Artelibro non è solo l’ Opera Unica ma anche quella seriale, come le EDIZIONI PULCINOELEFANTE di Alberto Casiraghy, il quale presenterà in mostra a Palazzo Re Enzo una selezione delle circa 10.000 pubblicazioni (quasi una al giorno) caratterizzate dal piccolo formato e dalla fattura artigianale che la sua casa editrice produce dal 1982: vere e proprie piccole opere d’arte in tiratura limitata.

L’ampio e articolato programma culturale di Artelibro 2013 sarà suddiviso in diverse sezioni: mostre, incontri professionali, presentazioni di libri e progetti, conferenze per il grande pubblico, laboratori e attività per ragazzi che da Palazzo Re Enzo si estenderanno in tutta la città di Bologna.

Nella Piazza Coperta della Biblioteca Salaborsa, dal 6 al 22 settembre Artelibro presenta BUONA LA PRIMA. 20 copertine di libri riuscite giudicate da chi se ne intende a cura di Stefano Salis: alcuni tra i maggiori esperti di grafica, comunicazione visiva ed editoria, da Italo Lupi a Marco Belpoliti, hanno selezionato 20 copertine pubblicate nell’ultimo anno. Senza limitazioni di genere tra fiction, manuali, saggi, arte, pamphlet illustrati, la mostra opera una sintesi di ciò che a ragione può definirsi editoria visuale contemporanea.

Dalla contemporaneità alla storia secolare: il ricco patrimonio sculturale e architettonico conservato all’interno delle più monumentali biblioteche d’Europa, da Coimbra a Weimar, verrà rivelato martedì 10 settembre nella Sala d’Ercole di Palazzo d’Accursio con l’inaugurazione di BIBLIOTECHE , mostra fotografica di Massimo Listri realizzata in collaborazione con MiBACT-Centro per il Libro e la Lettura, gli istituti culturali e il diritto d’autore, Biblioteca Angelica di Roma ed Edizioni Sabinae. Sempre in Palazzo D’Accursio, venerdì 20 settembre si potrà assistere al convegno B I B L I O T E C H E C O M E O P E R E D ’ A R T E promosso da Artelibro in collaborazione con MiBACT-Direzione Generale per le Biblioteche, gli Istituti culturali e il Diritto d’autore.

Si va indietro nel tempo anche alla Biblioteca dell’Archiginnasio dove dall’11 settembre è di scena la mostra L A TIPOGRAFIA MUSICALE di Tallone Editore , in cui si potrà osservare una tipografia musicale gregoriana, tuttora attiva, articolata in una sequenza di bulini, matrici, punzoni affiancati da tipi mobili originali, corpi piccoli e monumentali, fusi a Parigi da Deberny et Peignot nel XIX secolo secondo il sistema del Maestro Theophile Beaudoire. Accompagnano l’esposizione le pagine musicali tratte da questi tipi e stampate da Tallone Editore.

D’altra natura ma certamente ricca di suggestioni più affini al passato recente, la mostra LITERARY LENNON ospitata dal Museo Internazionale e Biblioteca della Musica di Bologna (dal 18 settembre al 20 ottobre). Curata da Antonio Taormina ed Enzo Gentile con la collaborazione di Donatella Franzoni, la mostra sottolineerà l’aspetto più intimista e forse meno conosciuto di Lennon con una raccolta della sua produzione letteraria e grafica.

Gli artisti visivi prestati alla musica saranno invece i protagonisti della mostra R E C O R D S B Y A R T I S T S ( 1 9 6 0 – 1990) a cura di Giorgio Maffei in collaborazione con VIAINDUSTRIAE e Danilo Montanari Editore. L’Aula Magna

della Biblioteca Universitaria di Bologna ospiterà a partire dall’11 settembre oltre 130 dischi d’artista, tra cui quelli realizzati da Vito Acconci, Allan Kaprow, Martin Kippenberger, Joseph Beuys, Raymond Pettibon, Nam June Paik, Laurie Anderson, John Cage, Brian Eno, Demetrio Stratos, Yves Klein, Mike Kelly, Dan Graham, John Giorno, F.T. Marinetti, Robert Barry, Marcel Duchamp, Jan Debuffet, Richard Long, Mimmo Rotella, Dieter Roth, Ed Rucha. Nell’anticamera dell’Aula Magna si potranno ammirare antichi manoscritti, come la raccolta polifonica vocale del XV° secolo Kyri e et alia cum notis musicis , e libri a stampa a tema musicale nella mostra Uomini e Libri, “trovatori di musiche” a cura di Michele Catarinella.

Numerose le presentazioni di libri e cataloghi d’arte, come quelli pubblicati da Edizioni MAMbo che saranno presentati sabato 21 settembre a Palazzo Re Enzo dal direttore del Museo d’Arte Moderna di Bologna Gianfranco Maraniello. Temi appassionanti per i Cicli di Artelibro dedicati al grande pubblico: le “Le Muse Sorelle: Arte e Musica” saranno il soggetto di quattro appuntamenti in compagnia di Stefano Zuffi, Cristina Acidini, Jadranka Bentini e Anna Ottani Cavina; Marco Carminati indagherà invece l’universo degli strumenti musicali come opere d’arte nel ciclo “Musica da Museo”. Si intitola infine “Musica su carta. Storie di collezioni, reperti, musiche e libri” il ciclo a cura di Andrea Kerbaker e Stefano Salis con la partecipazione di Quirino Principe, Red Ronnie e Giorgio Maffei.

Artelibro professionale vede l’IBC – Soprintendenza per i Beni Librari e Documentari della Regione Emilia-Romagna impegnato nel convegno FONDI MUSICALI i n E m ili a – Romagna dove saranno illustrati, oltre al progetto dell’archivio digitale dei libretti d’opera, alcuni fondi musicali di particolare rilievo conservati nelle biblioteche della Regione. Di carattere pratico il contributo di AIE– Associazione Italiana Editori che quest’anno organizza il workshop sulla grafica editoriale ARTELIBR O GRAPH LAB. L’arte di ideare i libri , indirizzato agli studenti universitari, ad ingresso gratuito previa prenotazione.

Dopo il successo degli ultimi anni, torna la Biblioteca d’arte diffusa, network di mostre, incontri e visite guidate dedicate al libro e alla musica promosse dalle Biblioteche, dai Musei e dalle istituzioni culturali della città: Accademia di Belle Arti di Bologna, Accademia Filarmonica di Bologna, Accademia Nazionale di Agricoltura, Alliance Française, Biblioteca Universitaria di Bologna, Biblioteca e Centro di documentazione delle donne, Direzione Regionale per i Beni Culturali e Paesaggistici Emilia-Romagna, Fondazione Cineteca, Fondazione Giacomo Lercaro, Fondazione Gramsci Emilia-Romagna, Fondazione Federico Zeri, Genus Bononiae – Musei nella città, Istituzione Biblioteche e Istituzione Musei Civici di Bologna, Mediateca di San Lazzaro, Musèe de l’OHM, Museo Davia Bargellini, Museo Ebraico, Museo Storico della Tapezzeria “Vittorio Zironi” Villa Spada, Sistema Bibliotecario di Ateneo e Polo Culturale dei Cappuccini.

Sabato 21 settembre fino alle 22.30 si conferma anche l’apertura straordinaria di otto gallerie dell’Associazione Gallerie d’Arte Moderna e Contemporanea Confcommercio Ascom Bologna. La Serata d’autore è un omaggio ad Artelibro in forma di libri d’artista, con mostre e opere dal chiaro riferimento al libro d’arte.

Gli appuntamenti di Artelibro 2013 comprendono anche i laboratori di Artelibro

Ragazzi organizzati da Accademia Drosselmeier, Cooperativa Giannino Stoppani, Dipartimento educativo MAMbo. Non mancheranno gli eventi dedicati alla musica come Giuseppe Verdi a scuola , lezione-concerto dedicata ai bambini della scuola primaria promossa da Dipartimento delle Arti in collaborazione con Associazione culturale Il Saggiatore musicale.

Nella giornata conclusiva del Festival, domenica 22 settembre alle ore 13.30 si festeggeranno i dieci anni di Artelibro con un brindisi insieme con Philippe Daverio, già testimonial della prima edizione della manifestazione.

Artelibro Festival del Libro d’Arte è promosso da Associazione Artelibro, AIE Associazione Italiana Editori, Comune di Bologna, Provincia di Bologna, Regione Emilia-Romagna, Alma Mater Università di Bologna, ed è sostenuto da Banca Etruria, main sponsor della manifestazione, Gruppo Unipol, Coop Adriatica, Librerie.coop con il contributo di APT Servizi Emilia-Romagna e IGD e la media-partnership de Il Resto del Carlino.

Comunicazione e promozione irene.guzman@artelibro.it paola.pluchino@artelibro.it tel. 349 1250956 www.artelibro.it

Legambiente Volontariato Verona è orgogliosa di presentare la mostra Io non sono qui del fotografo Veronese, Andrea Nuvoloni. L’esposizione, approvata dalla Direzione dei Musei di Castelvecchio e patrocinata dal Comune di Verona, rimarrà aperta dal 3 al 12 Maggio e verrà inaugurata il 4 Maggio alla presenza di Lorenzo Albi, presidente di Legambiente Verona. A seguire concerto degli Ancher.

Flayer mostra

La mostra, inserita nella cornice del progetto Salvalarte di Legambiente, si augura di favorire un interesse estetico ed artistico nei confronti di luoghi nascosti e poco visitati, come la Chiesa di San Pietro Martire, e di sensibilizzare il pubblico verso la problematica del degrado di molte aree urbane. L’Ospedale psichiatrico abbandonato di Granzette (Rovigo) e l’ex-zuccherificio di San Bonifacio sono, infatti, i protagonisti di questa mostra.

Io non sono qui cattura paesaggi di memorie dimenticate, poesie evocative che Nuvoloni scatta per regalarci una riflessione sull’intimo, sulle tracce emotive che lasciamo in quei luoghi che abbandoniamo. Scarpe, fotografie, una scatola “dei tesori”, archivi abbandonati, sono tutti ritratti di vite passate. Jacques Derrida direbbe che un ritratto rispetto al viso che rappresenta ritorna, nella sua immutata permanenza, come uno spettro dal passato. È la rovina della nostra sembianza. A differenza però del ritratto, che ispira un certo narcisismo melanconico, le costruzioni, una volta create, sono destinate come il nostro corpo ad invecchiare e, se non curate, diventano cicatrici.

I luoghi abbandonati non sono solo materia ma, in quanto rovine, sono immagini capaci di proiettarci in un limbo temporale alla Ballard. Il fascino per le macerie non è nulla di nuovo. Brian Dillon nella sua “Breve storia della decadenza” definisce il nostro un tempo di macerie. L’estetica della rovina ha radici lontane nel rinascimento ma, solo con il XX secolo, staccandosi dalle melanconie romantiche, acquista ambigui e molteplici significati legati prima al trionfo e poi al crollo di utopie come quella modernista o di regimi come quello Sovietico. L’esplosione dei Buddha in Birmania, la distruzione delle due torri e la crisi economica globale con le sue costruzioni mai finite o abbandonate, ci presentano con irruenza questo problema.

L’interesse mostrato in Italia, a distanza di trentacinque anni dalla legge Basaglia, verso ex-ospedali psichiatrici abbandonati, soggetto prevalente nella mostra, è un esempio nazionale di estetica delle rovine del XXI secolo. Vari sono i significati e i soggetti analizzati. Alcuni progetti accentuano con la post-produzione l’aspetto spettrale, mentre altri, focalizzandosi sui materiali ospedalieri, sembrano denunciare lo spreco o la malagestione che ha seguito l’abbandono di queste strutture. In questi scatti di Nuvoloni, cui bianco e nero dona una patina melanconica, prevale l’umanità assente. Ci sono i traumi, i dolori e le speranze di quelli che hanno vissuto una volta in quei luoghi. Tra le macerie, però ci auguriamo che si possano trovare anche gli elementi per immaginare il futuro.

BIOGRAFIE

Legambiente, con il progetto Salvalarte ha un duplice obiettivo: da una parte, segnalare le emergenze monumentali più a rischio e promuovere una campagna di sensibilizzazione per attivare i meccanismi per il loro recupero. Dall’altra far conoscere, promuovere e valorizzare anche quei beni culturali cosiddetti “minori”, al di fuori degli itinerari turistici tradizionali e sconosciuti al “grande pubblico”, ma non per questo meno importanti.

In accordo con il Comune di Verona, Direzione Musei d’Arte e Monumenti e con l’aiuto dei volontari di Legambiente è stata possibile l’apertura della Torre dei Lamberti, delle Arche Scaligere e, infine, l’apertura della chiesa gotica di San Pietro Martire.

La ricerca artistica di Andrea Nuvoloni ambisce a scomporre la realtà fotografata, a destrutturarla ed interpretarla, evidenziandone i contrasti primigeni, fatti di luci e ombre, di geometria e disordine, di vita e di morte, per fornire all’osservatore uno stimolo ad “andare oltre” l’evidenza del rappresentato e animare l’immagine ridandole la vita di cui l’otturatore l’ha privata. Nuvoloni nato a Brescia, cresce e realizza i suoi primi scatti a Verona, dove ancora oggi vive svolgendo la professione d’avvocato. Tra i premi più recenti vinti dal fotografo ci sono il BLACK AND WHITE SPIDER AWARDS (2012), finalista nelle categorie “Persone” e “Natura” e il National GeographicInternationalePhotography Contest (2010), terzo classificato nella categoria “Luoghi”.

Per informazioni – www.andreanuvoloni.com

INFORMAZIONI PER LA STAMPA
Legambiente Verona
Via Bertoni 4, Verona
Tel. 0458009686
Mail: salvalarteverona@gmail.com

Una collettiva nel segno delle donne: E-lite studiogallery di Lecce lancia un progetto artistico che si propone di rappresentare la complessità dell’essere donna nel terzo millennio.

Lecce, 8 marzo 2013 – Primo appuntamento con il progetto artistico “{her}Feel Like A Woman”, con cui ogni anno la galleria d’arte contemporanea E-lite studiogallery presenterà una mostra collettiva che, attraverso l’individuazione di un tema e di un nucleo di artiste selezionate sul territorio nazionale, proporrà al pubblico un percorso il cui intento è di restituire, attraverso l’arte, un’immagine capace di rappresentare l’identità estetica e interiore della donna nel terzo millennio.

Il progetto prende il via presentando, venerdì 8 marzo alle ore 19, la mostra collettiva “Scritto sul corpo”, che già nel titolo – evidente richiamo al bestseller della scrittrice inglese Jeanette Winterson – rivela il tema centrale, la struttura attorno a cui la mostra si compone e si dispone: “Scritto sul corpo c’è un codice segreto, visibile solo in certe condizioni di luce: quello che si è accumulato nel corso della vita si ritrova lì”.

Elisa Anfuso, "Tutti giù per terra", 2013. Olio su tela, 100x80 cm.

Questo il fil rouge che si dipana lungo il percorso espositivo attraverso il mondo del ricordo e dei legami dipinto da Elisa Anfuso e l’enigmatica dissolvenza della pittura di Anna Caruso, il racconto estatico e carnale dei quadri di Jara Marzulli e le immagini ironiche delle donne ritratte da Vania Elettra Tam, le contraddizioni dello spirito e del corpo della scultura e della grafica di Silvia Faieta e l’incontenibile innocenza e gli scenari camaleontici di quelle di Natascia Raffio, fino alle figure di Ilaria Margutti, simbolicamente ricamate per rappresentare le trame della nostra esistenza.

Sette talentuose e giovani artiste che stanno ottenendo successo e favore di critica in ambito nazionale e internazionale e che, in un dialogo di stili e di linguaggi artistici diversi, mettono in scena un racconto emozionale che promette di lasciare il segno nel pubblico. Più di venti opere, di cui undici create appositamente per la mostra, alternano visioni e punti di vista, per analizzare la molteplicità, l’enigmaticità, la profondità del significato della corporeità, di quel desiderio dell’altro, di quello scambio e legame tra due o più “esseri” che sembra sia migrato fuori da noi, nello spazio virtuale, in quel luogo/realtà che più di ogni altra cosa, oggi, ci definisce e ci appartiene.

Nella negazione del contatto tra i corpi si determina, spesso, persino la negazione del proprio stesso corpo. Eppure, fuori e dentro la realtà virtuale, assistiamo a un rincorrersi di messaggi e immagini in cui è proprio il corpo a essere rappresentato e a rappresentare, in un ritmo assillante di muti simulacri cui noi tutti dovremmo tendere. E, in questo scenario, il corpo femminile appare sempre più come un succulento territorio di caccia per azioni di manipolazione fatte in nome di una presunta libertà conquistata che nella sostanza si rivela, invece, oggetto di un processo che conduce alla spersonalizzazione, all’indebolimento degli individui e dei loro rapporti, che diventano sempre più strumentali.

Una mostra, il cui intento è di rappresentare il corpo femminile come modo di intendere l’esistenza, come una mappa da esplorare, dall’epidermide al mistero dell’animo; un corpo espressione del linguaggio d’amore, “supporto” su cui è incisa la nostra storia. Un corpo che è identità pulsante, che è vita e che genera la vita.

La mostra, realizzata da E-lite studiogallery e promossa dal Comune di Lecce – settore Cultura, è accompagnata dal testo critico di Francesca De Filippi.

Sponsor d’eccezione: Nicolì Costruzioni; Mokaffè; Vestas Hotels & Resort; Leone de Castris, vitivinicoltori dal 1665.

Mostra collettiva di arte contemporanea

Titolo: Scritto sul corpo

Artisti: Elisa Anfuso; Anna Caruso; Silvia Faieta; Ilaria Margutti; Jara Marzulli;          Natascia Raffio; Vania Elettra Tam

Progetto a cura di: Flavia Lanza

Testo critico: Francesca De Filippi

Periodo mostra: dal 8/3/2013 al 8/4/2013

Inaugurazione: venerdì 8 marzo ore 19 | ingresso libero

Dove: E-lite studiogallery | Corte San Blasio 1c | Lecce |

Orario e giorni apertura: martedì – sabato: 9 – 12.30 e 17 – 21, domenica: 17 – 21 Lunedì chiuso. Ingresso gratuito

Andrea Battaglini, "Bookillers Anatomie di un'ipovisione"

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Info & Link: www.bnto.librari.beniculturali.it

VIEW CONFERENCE ANNUNCIA PREMI IN DENARO PER I VINCITORI DEL CONTEST 2013
www.viewconference.it

Torino, Italia (Venerdì 8 Febbraio 2013). La più importante conferenza italiana dedicata all’animazione digitale ha aperto i bandi per partecipare a quattro diversi contest: VIEW AWARD, VIEW SOCIAL CONTEST, VIEW AWARD GAME e ITALIANMIX.

– VIEW AWARD: http://viewconference.it/view-awards-2013/langswitch_lang/en/

Aperto a studenti e non studenti: le categorie del VIEW Award includono Miglior Cortometraggio, Miglior Design, Miglior Personaggio e Migliori Effetti Speciali Digitali. Tutti i partecipanti nelle varie categorie concorrono automaticamente per il VIEW Award. I vincitori saranno inseriti nella raccolta in dvd “BEST of VIEW” che verrà successivamente proposto da alcuni dei nostri importanti festival partner. I vincitori del premio principale riceveranno 2.000 Euro.

–VIEW SOCIAL CONTEST: http://viewconference.it/view-social-contest

Celebrando il potere della tecnologia al servizio della società, il contest si suddivide in quattro diverse categorie: Miglior Gioco, Migliore Art Design, Migliore Architettura, Miglior Musica. Il vincitore del premio principale riceverà 1,500 Euro.

–VIEW AWARD GAME: http://viewconference.it/view-award-game

Le categorie di questo contest sono Miglior Gioco, Migliore Art Design, Migliore Architettura, Miglior Musica. Sono ammessi progetti individuali o di gruppo per qualunque piattaforma e di qualunque formato. Il vincitore del premio principale riceverà un INTOUS5 Touch M Tablet messo a disposizione da Wacom.

(http://www.wacom.eu/index2.asp?pid=8001&lang=it)

–ITALIANMIX: http://viewconference.it/italianmix-2013
Questo contest promuove opere innovative, originali e creative di qualunque genere e in qualunque tecnica, realizzate da registi italiani oppure che abbiano l’Italia come oggetto, tema o ambientazione. Il vincitore del premio principale riceverà un INTOUS5 Touch M Tablet messo a disposizione da Wacom. I selezionati saranno anche inseriti nel programma di VIEWFest e nella raccolta in dvd “BEST of VIEW”.

Tutti i vincitori dei contest verranno annunciati nel corso di VIEW CONFERENCE 2013, in programma dal 15 al 18 ottobre. Tutti i corti che saranno selezionati verranno proiettati nel corso del nostro festival del cinema digitale, VIEWFest, che precederà la VIEW Conference dall’11 al 13 Ottobre a Torino.

Ogni anno, VIEWFest, evento internazionale ed evoluzione italiana di Resfest, celebra il cinema in 3D e l’animazione. L’appuntamento precede la VIEW Conference, che riunisce molti dei migliori professionisti nel campo degli effetti visivi, dell’animazione, del sound design, della produzione e dello sviluppodi videogiochi, che condividono le loro esperienze con i partecipanti alla conferenza.
Unisciti a noi quest’anno nella splendida città di Torino per VIEWFest, dall’11 al 13 ottobre, e per la 14^ edizione di VIEW Conference, dal 15 al 18 ottobre.

La scadenza per partecipare a tutti i contest è fissata per il giorno 15 Settembre 2013.
Visitare il sito ufficiale di VIEW Conference all’indirizzo http://viewconference.it per scaricare i form e per avere maggiori dettagli.

Face Creative Link, network creativo multidisciplinare, presenta la videoproiezione interattiva “Lux Inaccessibilis” dell’artista Nicola Evangelisti, uno dei protagonisti della Light Art internazionale

Nel contesto di Arte Fiera e in occasione di Art City White Night, Francesca Nanni di Face Creative Link, in collaborazione con Olivia Spatola, presenta nel chiostro della Basilica di San Domenico a Bologna la mostra-evento “Lux Inaccessibilis” di Nicola Evangelisti, in collaborazione con Fabio Bozzetto, scenografo e videomaker.

Lux Inaccessibilis si ispira al Crocefisso della Basilica di San Domenico, celeberrima opera del Maestro Giunta Pisano, riconosciuto dalla critica come il primo pittore italiano a rinnovare nella prima metà del Duecento l’iconografia tradizionale della croce ricercandone un nuovo schema di raffigurazione.

Partendo dall’opera del maestro Pisano, Nicola Evangelisti realizza un’evoluzione della croce in chiave contemporanea, riprendendone la struttura geometrica, rielaborandola con l’utilizzo della grafica digitale ed ottenendo una suggestiva sintesi strutturale. Una croce di luce, proiettata sull’esterno dell’abside del chiostro, che varia di forma e colore in tempo reale per mezzo di tecnologie digitali ed in base alle frequenze sonore ambientali.

In Lux Inaccessibilis la ricerca della sacralità si esprime attraverso la luce, le proporzioni geometriche e la perfezione dei rapporti matematici dell’immagine.

La luce dell’opera è “vera luce” e non più simbolo o rappresentazione pittorica e, all’interno di un luogo di culto, diventa LUX impalpabile ed inaccessibile.

La video proiezione interattiva rispetta lo spazio del chiostro, valorizzandolo e trasformandolo in maniera effimera come fosse un affresco digitale, una nuova pelle elettronica e dinamica che si sovrappone all’architettura storica.

Sonorità medioevali reinterpretate in chiave contemporanea e realizzate dal sound designer Jan Maio, interagiscono con l’opera Lux Inaccessibilis fino a fondersi con essa in un unicum multimediale.

La mostra si svolge all’interno del Chiostro della Basilica di San Domenico a Bologna, luogo di grande valore storico e culturale, normalmente chiuso al pubblico e che solo per questo evento si apre alla città.

Inaugurazione: Venerdì 25 gennaio 2013 ore 18,00

Apertura al pubblico per Art City White Night: 26 gennaio 2013 dalle ore 18,00 alle ore 24,00

Chiostro di San Domenico – Piazza San Domenico, 13 – Bologna

Rosario Antoci, "Ho ancora bisogno del tuo sguardo", 2007

Una mostra che, chiarisce il curatore, mediante il coinvolgimento di artisti eterogenei per i media adoperati ma accomunati, al contempo, da alcune specificità “crea un’area di confronto in cui il soggetto del ritratto approda alla sospensione linguistica dove i tratti identitari o psichici, la somiglianza e lo sguardo hanno a che fare con l’assenza, la distanza e la deflagrazione dell’immagine Le tracce evolutive del portrait suggeriscono una parziale ma luminosa chiave di lettura della percezione dell’esistenza attuale. “Portrait X” è da intendersi come l’unione di un campo o modalità definita, quale appunto quella del ritratto, insieme con la sua incognita (X), “un dispositivo che unisce la sperimentazione alla pittura, il linguaggio fotografico alla realtà circostante, la forma scultorea all’astrazione”, in modo che il campo stesso viene “depurato da assillanti e inutili differenziazioni tra gli approcci considerati tradizionali e quelli contemporanei”.

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Info & link:

Date: 22 dicembre 2012 – 22 gennaio 2013

Location: Galleria Clou, Piazza San Giovanni, Ragusa, ore 19

Tel: +39 3311221448 | Fabiana Bellio: +39 3409641564

Autori e opere in mostra: Rosario Antoci /Ho ancora bisogno del tuo sguardo, 29×29 cm, mixed media, 2007-2012;

Nikos Arvanitis / Bang, installation, legno, pittura, dimensioni variabili, 2011;

Alessandro Bulgini / Ecchecazzo ho fatto di tutto per adeguarmi alle esigenze del secolo, pastello a cera acquerellabile e acrilico su carta, 200×150 cm, 2011;

Gianluca Capozzi / Sleep 02, acrilico liquitex su lino,101×60 cm, 2011;

Gaetano Longo / Unknow disturb #3-#4, olio su tela, 2011;

Giacomo Rizzo/ Sono sportivo, multipli in resina, dimensione variabile, 2011;

Oriana Tabacco / Le vite degli altri, installazione fotografica, 20×30 cm, 2009;

Manlio Sacco / Verde, olio su tela, 100×100 cm;

Zafos Xagoraris / The Sound of Acre – Avenida Rio Branco, stampa lambda, 35×50 cm, 2006;

Alice Suma / Der Panther, video colore, 00:01:11, 2010;

Dal 30 novembre 2012 al 3 Maggio 2013 presso Zeta Studio – Via Bisignano, 59 Napoli

Vernissage 30 novembre 2012, ore 19,30 – solo su invito/accredito

Visi di donne, corpi femminili distesi nei boschi, radiografie in bianco e nero in contrasto con foglie e fiori colorati, fili di ferro a creare forme sospese. Fisicità e immaterialità. Colore e bianco. Il corpo e i suoi contrasti tra reale e mentale. Trasparenze e opacità.

I sette artisti protagonisti della 2seconda fermata napoletana di Divieto di affissione. Giovani avanguardie del sud del mondo, danno vita ad una riflessione sulla corporeità, partendo da materiali eterogenei come fil di ferro e plexiglass e impiegando tecniche diverse tra loro come fotografia, pittura, disegno e installazioni.

Francesca Manetta, "The Dying Swan".

Gema Ruperez Alonso, Barbara Bonfilio, Dario De Cristofaro, Francesca Manetta, Monticelli & Pagone, Antonella Romano, Stella Tasca, sono tutti giovani artisti del Sud: il Sud d’Italia, d’Europa; un Sud che non risponde ad una collocazione geografica, ma che è diventato soprattutto un vero e proprio stile di vita.  Sette artisti del Sud che, seppur con esperienze diverse alle spalle e con diverse tipologie di approccio all’arte, hanno accettato l’invito della galleria Numen di Benevento e della sua curatrice Giuliana Ippolito, da sempre al lavoro per offrire una vetrina ai giovani talenti, a confrontarsi e a interrogarsi sulle idee di materialità e spazialità.

In Divieto di affissione, infatti, la riflessione sul corpo si fa opera d’arte e cerca un suo spazio. Uno spazio che non sia costrittivo, monotono ed elitario, come può esserlo lo spazio di una sala museale, ma quotidiano e lavorativo. Uno spazio di confronto e scambio capace di trasformare in altro l’opera stessa. Per questo motivo, anche la 2seconda fermata di Divieto di affissione. Giovani avanguardie del sud del mondo, si svolgerà in uno studio professionale come già successo per la prima fermata inaugurata nel luglio del 2011 a Roma, presso lo Studio legale di Diritto amministrativo del Prof. Gennaro Terracciano, in Largo Arenula, 34, e per il primo appuntamento a Napoli nel dicembre dello stesso anno, evento ancora in corso presso lo Studio di architettura e risorse umane Koan Russo di Pierluigi Russo sito in via Crispi, 30 il cui finissage è previsto per l’11 gennaio 2013 alle ore 19,30.

Dal 30 novembre 2012 la seconda tappa napoletana sarà ospitata dallo Zeta Studio degli architetti Giuliano Andrea Dell’Uva e Francesca Faraone, con sede a Via Bisignano, 59.

Zeta Studio nasce nel 2005 da un’idea di Giuliano Andrea Dell’Uva e Francesca Faraone. Con sedi a Napoli e Capri, lo studio, al quale collabora un team di giovanissimi esperti, si occupa di ogni aspetto del mondo dell’architettura e del design, con grande attenzione all’innovazione e all’estetica. www.zstudioarchitetti.it

La galleria Numen Arti Contemporanee, situata nel centro storico di Benevento, è stata fondata nel 2008 da Giuliana Ippolito con l’idea di farne uno spazio diffuso per l’arte, un luogo in cui esterno e interno non siano contrapposti tra loro, ma anzi in completa continuità. Uno spazio in cui ospitare soprattutto le opere di giovani talenti dell’arte e gli artisti stessi, come dimostra il progetto di inaugurare nel 2013 una residenza per artisti stranieri nelle immediate vicinanze della galleria. Dal 14 dicembre 2012 al 15 febbraio 2013, Numen ospiterà la personale dell’artista Stella Tasca dal titolo Belly Blue Party il cui vernissage è previsto per il 14 dicembre alle ore 19. La galleria è sita in Vico Noce, 20/22/33 ed è aperta il martedi, mercoledi, giovedi e venerdi dalle ore 11 alle ore 13 e sempre su appuntamento prenotando al numero: 3387503300. www.numen.it

Giuliana Ippolito è nata a Napoli ma vive e lavora a Benevento. Iscritta all’albo nazionale dei giornalisti professionisti, è Art Director della galleria Numen.

La mostra Divieto di affissione può essere visitata tutti i giorni in orario di ufficio previa prenotazione, contattando Zeta Studio al numero 081 0382168.

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Info & link:

Ufficio stampa Subcava Press & Promo

subcavapress@gmail.com

Antonella Ciliberti 3476038458

Sarah Manocchio 3402352415

Si parte con Moni Ovadia e il suo Cabaret Yiddish, si prosegue con Musica Nuda, il celebrato duo di Petra Magoni e Ferruccio Spinetti e si va avanti sino a Marzo con tante proposte molto varie e tutte di qualità: giovani talenti della musica classica come Gloria Campaner, Alessandro Marino e il Lyskamm Quartet… una serata con strumenti d’epoca (le intriganti sonorità dell’harmonium-celesta di Claudio Brizi), l’eleganza elettronica di Alva Noto; un premio di composizione jazz dedicato a Thelonius Monk con Fabrizio Bosso e la MagmArtOrchestra diretta da Paolo Sorge; due grandi voci siciliane: Miriam Palma con un quartetto di straordinari solisti, il nuovo progetto di Rita Botto con la Banda di Avola; Musica Antiqua Latina con l’esclusivo programma “dalla Turchia a Roma nel XVI e XVII secolo”; torna Nazzareno Carusi per un “Movie Concert” con le immagini di Chaplin e Rossellini e infine un grande classico del XX secolo, Drumming di Steve Reich interpretato dai Percussionisti del Conservatorio di Palermo. Fuori programma le raffinate canzoni d’autore di Cristina Donà.

Info e abbonamenti
Associazione Musicale Etnea
dal lunedì al venerdì 9.00/12.00
via Museo Biscari, 10 Catania – Tel. 095 321252

info@ame.ct.it
www.ame.ct.it

Hermann Alexander Beyeler, collezionista svizzero di nobili origini (suo nonno era figlio illegittimo dello zar russo Alessandro III), apre la sua prima galleria personale a Lucerna nel 2005; la collezione viene poi spostata nel nuovo Anaxo, edificio della zona industriale di Buss-Pratteln, inaugurato il 17 dicembre 2010. Ad oggi è presidente del Kunst-und Kultrum Zentrum di Littau-Luzern.

La mostra si apre con una sala dedicata all’artista Viatcheslav Kalinin, i cui primi amori sono stati i lavori di Picasso, Kandinsky, degli espressionisti tedeschi e di altri artisti all’inizio del 20° secolo, dai quali trae una profonda ispirazione.

Si passa poi ad altre due stanze allestite con le opere di Dmitry Sandjiev, il cui lavoro grafico è strettamente legato alla storia di Kalmikia (sua regione natia) e si sviluppa attraverso l’uso della matita e della grafite come mezzo per esprimere movimento e profondità fino a diventare un tutt’uno con la natura.

Segue uno spazio dedicato agli artisti svizzeri della collezione: Joseph Beuret e Paula Beyeler. Quest’ultima, attraverso i suoi dipinti, esprime un’autenticità senza pari, una fantastica capacità creativa ed evocativa piena di vitalità.

A seguire ci sono le tele di Alex Doll, giovanissimo artista russo, il quale comincia ad esporre nel 2009 e l’anno successivo ottiene la sua prima personale.

Alla fine del percorso troviamo l’artista Jan Janczak. Le sue opere, attraverso composizioni e colorazioni luminose, si presentano come inni alla femminilità, riducendo all’essenziale le scene laterali che potrebbero distrarre lo sguardo del visitatore.

In gran parte degli spazi della mostra inoltre vi sono disposte sculture di Dmitry Tugarinoff, presenze a volte silenziose e discrete, a volte invadenti, che accompagnano il visitatore durante il percorso espositivo.

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Sede: Palazzo Bembo – Riva del Carbon 4793 – Venezia
Date: 25.6.2012 al 4.8.2012
Orari: Tutti i giorni escluso il martedì, ore 10-18
Biglietti: ingresso libero
Info: http://www.palazzobembo.org | http://www.facebook.com/palazzobemboart

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La mattina (h. 9/13) al Castello di Acaya, artisti e intellettuali s’incontrano alla tavola rotonda, attorno all’opera di Pistoletto.

Arte contemporanea: una mostra e un incontro sul destino del Mediterraneo

Il Salento da finis terrae a osservatorio privilegiato sul futuro del Mare Nostrum

Sette artisti internazionali selezionati da Ludovico Pratesi documentano disagi e aspettative di quest’area “calda” del pianeta.

Gagliano del Capo ( Le) 12 luglio ’12 – Mediterraneo: incontri o conflitti? Ideata e organizzata da Capo d’Arte e dal curatore Ludovico Pratesi – in accordo con il Comune di Gagliano del Capo e la Provincia di Lecce -  si compone di una mostra e di una tavola rotonda. E’ l’appuntamento d’apertura del programma “Fineterra” della Provincia di Lecce per l’estate 2012.

La mostra “Mediterraneo: incontri o conflitti” che inaugura il 28 luglio alle 20, vede la partecipazione di 7 artisti internazionali, provenienti dall’area geopolitica interessata.

Michelangelo Pistoletto, “Love Difference”. Installazione polimaterica.

La mattina al Castello di Acaya (Vernole) antica fortezza d’epoca aragonese, si terrà la tavola rotonda aperta al pubblico. Artisti e intellettuali discuteranno attorno al tavolo Love difference a forma di Mediterraneo, opera di Pistoletto. Si parlerà del futuro dell’ Area interessata a repentini e inattesi cambiamenti politici, economici, sociali, culturali.

Prenderanno parte all’incontro Michelangelo Pistoletto, Fulco Pratesi, Stefano Bartezzaghi, Duilio Giammaria, Monica Maggioni, Edoardo Winspeare, il Sottosegretario Staffan De Mistura, l’ambasciatore Ettore Sequi, l’economista Elena Carletti, gli artisti Rossella Biscotti, Pascal Hachem, Adrian Paci.

Il Salento, una vera finis terrae, si configura geograficamente come ideale osservatorio rivolto verso i Balcani, il Medio Oriente e il Nord Africa.

Prendendo spunto dalle opere d’arte, simboli di una rinascita consapevole, i relatori affronteranno i temi che l’attualità pone, e cercheranno di capire  come l’arte possa gettare luce nuova sul presente.

Le opere saranno esposte negli ambienti decadenti e ricchi di fascino di Palazzo Gargasole a Gagliano del Capo dal 28 luglio al 26 agosto 2012 (ingresso libero tutti i giorni h.20/ 24 )

Sculture e video, di Rossella Biscotti, Kader Attia, Sislej Xhafa, Ahmet Ogut, Pascal Hachem , Adrian Paci, Moataz Nasr, scelti per documentare il disagio e le aspettative della gente in questa delicata fase storica e per immaginare una possibile rinascita consapevole. Il tavolo Love Difference resterà al Castello di Acaya per tutto il periodo.

Capo d’Arte dal 2010 promuove l’Arte Contemporanea nel Salento. Ne fanno parte quattro professionisti,  Francesca Bonomo, manager culturale, Tiziana Frescobaldi, esperta di comunicazione e giornalista, Francesco Petrucci, curatore di un’importante casa d’aste, Mirko Pozzi, architetto.  Capo d’Arte si avvale della collaborazione di Ludovico Pratesi, critico d’arte del Venerdì di Repubblica. Per il terzo anno consecutivo Capo d’Arte organizza un importante mostra a Gagliano del Capo. Nell’estate 2011 ha realizzato la mostra Illuminazioni ,  con 7 artisti che hanno lavorato sul rapporto fra lo spazio e la luce.

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Info & link:

Tiziana Frescobaldi | Cell. 348 7283742 | Tiziana.Frescobaldi@gmail.com | www.capodarte.info

Silvia Palermo | Tel. +39 06 98968055 | Silvia.Palermo@quattrozeroquattro.com | www.quattrozeroquattro.com

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[Hermann Hesse]

“A porte chiuse” è il nuovo progetto di Claudio Cavallaro che sarà ospitato alla Galleria Clou durante questa stagione estiva. Si tratta di un’istallazione circolare di grande effetto che si estende lungo tutto il perimetro della sala principale.

“Tree/Resurrection” è l’immagine poetica della rinascita. Come una fenice, nota per la sua capacità di poter rinascere dalle proprie ceneri dopo la morte, un tronco d’albero appassito si appresta a ricevere una nuova vita.

Claudio Cavallaro, "Tree Resurrection", particolare del progetto preparatorio.

Al centro della galleria, infatti, la radice di un albero, con ancora annessa una piccola parte del tronco, riposa su un letto di cenere. Su alcuni punti carbonizzati della radice si posano delle farfalle dipinte con polvere di carbone, come se nascessero da quelle stesse ferite. I colori delle bruciature sulla radice si confondono con quelli delle farfalle. Dal tetto pendono dei cavi neri che sorreggono alcune lampade Wood che rimandano all’immagine di una corona. L’installazione avrà una duplice visione, “bianca” e “nera”, dovuta all’alternanza tra luce naturale e Black light. Questa luminosità instabile, da una parte accentua la forza del lavoro stesso, dall’altra, drammatizza un contrasto, rimandando alla precarietà della vita, ma anche alla sua tenacia. E’ proprio durante i momenti più oscuri che emerge il mistero dell’esistenza. Le lampade emanano una luce blu/nera che si va riflettendo sui diversi oggetti in maniera differente. La radice, dipinta con una resina fluorescente trasparente, diventa di colore blu ghiaccio, mentre le farfalle assumono una tonalità giallo fosforescente. Sul letto di cenere compaiono, come delle ombre, i prolungamenti di alcune radici dipinte anch’esse con resina fluorescente.

Un senso di sacralità perduta percorre tutta la produzione di Claudio Cavallaro, la cui ricerca si fonda sui concetti di risurrezione, trascendenza, cambiamento e trasformazione.

BIOGRAFIA

Claudio Cavallaro nasce il 7 luglio del 1976 a Siracusa, dove vive e lavora.

Nel suo lavoro, Cavallaro utilizza vecchi oggetti in disuso o abbandonati ed elementi organici su cui interviene cercando di far emergere una possibile nuova vita: una resurrezione intesa come trasformazione in qualcosa d’altro. Egli indaga, infatti, la possibilità di fornire un’anima a ogni opera, rendendola in grado di trasmettere un proprio messaggio a chi le vive. Il lavoro racchiude in sé una serie di simboli e significati più o meno nascosti o chiari. Quasi tutti i materiali, le quantità e pure ogni fase produttiva non sono casuali, ma servono a rafforzare l’essenza dei suoi lavori. L’utilizzo di materiali luminosi, di pigmenti, di colori fluorescenti e fosforescenti e luce di Wood servono sia a rafforzare l’aspetto estetico delle opere, favorendone in qualche modo anche la trasmissione, sia a indagare l’idea di osservazione delle cose e degli eventi da punti di vista e condizioni di visione differenti.

A porte Chiuse, contributo performativo di Sara Petrolito.

Col corpo completamente “flou”, Sara Petrolito interagisce con gli sguardi a distanza del pubblico delimitato dietro le vetrate all’esterno dello spazio espositivo della Galleria. Tale effetto, creato grazie a un apposito cerone, le permette di riflettere come se fosse essa stessa luce. Questo nuovo lavoro performativo si ricollega alla filosofia esistenzialista di Sartre nella quale lo scrittore analizza il tema dell’”altro” come elemento essenziale per conoscere il proprio sé.

Cavallaro e Petrolito hanno, inoltre, collaborato insieme al fine di creare un’originale traccia sonora basata sul suono delle piante.

Informazioni:

Galleria Clou_Circolo d’arte contemporanea – P.za San Giovanni 33 – Ragusa

Vernissage: 20 luglio 2012, ore 20.00

Titolo della mostra: “A porte chiuse“

Titolo Installazione: T./R. (Tree/Resurrection)

Artisti: Claudio Cavallaro. Contributo performativo di Sara Petrolito.

Curatrice: Cecilia Freschini

Periodo: 20 luglio – 6 settembre 2012

Visibile 24h al giorno tutti i giorni o su appuntamento.

Contatti

www.galleriaclou.it

e-mail info@galleriaclou.it

mobile +39 331 1221448

Comunicazione, Relazioni Pubbliche e Media Relations

Giovanni Scucces
mobile +39 338 1841981

skype giovanni.scucces
e-mail giovanni.scucces@gmail.com

Joseph Kosuth, “Neon”, 1965. Installazione polimaterica.

Negli ampi spazi della Sala Enel saranno in mostra circa settanta opere di più di cinquanta artisti per illustrare l’utilizzo del neon dagli anni Quaranta ad oggi.
Si inizia con Gyula Kosice, pioniere degli anni Quaranta-Cinquanta, si prosegue poi con artisti come Pier Paolo Calzolari, François Morellet, Maurizio Nannucci e Grazia Varisco per documentare l’evoluzione avuta negli anni Sessanta e Settanta; le opere di Dan Flavin, Joseph Kosuth, Mario Merz e Bruce Nauman e altri testimoniano gli anni Ottanta e Novanta, fino ai contemporanei Tracey Emin, Claire Fontaine, Piero Golia, Jason Rhoades, Pascale Marthine Tayou, Vedovamazzei.
Il termine neon deriva dalla parola greca “neos” (nuovo) ed indica un elemento chimico della famiglia dei gas così detti nobili. Inodori e incolori, questi gas producono sotto pressione una luce colorata, quando vengono attraversati da un campo elettrico. Esattamente cento anni fa, nel 1912 il fisico e chimico francese Georges Claude sviluppa il primo tubo a neon. Pochi anni dopo, nel 1923 Claude ottiene il brevetto negli Stati Uniti e vende le due prime insegne luminose alla compagnia Packard.
Il neon in appena trent’anni dalla sua invenzione, è passato da uno stato di pura scoperta scientifica, destinata ad un uso urbano e commerciale, ad una vera e propria “materia dell’arte contemporanea”.
Nel 1946 Gyula Kosice utilizza per la prima volta il neon nell’opera Structure luminique Madi, seguito da Lucio Fontana che in occasione della Triennale di Milano del 1951 presenta la prima opera d’arte realizzata completamente con il neon, Struttura al Neon, una scultura luminosa sospesa.
Agli inizi degli anni Sessanta in Francia, in Grecia e negli Stati Uniti artisti come François Morellet, Stephen Antonakos, Bruce Nauman e Keith Sonnier cominciano ad usare il neon nelle loro opere plastiche e performance.
Allo stesso tempo, Dan Flavin inizia ad impiegare un tipo specifico di lampada, un tubo fluorescente prodotto in maniera industriale, nei suoi lavori. Le opere di quest’epoca hanno come denominatore comune il carattere astratto.
Nella metà degli anni Sessanta il neon assume dei significati linguistici con le “tautologie” di Joseph Kosuth e, qualche anno dopo, tramite le prime “scritture” di Maurizio Nannucci che realizza parole e frasi, associando colore, segno e significato, mentre Mario Merz e Pier Paolo Calzolari integrano scritte o cifre in neon nelle loro installazioni.
Il progetto espositivo, che esplora il concetto di luce ed energia nel linguaggio dell’arte, verrà realizzato con il sostegno di Enel. Con questa scelta, l’azienda riconferma il proprio sostegno all’arte e alla cultura nelle sue diverse forme ed espressioni.
Il MACRO collabora infatti da tre anni con l’azienda, che ha scelto di sposare il linguaggio dell’arte, in primo luogo attraverso l’ideazione del progetto Enel Contemporanea e poi lavorando a fianco di importanti istituzioni a beneficio della collettività.
Enel celebra quest’anno i suoi primi 50 anni, una tappa importante nel percorso di un’azienda che ha contribuito a fare la storia d’Italia. Mantenendo sempre un legame molto forte con il proprio passato e la propria tradizione, Enel è allo stesso tempo rivolta al futuro e alle nuove sfide dell’energia. Anche per questo ha scelto di avvicinarsi al mondo dell’arte contemporanea, per la sua capacità di esprimere e trasmettere i valori di innovazione, attenzione all’ambiente e internazionalità che oggi costituiscono le tre direttrici fondamentali su cui si gioca la sfida di un futuro sostenibile e che in questo momento ben rappresentano il percorso di sviluppo di Enel.

Artisti in mostra (selezione):
Jean-Michel Alberola (nato nel 1953 a Saïda, Algeria)
Stephen Antonakos (nato nel 1926 a Laconia, Grecia)
John Armleder (nato nel 1948 a Ginevra, Svizzera)
Olivo Barbieri (nato nel 1954 a Carpi, Emilia-Romagna)
Massimo Bartolini (nato nel 1962 a Cecina, Toscana)
Jean-Pierre Bertrand (nato nel 1937 a Parigi, Francia)
Pierre Bismuth (nato nel 1963 a Neuilly-sur-Seine, Francia)
Stefan Brüggemann (nato nel 1975 a Mexico City, Messico)
Marie José Burki (nata nel 1961 a Bienna, Svizzera)
Pier Paolo Calzolari (nato nel 1943 a Bologna)
Claire Fontaine (collettivo fondato nel 2004, attivo a Parigi)
Martin Creed (nato nel 1968 a Wakefield, Regno Unito)
Cédric Delsaux (nato nel 1974 a Parigi, Francia)
Laddie John Dill (nato nel 1943 a Long Beach, California, USA)
Tracey Emin (nata nel 1963 a Croydon, Regno Unito)
Spencer Finch (nato nel 1962 a New Haven, Connecticut, USA)
Dan Flavin (nato nel 1933 a Jamaica, Queens, New York, USA e morto nel 1996 a Riverhead, New York, USA )
Michel François (nato nel 1956 a Saint-Trond, Belgio)
Piero Golia (nato nel 1974 a Napoli)
Douglas Gordon (nato nel 1966 a Glasgow, Scozia)
Laurent Grasso (nato nel 1972 a Mulhouse, Francia)
Shilpa Gupta (nata nel 1976 a Bombay, India)
Christian Jankowski (nato nel 1968 a Göttingen, Germania)
Gyula Kosice (nato nel 1924 a Košice, Slovacchia)
Joseph Kosuth (nato nel 1945 a Toledo, Ohio, USA)
Piotr Kowalski (nato nel 1927 in Polonia e morto nel 2004 a Parigi, Francia)
Sigalit Landau (nata nel 1969 a Gerusalemme, Israele)
Bertrand Lavier (nato nel 1949 a Châtillon-sur-Seine, Francia)
Glenn Ligon (nato nel 1960 nel  Bronx,  New York, USA)
Adam McEwen (nato nel 1965 a Londra, Regno Unito)
Mario Merz (nato nel 1925 a Milano e morto nel 2003 a Torino)
François Morellet (nato nel 1926 a Cholet, Francia)
Andrea Nacciarriti (nato nel 1976 a Ostra Vetere, Marche)
Maurizio Nannucci (nato nel 1939 a Firenze)
Bruce Nauman (nato nel 1941 a Fort Wayne, Indiana, USA)
Fritz Panzer (nato nel 1945 a Judenburg, Austria)
Anne e Patrick Poirier (nata nel 1941 a Marsiglia, nato nel 1942 a Nantes, Francia)
Fernando Prats (nato nel 1967 a Santiago del Cile, Cile)
Riccardo Previdi (nato nel 1974 a Milano)
Delphine Reist (nata nel 1970 a Sion, Svizzera)
Jason Rhoades (nato nel 1965 a Newcastle, California, USA e morto nel 2006 a Los Angeles, California, USA)
Pietro Roccasalva (nato nel 1970 a Modica, Sicilia)
Jamie Shovlin (nato nel 1978 a Leicester, Regno Unito)
Keith Sonnier (nato nel 1941 a Mamou, Louisiana, USA)
Pascale Marthine Tayou (nato nel 1967 a Yaoundé, Camerun)
Massimo Uberti (nato nel 1966 a Brescia)
Grazia Varisco (nata nel 1937 a Milano)
Vedovamazzei (collettivo fondato nel 1991, Italia)

Roma, aprile 2012

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Info & link:

a cura di David Rosenberg e Bartolomeo Pietromarchi
21 giugno – 4 novembre 2012
MACRO – Museo d’Arte Contemporanea Roma, Sala Enel – via Nizza, 138
Main sponsor: Enel

Consulta degli Studenti – Progetto autogestito

News from Nowhere

un progetto di Pietro Gaglianò con Ennio Celli, Gaia Cristofaro, Stefano Giuri, Matteo D’Alessandro, Davide D’Amelio,

Martin Leon, Irene Lupi, Gabriele Mauro, Mona Mohagheghi, Aryan Ozmaei, Daniela Pitrè, Veronica Posth, Manuela Ruga, Sanaz Sedighi, Jonida Xherri, Aleksandra Zurczak

opening mercoledì 20 giugno ore 18.30

SRISA Project Space

News from Nowhere è un progetto di Pietro Gaglianò, fortemente voluto, organizzato e gestito dalla Consulta degli Studenti dell’Accademia di Belle Arti di Firenze, per concretizzare un’esperienza delle dinamiche artistiche e curatoriali fuori dagli steccati protettivi dell’istituzione formativa.

In deroga rispetto alla prassi dell’esposizione costruita attraverso la selezione di lavori già realizzati, il progetto è stato strutturato come un cantiere per il confronto sui linguaggi dell’arte e di analisi dei processi della creazione, un laboratorio all’interno del quale sviluppare le visioni che portano alle opere presentate nella mostra finale.

Particolare invito mostra.

Il titolo cita il romanzo di William Morris che nel 1890 affrescava una società utopica in grado di funzionare senza economia di mercato e fondata sul principio che la felicità individuale sia un elemento portante per la stabilità della civiltà. Il futuro immaginato da Morris è stato rimpiazzato dai totalitarismi del Novecento e dalle plutocrazie del nuovo millennio. Ma l’ispirazione del suo pensiero introduce un ricco spazio di riflessione sulla responsabilità dei singoli in seno alla collettività, e segnatamente sul ruolo degli artisti e dell’arte nella società contemporanea.

I partecipanti al laboratorio (individuati, dopo numerosi incontri con gli studenti dell’Accademia, sulla base dell’inclinazione per pratiche partecipate e per la sensibilità al rapporto tra arte e sfera pubblica), hanno dato vita a un’intensa discussione sulle proprie prospettive, sulle relazioni con il sistema dell’arte, sulla capacità di sottoporre sè stessi e il proprio lavoro a una profonda revisione critica. Le opere in mostra sono nate da questo confronto, e si esprimono attraverso i linguaggi prescelti dagli artisti coinvolti, dalla pittura e dalla fotografia a codici più sperimentali. Tutti i lavori sono stati realizzati espressamente per lo spazio che li accoglie, e concepiti come tappe, fasi intermedie, tra gli infiniti, possibili passaggi lungo il percorso di continua interrogazione sulla realtà che l’arte impone all’autore e al pubblico.

Il cantiere si è svolto tra i locali dell’Accademia di Belle Arti e lo spazio espositivo, SRISA Project Space, messo a disposizione dalla Santa Reparata International School of Art.

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Info & link:

News from Nowhere
opening mercoledì 20 giugno ore 18.30
dal 20 giugno al 5 luglio
lun-sab 17.00-20.00

un progetto di Pietro Gaglianò
con gli Studenti dell’Accademia di Belle Arti di Firenze
SRISA Project Space
(Santa Reparata International School of Art)
Via Santa Reparata 22r, Firenze, Italia
055-4627374, gallery@srisa.org
www.santareparata.org/gallery

Monica Zanfini
Comunicazione Ufficio Stampa-Eventi
Via dell’Osservatorio 36 – 50141 Firenze
055 452567, 338 8060156, monicazanfini@alice.it

SONDE – New Media Art, la quattro giorni che avrebbe dovuto svolgersi dal 19 al 22 giugno in alcune location della città di Bologna, sarà prorogata nell’ottica di ridefinizione del progetto, ideato dal DAV (Dipartimento delle Arti Visive dell’Università di Bologna) in collaborazione con l’Associazione Boart e l’Associazione ARTYPE.

La rassegna sarà infatti ampliata e arricchita di nuove collaborazioni artistiche, coerentemente con l’intento dei promotori di superare le obsolete divisioni e classificazioni della produzione artistica contemporanea (video arte, performance, manufatto artistico, pittura, scultura, arte ambientale, sound art, ecc.), adottando invece il concetto di New Media Art, forti dell’idea che le nuove sinergie creative passino oggi, necessariamente, attraverso l’interconnessione globale. SONDE – New Media Art mantiene dunque la sua vocazione di “osservatorio” sulla sperimentazione contemporanea; resta inalterato anche il format di DRAFT.02 – Performing Videoart and Music, Main Event della kermesse, che sarà riproposto non appena definita la programmazione.

Come spiega la direzione: “Proprio per la qualità e il carattere innovativo dei suoi contenuti, apprezzati tanto dalle istituzioni locali, quanto dai numerosi Partner coinvolti nell’iniziativa, abbiamo pensato che un progetto come SONDE non possa estinguersi in una quattro giorni durante l’estate bolognese, nell’ambito del già ricco cartellone di appuntamenti che affollano la città nei mesi di giugno e luglio. Le potenzialità espressive offerte dal “contenitore” sono innumerevoli, e intendiamo accoglierle e svilupparle durante tutto l’anno, come già fatto in questi primi mesi di lavoro”. Una riflessione dettata anche dal successo riscontrato nel corso della campagna promozionale e le iniziative di anteprima dell’evento, fra cui ricordiamo: la conferenza stampa di presentazione in Arte Fiera (gennaio 2012); il concerto dei Parsec con visual live di Audrey Coïaniz, in occasione di UNIVERCITY – Expo Città per gli studenti e al Numa Restaurant per l’Official Party (8-9 febbraio 2012); l’Aucan Release Party al TPO di Bologna (11 maggio 2012), in collaborazione con la Virus Concerti, La Tempesta, La Repubblica XL e l’Università di Bologna.

SONDE- New Media Art non avrebbe la possibilità di crescere senza il supporto, l’affiancamento costante, l’impegno, la competenza e il contributo prezioso di tutti coloro che hanno lavorato e continuano a lavorare assiduamente alla sua realizzazione. Un ringraziamento particolare va all’Università di Bologna, al DAV e alla media partnership del mensile La Repubblica XL, alle Istituzioni del territorio che hanno accolto e incoraggiato l’iniziativa (il MAMbo, Arte Fiera e la Fondazione Cineteca di Bologna), ai video artisti (Yuri Ancarani, Anita Calà, Luca Coclite, Audrey Coïaniz-Saul Saguatti, Cuoghi Corsello, Andrea Dojimi, Marco Morandi, Gabriele Pesci, Daniele Pezzi, Giovanna Ricotta, Natalia Saurin e Diego Zuelli) e alle Band coinvolte nell’evento DRAFT (Teatro degli Orrori, Aucan, Parsec).

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Info e link: www.sondefestival.it | info@sondefestival.it

Ufficio stampa: Culturalia di Norma Waltmann, Agenzia di comunicazione, Bologna – Vicolo Bolognetti 11 | tel : +39-051-6569105 | fax: +39-051-2914955 | mob: +39-392-2527126 | email: info@culturaliart.com | web: www.culturaliart.com

]]> http://www.artkernel.com/?feed=rss2&p=6559 0 http://www.artkernel.com/?p=6419 http://www.artkernel.com/?p=6419#comments Wed, 22 Feb 2012 12:27:27 +0000 Redazione http://www.artkernel.com/?p=6419 Sabato 25 febbraio alle 21.30 Xing presenta la performance An afternoon love di Pathosformel, secondo appuntamento della serie Sporting ospitato nella Palestra Guinizzelli in Via Ca’ Selvatica 9 (meeting point: Raum, Via Ca’Selvatica 4/d).

pathosformel, "An afternoon love". Performance

Non si tratta di un manuale: non vi dirà come comportarvi né che cosa fare per togliervi dall’affanno e dall’ingombro di un abbandono. Non ha trama, se non quella dell’indagine dei movimenti amorosi.
(Pier Vittorio Tondelli sui Frammenti di un discorso amoroso di Roland Barthes).

An afternoon love è un allenamento di basket ininterrotto e serrato; un rapporto a due che, lasciando lo sguardo scavare dietro l’immagine di atletismo e agonismo, può ancora suggerire l’infinità dei rapporti che esistono al suo interno. Il rapporto tra un uomo e il proprio oggetto ha la stessa complessità relazionale che c’è tra due uomini? Sembra un combattimento feroce con l’oggetto ma diviene la più persuasiva delle conquiste; si carica di un vissuto umano per tornare ad essere improvvisamente solo allenamento: è quasi una coreografia a due, che disegna il rapporto sempre in movimento che abbiamo con l’altro.

di Daniel Blanga Gubbay, Paola Villani
con Joseph Kusendila
con la collaborazione di Andrea Corsi
produzione Pathosformel; coproduzione Centrale Fies, Workspace Brussels; in collaborazione con Contemporanea festival / Teatro Metastasio della Toscana
residenze artistiche Workspace at Kaaitheater (Brussels), Workspaceat Les Brigittines (Brussels), Tanzfabrik (Berlin)
con il supporto di APAP network – Culture Programme of the European Union
Pathosformel fa parte del progetto Fies Factory
si ringrazia CANGO Cantieri Goldonetta Firenze

Pathosformel nasce a Venezia nel 2004 riunendo elementi provenienti da differenti discipline, nell’intenzione di ripensare le priorità all’interno degli elementi che compongono una partitura performativa, e di indagare la presenza del corpo umano in scena. Soluzioni artigianali e tecnica, rapporto con lo spazio e con i materiali, lavoro su corpo ed immagini, non predominano l’uno sull’altro a priori ma solo in virtù di una resa scenica. A seguito dei primi lavori  Volta (2007), La timidezza delle ossa (2007), La più piccola distanza (2008) Pathosformel ha ricevuto il Premio Ubu Speciale per una ricerca che mira a coniugare nell’ambito teatrale aspetto artigianale ed astrazione. La produzione è proseguita con Concerto per harmonium e città (2009), La prima periferia (2010), Alcune Primavere cadono d’inverno (2011) con musiche originali dei Port-Royal. Pathosformel fa parte dal 2007 del progetto Fies Factory di sostegno e promozioni di giovani artisti italiani ed é membro di Apap performing art network.
www.pathosformel.org

Sporting ricolloca l’arte della scena nei luoghi della preparazione atletica e del gioco. Una palestra della visione, dedicata alle ginnastiche della mente figurante. Senza nascondere l’esercizio, i tentativi e le evoluzioni, da cui la creazione performativa proviene. Ancora una volta nessuna cosmesi, ma allenamento e pratiche. Questa doppia edizione di Sporting ci permette di fuoriuscire da Raum, attraversando la strada di Via Ca’ Selvatica per entrare nella Palestra Guinizzelli.

Col supporto di Regione Emilia-Romagna, Comune di Bologna, Quartiere Saragozza, Edizioni Zero, Città del Capo-Radio Metropolitana, Radio Città Fujiko.

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Info e Link:

Raum info
via Ca’ Selvatica 4/d – Bologna   tel 051.331099   info@xing.it www.xing.it www.facebook.com/xing.it
Raum press
tel 051.331099 mob 339.1503608 pressoff@xing.it

Muna Mussie, "Monkey see, Monkey do". Performance

Di solito ci si guarda allo specchio in solitudine. Vorrei guardarmi allo specchio in moltitudine.

Monkey see, Monkey do, performance ideata da Muna Mussie, artista eritrea attiva tra Bruxelles e Bologna, con Giorgia e Muriel del Don, performer e curatrici svizzere, dà forma ad una fusione fra pubblico e scena, riflettendo sull’immagine e il suo potenziale. Una diatriba tra parola e immagine, a partire dalla dimensione conturbante del ‘doppio’.
Monkey see, Monkey do parla di persona-corpo – inteso come complesso organizzato da elementi concreti – e di persona-politica – intesa come complesso organizzato da elementi astratti. Si rivolge a uno spettatore che condivida con le artiste/artefici una volontà di scandaglio e significazione del gesto più minimo: ‘occhi diaframma che si allenano a contemplare, a contenere un di più, un di meno che sprigiona visioni attraverso tensioni psicofisiche tra corpi; corpo carne, corpo suono, corpo plastico.’
Protagoniste sono figure semi-identiche che agiscono come ‘prototipo’, in funzione di una messa a fuoco di quella avventura fantastica e controversa che ognuno esperisce di fronte alla propria immagine. Lo specchio, oggetto e dispositivo base su cui è disegnato l’impianto di Monkey see, Monkey do, impone allo sguardo di ruotare su se stesso partendo dalla e giungendo alla medesima fonte che è al contempo guardante e guardata. Questa rotazione perpetua cerca un suo periodo ipotetico nella realtà. Una realtà difficile da identificare.
Come liberare parola e immagine dalla reciproca forma di ‘patria potestà’? Operando dall’apparenza del reale, slittare, sorvolare, inciampare sui diversi codici che la esprimono. Un viaggio semantico in entrata e uscita libera.

di Muna Mussie
con Giorgia Del Don e Muriel Del Don
con la collaborazione di Gian Luca Mattei
produzione workspacebrussels, Xing
con il supporto di Summer Studio/Rosas Parts, Bains Connective, Teatro Valdoca

Muna Mussie (Eritrea, 1978) inizia il suo percorso artistico nel 1998 a Bologna, formandosi come attrice performer con il Teatrino Clandestino e con il Teatro Valdoca. Dal 2001 al 2005 è parte attiva nel gruppo di ricerca Open, progetto con il quale inizia a maturare il desiderio di indagare altre possibilità dello stare in scena. Parallelamente instaura un dialogo con l’artista visivo e film-maker Luca Mattei, costante collaboratore nelle opere a venire. Dopo la performance opentolikemunamussie è la volta di lavori pienamente autoriali, di cui cura concezione, messa in scena e interpretazione. Nel 2006 debutta a Raum (Bologna) con Madrepatria e nel 2007 con Più che piccola, media. Nel 2008 crea Con Permesso, ed è vincitrice del Performance day, a cura di Emilio Fantin. Nel 2009 realizza le performance 1PER1, Ti ho sognato, ma non eri il protagonista e Primavera 2009 in collaborazione con Gaetano Liberti. Nel 2010 Xing le commissiona per la rassegna Art Fall al Padiglione d’Arte Contemporanea di Ferrara la performance Ti ho sognato, ma non eri protagonista. Nel 2011 ottiene una residenza produttiva a Bruxelles da Workspace mirata alla creazione di Monkey See, Monkey Do. È autrice con Flavio Favelli del progetto FFMM, collezione di abiti presentata alla Fondazione Sandretto Re Rebaudengo (Torino 2007) e al Museo Marino Marini (Firenze 2009).Tra i premi: Riccione TTV-premio Pier Vittorio Tondelli/Nuovi Talenti 2008; segnalazione Premio Iceberg 2009; Premio Mondo 2010. Tra le collaborazioni: Irena Radmanovic, Riccardo Benassi, Sonia Brunelli, Dominique Vaccaro, Massimo Carozzi, Margherita Isola. Il lavoro performativo di Muna Mussie ricerca accordi precari su ipotesi di s-confino per formati medio-piccoli.
www.munamussie.com

Muriel Del Don e Giorgia Del Don (CH,1980), curatrici, giornaliste, performer. Seguono un percorso formativo all’Université de Lausanne in storia ed estetica del cinema e giornalismo. Hanno lavorato per Brussels Short Film Festival, Festival International de cinéma et télévision Cinéma Tout Ecran, Festival Filmar en América Latina Genève. Altre esperienze in campo cinematografico con Leïls Films a Bruxelles e Underdog Pictures GmbH (Berlino); e in campo visivo con Galerie Michael Janssen, DUVE Berlin e Anyway Galerie (Berlino).

Sporting ricolloca l’arte della scena nei luoghi della preparazione atletica e del gioco. Una palestra della visione, dedicata alle ginnastiche della mente figurante. Senza nascondere l’esercizio, i tentativi e le evoluzioni, da cui la creazione performativa proviene. Ancora una volta nessuna cosmesi, ma allenamento e pratiche. Questa doppia edizione di Sporting ci permette di fuoriuscire da Raum, attraversando la strada di Via Ca’ Selvatica per entrare nella Palestra Guinizzelli.

Col supporto di Istituto Svizzero di Roma, Regione Emilia-Romagna, Comune di Bologna, Quartiere Saragozza, Edizioni Zero, Città del Capo-Radio Metropolitana, Radio Città Fujiko.

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Info e Link:

Raum info
via Ca’ Selvatica 4/d – Bologna   tel 051.331099   info@xing.it www.xing.it www.facebook.com/xing.it
Raum press
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Flayer dell'evento

La locandina della mostra cacciatrice di miraggi

La mostra è idealmente suddivisa in due parti: la prima, l’esposizione vera e propria, dove sono esposte le 25 fotografie (suddivise in 4 capitoli, Vista, Luci nell’acqua, Omaggio ad Anish Kapoor e Self-portrait) che Margherita Lazzati ha spedito in formato cartolina a una selezione di destinatari chiedendo loro un commento; la seconda, la parte interattiva, nella quale si chiede al pubblico, visitatori di ogni età  e studenti di classi primarie e secondarie, di partecipare attivamente, lasciando una testimonianza scritta.

I miraggi che Margherita Lazzati propone sono, come lei stessa definisce: “vedute riflesse che rimandano al mondo dei sogni e, come un sogno, scompaiono se non vengono fermate da uno scatto fotografico… Attraverso questo progetto vorrei scoprire l’emozione, la fantasia, il pensiero di chi guarda un mio miraggio, proseguendo la corrispondenza con chi, visitando la mostra, lascerà un pensiero”.

”Con un po’ d’invidia per i suoi successi internazionali – racconta Marco Garzonio, Presidente della Fondazione Culturale Ambrosianeum – ho chiesto a Margherita Lazzati se riuscivamo ad immaginare un’esposizione di fotografie all’Ambrosianeum (…). Nei miei intenti c’era il desiderio di accompagnare con una ricca e penetrante documentazione visiva il lavoro di monitoraggio delle trasformazioni socioculturali della città che la Fondazione da vent’anni compie con il Rapporto. Margherita ha sovvertito gli schemi pur prestigiosi di un’istituzione. Era d’accordo, avrebbe radunato il materiale per una Mostra da allestire alla Rotonda del Pellegrini, con una sorpresa: cacciatrice di miraggi la titolò. A studi, ricerche, documenti conferiva l’alito vivificante della poesia”.

Vista St. Germain des Prés – Paris 2011

cacciatrice di miraggi – commenta Alessandro Bartolini, freelance per Flash Art online – “oltrepassa la concezione classica di una mostra fotografica; Margherita Lazzati ha inviato via mail, alle persone a lei più vicine, gli scatti dei suoi miraggi, riscoprendo in chiave contemporanea l’eleganza e il calore, ormai dimenticati, che la corrispondenza regala. Ha voluto conoscere, senza avere la presunzione di interpretare o pretendere di condividere, le sensazioni che questi squarci di mondo hanno suscitato nei destinatari delle sue cartoline”.

Un catalogo bilingue edito da Galleria l’Affiche raccoglie le cartoline delle fotografie esposte e i commenti fino ad ora ricevuti in risposta al primo invio mentre, a mostra conclusa, verrà pubblicato un volume con una selezione di pensieri lasciati dai visitatori. Il catalogo sarà in vendita anche nelle librerie Feltrinelli di Milano.

Tra gli autori delle risposte al primo invio di cartoline-email si annoverano i testi di: Claudio Abbado, Simonetta Agnello Hornby, Giovanni Barbareschi, Davide Benati, Simone Baudo, Bros, Giobbe Covatta, Maddalena Crippa, Anna Ferrante, Marco Garzonio, Ennio Morricone, Lea Pericoli, Umberto Veronesi, Giovanna Zucconi.

La mostra ha ottenuto il patrocinio del Comune di Milano (Assessorato Cultura) e dell’Università Cattolica del Sacro Cuore (Dipartimento di Psicologia). L’allestimento è sponsorizzato dal Credito Artigiano e l’inaugurazione dall’azienda vinicola marchigiana Lacanosa.

link per visionare e scaricare tutte le immagini in alta risoluzione disponibili per questo comunicato

link per richiedere una copia del Catalogo

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Margherita Lazzati (Milano, 13/1/1953), vive e lavora a Milano.
La passione per la fotografia e i viaggi la conduce in luoghi dei  quali riesce a catturare le sensazioni e l’atmosfera.

“riflessa” – Margherita Lazzati – Milano 2012 – Foto Simone Baudo

Premi Concorsi Fotografici
- iFocus – “Riflessi” – pubblicazione – 2011
- Fotografico Associazione Rondine, Cittadella della Pace – 2009
- Premio Soci Associazione Rondine, Cittadella della Pace – 2008
- “Roberto De Giuseppe” – Città di Bollate – 2° premio - 2006
Esposizioni Personali
- “La mia storia con Samuel Beckett a Portobello”- Forte dei Marmi – 2011

- “La mia storia con Samuel Beckett a Portobello” – Chiostro Piccolo Teatro – Milano – 2010

- “La mia storia con Samuel Beckett a Portobello” – ready-made – Milano 2010

- “REFLEX on the road” – Palazzo Mÿsanus – Samedan – Switzerland – 2009/2010

Esposizioni Collettive

- Affordable Art Fair, Hampstead, Flaere Gallery – London – 2011

- CHIC Art Fair, Flaere Gallery – Paris – 2011

- MadridFoto 3, Flaere Gallery – Madrid  – 2011

- Affordable Art Fair, Battersea, Flaere Gallery – London – 2011

- “You are here” Flaere Gallery – London - 2010

Eco della stampa

- “La mia storia con Samuel Beckett a Portobello” – Alessandro Bartolini, Flash Art online – 2011

- “Io e Beckett, un amore contro il tempo” – Marco Bernardini, Corriere della Sera Firenze Cultura – 2011

- Intervista con Davide Ferazza – “Piccolo Teatro TV” - 2010

- Intervista in diretta con Marco Casa – Radio Marconi - 2010

- Intervista in diretta con Antonio Audino “Pantagruel” – Radio Rai 3 – 2010

- “Lazzati. Beckett a Portobello un amore di murales” – Simone Mosca, La Repubblica Milano Cultura – 2010

- “La mia storia d’amore con Beckett” – Clara Castaldo, Arte Varese – 2010

- “Il muro di Samuel Beckett” – Massimo Marsili, Living Tuscany – 2010

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Info e Link:

ingresso libero

telefono: 02 86464053 | info@ambrosianeum.org

MM1 – MM3 fermata Duomo

orari: 10,00 – 19,30 da martedì a domenica

Ufficio stampa:

TML Comunicazione – Giovanna Pasini

t. +390286454812 | f. +390286454880

Ambrosianeum – Maria Vittoria Gatti

t. +390286464053  mob. +393294219258

LPM è un meeting internazionale di live video performers, visual artist e vj, che si propone di indagare, anche attraverso la programmazione, le tendenze che piu’ hanno influenzato la creazione di performance di live video, quali:

Live Cinema: opere eseguite esclusivamente dal vivo capaci di dimostrare un approccio narrativo
sperimentale, progetti in continua tensione fra esperienza percettiva e atto performativo.

Video Mapping: una tecnica di video-proiezione in grado di animare volumi architetturali; l’effetto è spettacolare ed emozionante, confonde e seduce le nostre percezioni grazie al dialogo che le immagini intraprendono con le superfici.

Digital Freedoms: attivismo e bellezza, estetica di database, visualizzazione di dati pubblici o privati, sono forme di espressione artistica che nel tempo sono state in grado sia di informare che attivare le coscienze di persone in tutto il mondo.

Visual gender: grazie al confronto fra Gender studies, teoria queer ed arte contemporanea, la visione del corpo, l’identità sessuale è sconnessa dalle stereotipizzazioni di L.g.b.t. e il linguaggio video diventa strumento di emancipazione del genere.

Visual Generativi: grazie a una codifica attiva e reattiva del mondo intorno a noi nuove biosfere digitali offrono al pubblico l’emozione di complessi network sensoriali composti semplici bit e codici binari.

3D-Stereoscopic: la stereoscopia permette una visione tridimensionale dei contenuti video standard per una completa immersione percettiva. Software e tecniche ad hoc manipolano la percezione visiva per creare degli spazi visuali “aumentati”.

Nelle due edizioni 2011 di Roma (IT) e Minsk (BY) sono stati ospitati 640 artisti in rappresentanza di più’ di 30 paesi, sono stati presentati 314 tra audio/video performances, vjset e workshop, sono intervenute10.500 persone nei giorni delle due edizioni del Meeting e circa 35.000 durante le varie preview.

Vj, artisti, creativi, professionisti del settore e grande pubblico saranno coinvolti nelle numerose attività: performance live e mapping performance si susseguiranno per l’intera durata della manifestazione, insieme a ore dedicate alla formazione e all’approfondimento delle più’ interessanti ed innovative tematiche sulla visual culture, grazie al contributo di esperti, docenti e partner. Aree dedicate all’interazione e all’incontro faranno da corollario per tutta la durata dell’evento.

La partecipazione al Meeting è GRATUITA ed è possibile iscriversi attraverso la procedura di registrazione on line nella sezione “partecipa” del sito ufficiale.

Le sottoscrizioni saranno accettate fino al 12 Marzo 2012

Il programma quotidiano dell’evento:

15:00 – 21:00 Workshop
15:00 – 16:00 Lecture e conferenze
16:00 – 18:00 Presentazioni di progetti e prodotti
18:00 – 04:00 AV Performance e VJ / DJ set

Anche quest’anno LPM ospita il VJTorna, un concorso internazionale di Vjing che offre ai performers e
al pubblico un’esperienza unica ed entusiasmante.
Tre giorni di duelli tra vj internazionali, una giuria di esperti, quattro categorie Pre-produzione, Vj
Champion, Vj Battle Champion e Best Live Mapper, un pubblico che conferisce un Audience Award e
sponsor tecnici che mettono in palio i propri prodotti.
Nato nel 2004 a Budapest, il VJ Torna, è un appuntamento fisso per vj e appassionati che vanta
collaborazioni in tutto il mondo. Nel 2012 il VJTorna si prepara anche per le edizioni di Berlino, San
Paolo, Bogotà, Roma e Città del Messico.

LPM è prodotto ed organizzato da
Flyer Communication
con il supporto del Programma Cultura della Comunità Europea

co-organizzato con Linux Club Italia (IT)
FLxER.net (IT)
Association Les Reseaux De la Creation – Vision’r (FR)
VJ Torna International (HU)
Multitrab Productions URBAN NO PROFITABLE COMPANY – Athen’s Video Art Festival (GR)
Ambassade de France – Service de Coopération et d’Action Culturelle

in partnership con
Centro Cultural BORDER (MX) Juego de Talento, S.A. (MX)

in associalzione
con Ambasciata del Messico a Roma

info: press@liveperformersmeeting.net
link: www.liveperformersmeeting.net

Emilo Scanavino, "Tramatura", olio su tela cm 100x100.

La collezione, costruita nel corso degli anni, comprende circa venti di dipinti su tela e tavola presentati nel formato originale. Le opere scelte a rappresentare la seconda grande stagione di maturità di Emilio Scanavino ripercorrono quei momenti in cui il segno diventa anche gesto e interazione, trasposizione diretta della traccia unica del pensiero di un istante.
Sotto-sopra, Dall’alto, L’Appeso, Alfabeto senza fine, Storia in quattro tempi, sono solo alcuni dei temi intorno ai quali è stato possibile comporre il ritratto di un artista, artefice di una continuità della pittura come ricerca di immagine necessaria.
La mostra è accompagnata da un catalogo bilingue per le edizioni della galleria Dep Art, con testo di Flaminio Gualdoni.

Emilio Scanavino (nato a Genova il 28 febbraio 1922) si è imposto sino dagli anni Cinquanta come uno dei maggiori protagonisti dell’Arte Italiana. Le caratteristiche della sua pittura e in modo particolare il suo personalissimo segno si legano ed al tempo stesso si distinguono dall’informale di cui è stato un esponente di rilievo internazionale. Più volte presente alla Biennale di Venezia (1950, 1954, 1958) è invitato con sala personale nel 1960 e nel 1966 vinceva il premio Pinin Farina. Ha esposto nelle principali gallerie italiane e tenuto personali all’estero: a Londra, Parigi, Bruxelles, Copenhagen, Amburgo, Malmo, Filadelfia, ecc. Tra il 1973 e il 1974 gli vengono allestite tre importanti mostre antologiche: alla Kunsthalle di Darmstadt, a Palazzo Grassi a Venezia ,e a Palazzo Reale a Milano. Della sua opera hanno scritto i maggiori critici, alcuni come Jaguer, Ballo, Jouffroy, Crispolti, Sanesi, Russoli, G.M.Accame con volumi monografici. Dopo la sua scomparsa la città di Genova gli ha dedicato una importante antologica nel 1987, al Museo d’arte contemporanea di Villa Croce. Sulle opere degli anni Settanta si è tenuta nel 1988 una mostra al Castello Doria di Porto Venere e alla Galleria Civica di Modena, all’inizio del 1990, una rassegna sul periodo 1954-1962.
Muore a Milano il 28 novembre 1986.

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Info e Link:

GALLERIA DEP ART
via Mario Giuriati, 9 – 20129 Milano
Tel/Fax +39 02 36535620
www.depart.it – art@depart.it

Orario: dal Martedì al Sabato dalle 15 alle 19
Mattina e Festivi su appuntamento
Ingresso libero